GRINDIN' 10 - Sneakers
💥 GRINDIN’ Radio #10: «Perdona, ¿tenéis las Jordan?» (Sneakers)
👨👦 Participan: DJ Nexxa, AkaSinestesia, Enjoy Canoa, Mariola, AEXIII y Héctor Fox de Backseries
💽 Con un estreno en exclusiva de ‘Visión’, de Baby Dre e IC
https://open.spotify.com/episode/2IpHdDGrGCJaMmS32DTMQS?si=T95nXszwQhCmymT1j9Uytw
https://youtu.be/RjqrMMgbNpg
Sr. Chen
Sr. Chen: Misma frescura, menos caretas
Entre nuestras fronteras hemos tenido la suerte de contar con unos pocos artistas que siempre quisieron romper moldes. Y la mayor suerte de todas quizás fue contar con GRIFFI, ese productor que lleva más de 30 años, precisamente, haciendo que los artistas vanguardistas se concentren entorno a él. Un gran ejemplo es Matador Rockers, banda de la que emergió Sr. Chen.
Con un buen puñado de años a la espalda, el de Rubí se ha asentado en la escena nacional como uno de los artistas más multifacéticos. No nos ha sorprendido verle probarse sobre rap, trap, electrónica o sonidos más característicos del R&B. La cuarentena no es que jugase a su favor, pero nos sorprendió con muchísima música, para terminar presentándonos "Cómo No Hacer un Trío", su álbum más reciente.
Derribando las fronteras que podían quedarle, más personales que artísticas, Chen nos trae su álbum más personal. Recopilando todo aquello que creía que nunca iba a contar y presumiendo, una vez más, de conocer la fórmula para mantenerse fresco. Esto es lo que tiene que contarnos.
https://www.youtube.com/watch?v=4hgWRAxrnQ4
Jon: ¡Qué hay Martí! Qué alegría tenerte por aquí, ¿qué tal te encuentras?
Buenas bonico, qué guay poder contestar esta entrevista, estoy bastante bien. Con algo de ansiedad, ya que después de la salida del disco me encuentro con que ya no hay proyectos y soy un “workaholic” de mierda.
Jon: Eso es... ¿bueno? Supongo, jaja. Creo que estarás al día, y ya vendrás preparado. Arranco esta charla como siempre: seguimos en mitad de una pandemia, ¿cómo te ha afectado a ti personal y artísticamente esta crisis global? ¡No sé qué esperar de tu respuesta! Soltaste un disco en plena pandemia, y ahora otro.
Pues me liga muy bien con la pregunta anterior, aparte yo ando pasando la pandemia muy alejado del mundo, en modo ermitaño, así que si no me controlo, me es fácil caer en la sobreproducción para evadirme. Eso puede hacer que no haga temas con sentido, que los haga por pura rutina de trabajo y eso es terrible para el material. Ahora mismo , después de "4Ever Domingo", el disco de Yudi Saint X, "Cómo no hacer un trío", el disco de Yung Rajola y el próximo álbum de Lil Dami, me siento megavacío. Con ganas de vivir un poco hasta que merezca la pena hablar de algo de nuevo.
Jon: Quería que hablásemos de un disco, y ya hemos mencionado 5, sí que debes tener un problema jajaja. Antes de eso, quiero ir al pasado. Muchos crecimos escuchando a GRIFFI, Solo Los Solo y Chacho Brodas... y por supuesto a los que estos trajeron bajo el brazo, como tu grupo Matador Rockers. ¿Cómo nació ese proyecto y de qué forma te educó en la música, qué aprendiste?
Pues de Matador Rockers aprendí un poco la realidad del circuito musical, salir un poco de la peli que nos venden y ver el trabajo que hay detrás. El proyecto nació más o menos de manera natural, aunque ahora con el tiempo también te digo que muchas decisiones que tomaba yo eran fruto del miedo y de querer encajar. Aún así guardo mucho cariño de esos días y sobre todo de mis compañeros de viaje, Lio Ra y Gonne.
Jon: ¿Crees que sin ese amparo de GRIFFI toda tu carrera en la música se hubiese tornado diferente?
Siempre recordaré que con 19 años, habiendo hecho la maqueta de “Bienvenidos a…” con Lio, me dijo que Griffi tenia ganas de conocernos y para mí eso fue un momento muy impactante, ya que Griffi siempre ha sido el arquitecto de casi todos mis temas favoritos del panorama nacional. De manera sutil (es decir, sin darme la tabarra), Javi me enseñó que la técnica no vale para nada si el cuerpo no responde, que la intuición es la que manda a la hora de hacer música.
Jon: Quiero que me seas sincero, ¿crees que Matador Rockers fue un proyecto adelantado a su época, que todo hubiese sido diferente de emerger ahora, por ejemplo?
Bueno, sí y no. Yo considero a Matador Rockers como un grupo bisagra, estábamos entre dos épocas, descontentos con la escena patria en la que no nos sentíamos representados, pero queríamos seguir formando parte de ella. Yo noto que tenía mucho esa energía de “no quedar mal con nadie” y a la vez intentar enseñar unas formas que eran más revolucionarias en aquella época.
Luego apareció toda la ola del trap que directamente negó sus orígenes y parece que esa fue una buena decisión, ya que les ayudó a desmarcarse y ganarse todo ese público que ya no se sentía identificado con el “corsé” que tenían los grupos más a la cabeza en España, que al final eran y siguen siendo una panda de puristas asustados. También lo de la época es muy relativo porque yo recuerdo el sonido que sacaban Foreign Beggars, Oh No o Dabrie y esa era 100% nuestra movida y eran sonidos coetáneos.
Jon: Desde luego que 2020 fue un año de locos. Como decía antes, nos hemos sentado a hablar porque tu decidiste arrancar este 2021 estrenando un nuevo álbum “Cómo no Hacer un Trío”. ¿Qué puedes contarnos del disco?
Pues que llevaba acabado desde antes de "4Ever Domingo", pero no tenía agallas para sacarlo, pues es un disco que para mí es tela de incómodo de escuchar. Es un disco que habla de mi divorcio y donde cargo muy duro contra mí mismo, me desnudo mucho y exponerme de esta manera pues no es fácil. He estado a punto de no sacarlo mil veces, pero al final ha sido un ejercicio de respetar el momento en el que fue escrito y entender que esas emociones tuvieron su tránsito en mí. También me sirve para hacer un poco borrón y cuenta nueva y poder mirar adelante más ligero.
Jon: El título ya dejará a alguno un poco loco. ¡Y la portada termina por rematarlo! Jajaja, desde luego que no conocía la historia detrás. Además decidiste sacarlo el 1 de enero… Tío, de verdad que necesito que me expliques el por qué de crearlo así y sacarlo en ese día tan señalado.
Lo del 1 de enero fue idea de Genís, uno de los chicos de Montebello Agency, que me están ayudando con la salida y para mí tiene mucho que ver con dejar ir esa parte de la que os hablaba y cerrar un ciclo muy manchado por la transformación personal. Aparte para mí es una manera de decir: vale, ahora ya no hay "4Ever Domingo" ni “Cómo no hacer un trío”. Estoy limpio y en paz con el curro hecho, ahora puedo empezar a enseñaros cosas con las que resueno más en este momento.
Jon: Quizás me equivoque y tengas que corregirme, pero mi percepción personal es que: en el Puto Chen, de Matador Rockers encontrábamos mucho “el ego del rapero”, mucho guerreo. Y descubrimos a un Chen totalmente diferente en “Espero Que te Guste”, más concienzudo y emocional, por decirlo así. Este último disco parece una mezcla de ambos, con mucho cachondeo. Producto de la madurez y la evolución, ¿o solo son fases?
Totalmente. El Chen de Matador Rockers era todo fachada para encajar, el molar por el molar. Ahora lo pienso y todos los temas de Matador eran puro ego trip y con el tiempo, me doy cuenta de que ser el mejor es algo que no solo es absurdo, sino que no se demuestra diciéndolo sino haciéndolo. Ahora me siento más tranquilo porque con los años, uno se va quitando inseguridades de encima y va viendo que conecta más con la gente cuando es él mismo.
Al final, Matador era un proyecto con otra gente y siempre nos hacemos reflejo cuando curramos con gente, mis discos en solitario son una oportunidad mía para enseñar lo que no enseño cuando llevo la armadura puesta.
Jon: El proyecto guarda un sinfín de estilos diferentes, lo que tampoco nos ha pillado por sorpresa. Desde siempre te hemos visto probarte sobre toda clase de ritmos. ¿De dónde viene todo eso? Hay muchos artistas que escuchan de todo, pero trabajan un abanico pequeño, ¿crees que es cuestión de derribarse fronteras?
Al final me miro en la gente que siempre me ha inspirado y para mí lo realmente divertido está en la variedad. Hace unos años te habría dicho que uno tiene que desafiar siempre el sonido establecido y estar siempre en la brecha de la modernidad para estimular al género. Pero ahora mismo… eso me da un poco igual, me estimula lo diferente porque lo que ya he hecho, pues ya lo he hecho. Al final con lo que me quedo es con esa sensación de yonki que tengo en el estudio cuando estoy haciendo algo que no he escuchado nunca.
Jon: Porque tú has rapeado, has hecho R&B, mucha electrónica, incluso sonidos más pop. Uno de los mejores ejemplos es ‘República’. ¿Crees que esa fusión tan grande te abre a un gran público, de diferentes sonidos, o hace que tu música se disgregue llegando a menos gente en el foco de los géneros?
Con Dami también nos pasa un poco eso, la movida del género y la etiqueta y cada vez está más difuso todo. Donde le llamamos urbana a todo aunque Tangana te saque un bolero. Tiene que ver (a mí parecer) con la industria y la radio creo. La peña va donde esta la emoción y donde se sienten identificados y menos solos.
El género solo es una elección más a la hora de querer transmitir una emoción o una idea. Claramente es algo que no me ha beneficiado nunca y siempre me he sentido poco rapero para los raperos, poco calle para los del trap y poco indie para los del indie. Así que siempre he estado un poco en tierra de nadie. Pero bueno, al final pienso en que no debo ser el único que siente en tierra de nadie y eso ya es formar parte de algo, ¿no?
Jon: Abriendo un poco el prisma, sí que te quiero preguntar sobre tu casa, sobre Catalunya. En el disco de 2020 sí que te rodeaste de más de 15 artistas, pero bien es cierto que vienes manteniendo mucha química con tus paisanos Lil Dami y Mi.Amargo. ¿Cómo nace esa hermandad?
Pues al final por cercanía y visión supongo, no se sabe muy bien por qué, pero tú como artista gravitas hacia unos artistas y con otros directamente no hay feeling. Para mí colaborar es un pilar básico de mi música y con Amargo y Dami siempre ha sido algo estimulante.
Jon: Alguna vez ya has manifestado que el nivel del país ahora mismo está muy alto, sin embargo, de Barcelona, de Terrassa, de Rubí, de Girona… No dejan de salir talentos año tras año desde hace cerca de 40, ¿qué crees que es lo que alimenta esa masía de talento inagotable?
Pues tío, te voy a ser sincero, siempre hay esa frase de que aquí hay mucho talento emergente y cohesión pero no veo escena por ningún lado. Ojo, que me voy a poner boomer, pero llevo ya más de 10 años haciendo música, he currado con muchísima gente y no tengo sensación de escena, nunca. Puede parecer que lo diga como algo negativo pero últimamente también estoy reflexionando mucho sobre el tema y me doy cuenta de que la idea de “escena” es algo que no crean los propios músicos sino más bien la gente que rodea estos (prensa, discográficas, etc).
Para mí, al final, lo que me ayuda a estar tranquilo con esa idea es pensar que yo soy mi propia escena y que la gente con la que curro es porque hay buen feeling o negocio de por medio. Ya se encargará alguien de ponerle un nombre a la escena catalana para sacarle rendimiento.
Jon: Los últimos años allí han sido de mucha tensión. Yo siempre he criticado que los artistas de España no se mojan, respecto a nada. ¿Crees que los artistas catalanes sí lo estáis haciendo? ¿O crees que deberían hacerlo más, o que simplemente no hay ninguna necesidad de hacerlo?
Muy buena pregunta, estoy contigo. Es tremendamente incómodo y arriesgado mojarse porque el público te penaliza. Yo tengo mil inseguridades por mostrar mi cuerpo porque siento puta vergüenza de tenerlo o de estar calvo y hablar de ello es abrir una ventana a lo incómodo y lo incómodo cuesta seguidores. No solo seguidores, sino que los propios medios tampoco hablarán de ello porque es incómodo y también sienten esa presión.
Es un pez que se muerde la cola. Estos últimos dos años que he estado más cerquita de grupos que tienen más exposición o radios fliparías con la de decisiones que se toman para ser modernas sin ser arriesgadas. Últimamente, por ejemplo, veo a muchos hombres heterosexuales cis coquetear con lo que socialmente se define como femenino y parece que eso te da vía libre para tener exposición sin que hagas un análisis profundo de por qué estás haciendo eso. O seas el primero en seguir siendo un machista de mierda en tus comentarios. O no tener ningún tipo de sensibilidad a las persones trans por poner un ejemplo.
Al final es lo de siempre, la camiseta del Che Guevara, ¿sabes? El titular sin el trabajo de fondo y así el problema, pues sigue estando ahí. Solo que con otro rostro. Aparte que no nos damos cuenta de cómo invisibilizamos a todos los colectivos que llevan haciendo esto desde hace años pero parece que si no lo hace la persona normativa de turno, eso no se debe empoderar porque altera el status quo.
Jon: ¿Qué consejo le darías al Chen de “Esto Tenía que Pasar”?
Uf, muy buena. Realmente ninguno. Que aprenda de cada hostia que le espera (que van a ser muchas) y que cada vez estará más en paz con lo que él es realmente. En lo musical le diría que aprender teoría musical siempre le hará bien y que se sienta orgulloso de lo que es él sin compararse con el resto.
Jon: Tengo que darte mucho las gracias por este rato en GRINDIN’, ¡gracias de verdad Chen!
A ti. Me das una buena vibe increíble y te veo megaenfocado. Saludos y ojalá coincidir algún día. Un fuerte abrazo.
Fotografías: Elena Codes
Recuerda que puedes escuchar el álbum ‘Cómo no hacer un trío’ de Sr. Chen a través de su perfil en Spotify:
https://open.spotify.com/album/2lZWrL4AgEnblMCNlJCRsD?si=hZ0ovWiARyKKhCAF3BLZbw
GRINDIN' Gijón
💥 GRINDIN’ Radio: Gijón
👨👦 Participan: The Royce Q, Delarosa, Yung Seka, Vicious V.I.P. (Crystal Jaw), Doris Escarlata, Dalai Karma y Goldo Maj
💽 Con un estreno en exclusiva de ‘Hole In 1', de J. Dean y Clonex
https://open.spotify.com/episode/5JmWlspKMCdmyGhfJBo46s?si=WNWSuGO0TIWrgjPawVC1Ag
https://www.youtube.com/watch?v=RFQIY-fMMp8
C. Terrible
C. Terrible: No es rap español, es rap en español
Todos llevamos repitiéndonos esa frase en la cabeza desde, al menos, 10 años. Que se dice pronto. Y es que en parte -y que no se me malinterprete- es como la hostia del padre al crío: la entiendes a la primera, y la recuerdas durante toda tu vida. Lo que hace C. Terrible no es rap español, es rap en español. El lenguaje que utiliza es el nacional, pero sus influencias, sus sonidos y hasta su estética es puramente americana.
Tras muchas lecciones, y tras mantener ese sonido duro durante más de 10 años, postulándose como uno de los reyes del boom-bap en España, el sevillano ahora se plantea renacer para morir. Borrón y cuenta nueva. Lo hace firmando "R.A.D.M", su proyecto más cuidado, variado y hardcore hasta la fecha.
En él encontramos colaboraciones con Shaolin Monkey, Cecilio G, Babi Blackbull y Tote King, entre otros. Al que en su día llegó a colaborar con miembros de Wu-Tang Clan como Inspectah Deck, se ha apoyado ampliamente en Bigla para la inmensa mayoría de los beats de este disco. El resto, es mejor que os lo cuente él mismo.
https://youtu.be/ItYu8Iq1W2w
Jon: ¿Qué hay C. Terrible, qué tal, cómo te encuentras?
¡Estoy del carajo! Preparando proyectos y pese a todo lo que está cayendo, pasando una buena etapa tanto a nivel musical como personal.
Jon: Estamos pasando por una ola de frío tremenda, estamos rodeados de nieve… Pero siempre hay algo que no se nos olvida. Estamos viviendo una crisis mundial, ¿cómo te ha afectado a ti artística y personalmente esta pandemia?
Artísticamente mal, como al resto del panorama, intentando sacar el mayor trabajo como se puede, y siendo el año más productivo a nivel personal.
Jon: Todos conocemos tu nombre por la larga trayectoria en el juego, y cada vez parece que el nombre de tu grupo se va agrandando. No solo en cifras, sino en número de integrantes. Conocemos a Shaolin Monkey, Babi, Klan, Trueno, Pebens… ¿Cómo funciona realmente Socio Ejecutor y cuál es el fin de un súper-grupo así?
Funcionamos como colectivo, ante todo intentamos estar comunicados casi todos los días. Nos organizamos para sacar trabajos, vídeos, eventos y merchandising… Y sobre todo apoyándonos en los trabajos individuales de cada uno, representando lo que el colectivo quiere transmitir. Nuestro fin es sonar como nadie, aportando calidad en todos los aspectos dentro del género musical y manteniendo la esencia que nos define, muy diferente a cualquier otro grupo de habla hispana.
Jon: Nos hemos sentado a charlar porque estás de regreso con un nuevo -y durísimo- álbum. ¿Qué puedes contarnos acerca de “R.A.D.M.”?
El mismo título lo define: he renacido y para mí este trabajo marca un antes y un después.
Jon: Desde antes de 2011 todos tenemos grabados una frase gracias a ti, esa ya tan mítica: “Esto no es rap español, es rap en español” nos abrió a muchos los ojos, ¿cómo explicarías tú el sentido de la cita?
Yo lo que hago es rap shit y llevo haciéndolo toda la vida, a pesar de las modas, pero sí es bien cierto que he tocado otro palos como el trap, drill, hardcore y electrónica… Me siento cómodo en esos beats si me transmiten.
Jon: En este nuevo álbum volvemos a escucharla en bastantes ocasiones, acompañadas de ritmos muy duros como siempre, y la esencia rap de los 90’s, pero hecha ahora y con un sonido fresco. ¿Cómo estás viviendo tú esta etapa en la que tanto se habla de “vuelven las barras”, y el abandono de los ritmos de trap para “volver a lo de antes”?
Esa frase no es mía, se la escuché a Meswy en uno de sus trabajos y me sentí identificado, ya que mi música no suena como el rap español de matrinis, sino que la lengua es hispana, pero las influencias son americanas.
Jon: Personalmente, me alegra todo lo conseguido por ti hasta ahora. Y al mismo tiempo, no comprendo y me enfada que no te encuentres en un puesto más alto, ¿te has sentido infravalorado dentro de la escena en España?
La verdad que sí, pero no me siento frustrado ni mucho menos, la muestra de ello es que sigo sacando lo mejor de mí, porque me enorgullece la música que hacemos, seguimos trabajando para la gente que le flipa nuestro rollo y para nosotros mismos.
Jon: Te vemos colaborando con unos cuantos artistas, pero mateniéndolo siempre íntimo. Se hace obvio que te has mantenido fiel a tus ideas, y a tu actitud. Y siempre has hablado muy claro. ¿Crees que eso ha hecho distanciarse a algunos artistas, o has sido tú quien prefiere medir mucho las distancias en el apartado de colaboraciones?
Lo de fiel a mis ideas... la esencia del grupo es lo que nos define. Cambiarlo no tendría sentido, ya que para mí la autenticidad y la integridad es lo que marca la diferencia. Y respecto a lo de marcar las distancias yo siempre estoy abierto a todo el mundo, tengo la mente abierta, pero si no me mola el rollo de alguien no voy a forzar nada, yo trabajo así, tiene que fluir y si no, no vale.
Jon: Es algo que sospechaba, pero que terminé de comprobar simplemente entrando en Spotify. Entre tu Top 5 de ciudades en las que más se te escucha se encuentran: Buenos Aires, Santiago de Chile y Ciudad de México, ¿por qué crees que tu música puede calar más al otro lado del charco que en tu propio país?
No lo sé, jajajaaja. Serán las influencias de cada país, aquí suelen gustar otro tipo de grupos, marca España.
Jon: Centrándonos en “R.A.D.M.”. Ya el propio título golpea fuerte: “Renacer Antes de Morir”. Es un tema al que haces mención a lo largo de los 13 cortes, ¿a qué se debe esta especie de obsesión con renacer o con la muerte? ¿Qué ha inspirado el proyecto?
Es como un antes y un después, en este disco he querido abrirme más, darme más a conocer y aportar más sonido. El superarme a mí mismo, la música para mí es mi día a día.
Jon: Siempre te vemos acompañado de un sinfín de productores en casi todos tus discos, como en “Back To The Jungle”. En esta ocasión pasa algo parecido, pero pareces haber encontrado en Bigla un fiel escudero, ¿cómo nace esa química entre ambos?
Nos flipa el mismo rollo, con todos los productores que trabajo hay mucha energía, eso es primordial.
Jon: La situación está complicada, en estos momentos, ¿pero tienes ganas de subirte a un escenario y presentar “R.A.D.M.”? ¿Ya le has dado un par de vueltas a cómo será su directo?
Subirlo y reventarlo. ¡Lo estoy deseando! ¡Nuestros directos son los más brutales de España!
Jon: Para cerrar, y teniendo en cuenta tus más de 15 años en activo, siempre me gusta pediros que echéis la vista hacia atrás. ¿Qué consejo le darías al Cele de ‘Screep Shadow’?
Que fuera menos impulsivo. Por lo demás, sin los errores de Cele de esa época no sería el yo de ahora, jajaja.
Jon: Muchísimas gracias por sentarte a charlar este rato, es un verdadero placer.
El placer es de Socio Ejecutor.
Recuerda que puedes escuchar el álbum ‘R.A.D.M.’ de C. Terrible a través de su perfil en Spotify:
https://open.spotify.com/album/0kGlXKaZaeY82FyHal3Zp6?si=3wU0ldzeRACiB7DD4D1rhg
GRINDIN' 09 - Productores
💥 GRINDIN’ Radio #9: «Menos drogarse y más pagar beats» (Sobre el maltrato al productor y beatmakers)
👨👦 Participan: Jack Red, Baghira, Fat Kingdom, Kiddo, y Manu Oliva
💽 Con un estreno en exclusiva de ‘MDMH’, de AKCB
https://open.spotify.com/episode/5PrSrbfQybcJPACVKvgwD8?si=GqQ1DtKSTXiVlxL5bjolEw
https://youtu.be/bv9Ox1Xhq5E
Titó
Titó: Volar solo para llegar hondo
El que está escribiendo esto, al igual que muchos de los que lo están leyendo, se inició en el rap español escuchando bandas como Falsalarma. Desde aquellas hasta ahora, hay nombres que se han mantenido vivos, uno de ellos es el de Titó.
Quizás por eso sorprende que haya sido ahora el momento en el que el rapero y productor barcelonés se ha animado a volar en solitario. Lo hace agarrándose al micro, y a la inmensa mayoría de beats de su nuevo álbum "Hondo". Tras más de 25 años de carrera acompañado de su hermano El Santo, de Dycache Santiago y de DJ Neas, y de proyectos -en parte- individuales, como "Barna Files", era momento de dar un puñetazo sobre la mesa y de demostrar que sin renovarse, un artista se muere.
En "Hondo" nos topamos con 12 canciones, y colaboraciones de Hoke, Dano, Easy-S o Al2 de Los Aldeanos, pero sobre todo, con ganas de refrescar el sonido constantemente, y de demostrar que esa fruta de la vida es el encontrar nuevas motivaciones constantemente. Por todo esto, y por mucho más, me he sentado a charlar con Titó, y este ha sido el resultado.
https://youtu.be/cTBtcV6BEZ0
Jon: ¡Muy buenas Titó! Bienvenido, y muchísimas gracias por prestarte a charlar un rato.
Buenas, gracias a ti.
Jon: Como ya es rutina, en vista de los tiempos que nos ha tocado vivir, me gustaría preguntarte cómo te ha afectado, en lo personal y en lo artístico esta crisis mundial, esta pandemia.
En principio… En mi caso bien. Gracias a esto he podido hacer el disco “Hondo”. También debido a las consecuencias que hemos vivido todos, al sentirnos tan poquita cosa ante un virus tan pequeño, tan asqueroso… El sentirte tan pequeñito hace que te cueste ver un montón de cosas, que le des vueltas al coco de un modo diferente a la que uno acostumbra… Todo eso ha dirigido el timón para hacer mi disco la verdad.
No puedo decir, como la mayoría, que me ha afectado muchísimo. Que en parte sí, pero en parte gracias a esto he podido aprovechar el encierro para estar en casa y hacer el disco, la verdad.
Jon: Todos sabemos de sobra quién eres. Es lo que tiene 25 años de trabajo en esto, echando la vista hacia atrás. ¿Qué sensación te provoca recordar épocas y momentos como “La Revolución del sonido”, “Frankattack”, “Barna Files”... ¿Qué es lo que más ha cambiado en ti y a tu alrededor durante este cuarto de siglo?
Ha cambiado mucho. Quizás la esencia no, porque es lo que procuro que evolucione, que madure. En definitiva sigo pensando que he sido yo. Pero por otro lado sí que ha cambiado mucho la película en ese plano de evolución y madurez. Las perspectivas, no sé. Son etapas, por decirlo de una manera, y por cada una, uno se mueve de una manera distinta. Pero en mi caso, etapas de un mismo círculo. Intento que trabajar al máximo con todo lo que está en ese círculo, y sacarle el mayor provecho. Sin dejar de ser yo, pero probándome, y con nuevos retos. Probar nuevas historias, que en el fondo es aprendizaje todo.
Ha cambiado mucho, si dijera que no significaría que me he estancado en el tiempo, y eso no tiene nada de bueno.
Jon: Muchos conocimos el género, los grupos y los sonidos a través de grupos como Falsalarma. Por aquí en las últimas semanas han pasado Tote King, Elphomega… Ellos ya me lo contaron, y creo que es algo vital, ¿qué te sigue llamando a ti del rap, y cómo haces para seguir manteniéndote fresco?
Para mí es la vida que me da. Me da vida. No sé hacer nada de muchísimas cosas, pero respecto a la música y este género sí que sé bastante. Vamos, me he pegado toda la vida obsesionado con esta música y aprendiendo de ella, y de mí mismo. Es la terapia guapa que tiene el método de escribir: que no solo sacas lo que tienes dentro, sino que te conoces a ti mismo. Y como terapia funciona súper bien.
Entonces, el notar que evoluciono. Se podría decir que yo utilizo esta música para darme vida a mí mismo a través de ver cómo evoluciono. De que no me estanco, y de retarme cada día cuando hago un tema, una instrumental… Necesito saber siempre de esta evolución. Si no, me dedicaría a otra cosa o no lo haría. El ver esa superación me da una vida brutal. Por eso sigo hoy en día aquí, y espero que me quede mucho.
Jon: Eso esperamos. Llegas para presentar “Hondo”, ¿qué puedes contarme del álbum? ¿Qué se siente volando solo después de tantos años de la mano de tu hermano, de Neas y de Dycache?
Pues es una libertad increíble. Quieras o no, como grupo ya se sabe que está uno más atado a lo que es un conjunto. A que todos hagamos una bomba. En este caso al ser un trabajo individual, pues cambia la perspectiva por completo. Y más si le sumamos el tema de la producción, que también ha corrido a mi cargo. Los quebraderos de cabeza también son por parte de doble, es una pasada lo que acarrea todo este trabajo.
Pero por otro lado, cuando ya lo tienes hecho la satisfacción es increíble. Te das cuenta de que me he retado otra vez, lo he podido hacer, y no solo eso, sino que lo he hecho bien para mi gusto y suma y sigue. No creo que sea el último, la verdad.
Jon: Lógicamente, cuentas con una baza que guardan pocos más: te lo escribes tú, te lo rapeas tú, en mil ocasiones te lo produces tú… Pese a todo, ¿has sentido un poco de pánico al enfrentarte a un proyecto así tú solo?
Es según cómo te lo tomes. Ha habido momentos que más que pánico ha sido que se te acumula la faena y no ves el final. Elegí un mes para la salida y no quería que se retrasase y siempre pasan historias que no depende de uno. Sino de segundas personas. Y eso puede que atrase un poco las historias.
Pero creo que he tenido siempre una seguridad en mí de que lo podía llevar a cabo y gracias a eso no se ha encendido el piloto te emergencia de “mierda, mierda, mierda”. Ha habido de todo, como tiene que ser, pero para bien.
Jon: Solo has dejado meter mano a Dr. Neo Cortex y Dues en el primer y último corte del proyecto, ¿consideras que te cuesta delegar para lograr la máxima perfección de lo que puedes dar o simplemente te habías planteado hacer un proyecto llevado a lo propio y personal?
En un principio eso último que dices. Era algo propio y personal. Pero sigo siendo el mayor crítico de mí mismo. Tú piensa que de esas producciones que hay en el disco, mías son 10, y para que yo haya escogido 10 he tenido que hacer anteriormente 70. Porque soy el más crítico conmigo mismo, y claro, por el hecho de haberlo hecho yo pues muchas veces le resta esa chispa que necesito para que me motive y escribir.
Por eso he tenido que hacer muchas hasta quedarme con esas 10, y luego cogí los beats de Dues y Neo porque ya los tenían y me flipaban. Y así salían en el disco, y ahí están.
Jon: Yo creo que me estallaría la cabeza, lleno de ideas en todos los campos 24/7… ¿Por dónde sueles empezar tú, cuál es tu tónica de trabajo? Primero te quitas el trabajo instrumental, o vas acoplándolo a las letras, o más caótico todo…
Tengo un orden. Dentro de mi desorden, tengo un orden. Primero empiezo con la música. Es lo primordial, antes de empezar a escribir necesito que la música, no solo me hable, sino que me motive muchísimo. Supongo que con la experiencia y los años uno se da cuenta de que ponerte a escribir sobre una instrumental que quizás no te motiva mucho es perder el tiempo. Principalmente porque no voy a sacar lo mejor de mí, y segundo porque no lo voy a disfrutar.
Entonces tengo una ardúa tarea siempre con el trabajo de encontrar la instrumental perfecta para mí. Esa que me llama la atención y me pide escribir, y cada vez cuesta más. Uno cada vez es más tiquismiquis consigo mismo. Y quizás sabes lo que quieres pero no sabías explicarlo, por ejemplo de cara a un productor. Porque yo te puedo decir “hazme una tipo J. Cole o Kendrick Lamar”, sí, pero es que no me gustan todas las de Kendrick ni todas las de J. Cole. Yo te puedo decir un campo, pero ese campo es enorme y dentro de ese campo no sabría decirte cuál es el árbol que más me gusta.
Me he vuelto muy quisquilloso con el tiempo. Y sin esa madera que el corazón y la cabeza me pide, es difícil que salga algo bueno. Solo cuando encuentro esos hits que me flipan, voy a sacar lo mejor de mí. Si no, es tontería.
Jon: Lo hablábamos en entrevistas pasadas, eso de que parece que la música es más efímera que nunca, que no perdura. Tú en ocasiones has hablado de esa necesidad de reinventarte y de lo que viven muchos artistas al escuchar proyectos pasados y pensar: hostia, colega. ¿Crees que “Hondo” será ese álbum que perdure y que puedas escuchar en 5, 10, 15 años y disfrutarlo igual? Sentirte orgulloso, al final.
Por ahora te diría que sí. Por ahora. Pero claro, aquí el factor tiempo juega un papel muy importante y nunca se sabe. Pero por ahora puedo decir que sí, porque yo lo he hecho con esa intención. Cada cosa que hago le pongo el alma, el corazón… Pero sobre todo en este, por el hecho de hacerlo en solitario, muy propio, muy especial… Creo que hay más corazón que en otros trabajos.
Creo que sí será un disco que perdure, al menos para mí. Dentro de unos años hazme la pregunta y quizás las cosas cambian. Pero hay una cadencia, el estilo de muchas… Creo que es algo más atemporal. Que cuesta catalogarlo y ponerle fecha de caducidad, creo yo. “Hondo” está ahí para quedarse.
Jon: ¿Qué piensas de los compañeros de gremio que se han mantenido atados a unos sonidos y a unas costumbres? Nos sorprende que Titó se junte con Easy-S o Hoke, cuando no debería.
Lo que te he dicho antes de la evolución. Es que si no lo hago, no merece la pena nada de esto. Yo necesito dar lo máximo y ver cómo evoluciono. Un antes y un después en cada cosa que hago. Y el hecho de hacer estas colaboraciones con peña más joven, y no solo eso, gente que está en su sitio y pegando fuerte, no dejan de ser retos para mí. Es en plan “mira, aquí tienes otro pavo de 43 años que por mucho que tú estés pegando ahí, yo también estoy aquí y me veo suelto para hacerlo”. Si no, no me lo plantearía.
No son colaboraciones de voy a tirar de este porque tiene muchos seguidores o por tendencias, ni mierdas de estas. Yo suelo pasar bastante de eso. Es algo más personal. Porque me flipan y porque me veo haciendo un temazo ya de cara por el bien de la música y el mío. Así ha sido con Hoke, con Dano, con Easy y Aldo. No había nada planeado, y en lo que respecta a los jóvenes ha sido por divertimento y por saber que iba a hacer unos hits guapo, la verdad.
Jon: Por ejemplo, en “Llanto de Madre” te encontramos colaborando con Aldo, de Los Aldeanos. Antes las colaboraciones, ya a nivel internacional, eran menos comunes ahora. Hoy en día son las propias discográficas las que se encargan de gestionarlas, ¿crees que se está perdiendo la magia de conocer realmente al otro artista y generar química antes de crear música?
Desde que existe Internet todo eso es muy fácil. Se da enseguida. Como el hecho de colgar música. La misma tarde que la grabas, la subes y ya la tiene todo el mundo. Supongo que ahora gracias a las redes todo es más accesible.
Yo en el caso de Aldo no le conocía, le entré por Instagram. Como te he dicho, todo es más accesible. Luego otra cosa es que te conteste, o que se pueda llevar a cabo. En este caso la admiración fue mutua, intercambiamos muchísimas movidas y fue bonito. Porque vimos que teníamos muchas cosas en común, que pensábamos igual en muchos aspectos, musicalmente también… Salió todo bastante rodado porque se hizo ilusión y con ganas.
Primeramente por mi admiración hacia él, y también la de él hacia mí. Para mí respecto máximo a Los Aldeanos desde hace muchos años, y él el concepto de Falsalarma lo tenía igual, por lo tanto surgió solo. Es un mensajito por Instagram y pam, esto años atrás pf, lo llevabas claro. Como no le enviases una carta o coincidieses en un festi… No había otra manera.
Jon: Para cerrar. ¿Qué consejo le darías al Titó de “Barna Files”?
Hostia… a mi pasado… Pues le daría muchos, por suerte. Porque obviamente no puedo renegar de mis antiguas obras, y menos de “Barna Files”, que fue el primer trabajo que hice en solitario aunque fuera solo musicalmente. Supuso en mi carrera un antes y un después. Fue otro reto, otro llevado bien. Pero musicalmente me diría de todo: tecnicismos, cómo sonar, cómo trabajar… Haría todo diferente a cómo lo hice, han pasado muchos años.
Si te dijese “no me diría nada”, pues creo que tendría un problema. Sería el mismo del de entonces. Qué va, qué va, por suerte me diría de todo. Tecnicismos y cosas del sonido en plan mejora. No me arrepiento de nada. Me lo pasé muy bien, todos los que participaron también… Por eso, chapó.
Jon: Muchísimas gracias por sentarte a charlar este rato Titó, un fuerte abrazo.
Gracias a ti.
Recuerda que puedes escuchar el álbum ‘Hondo’ de Titó a través de su perfil en Spotify:
https://open.spotify.com/album/5sOVLxJad3xMNjy6RgMa1x?si=Ruk2bPCVT_ubZ5iplqc5KQ
Jack Red & A. Cheeze
A. Cheeze y Jack Red: Música Trill, hecha en el país
Cada año terminamos por descubrir los nombres de unos cuantos artistas que, quizás pese haber estado dando guerra durante años, no se han cruzado previamente en nuestro camino. Un gran ejemplo son A. Cheeze y Jack Red, quienes con su nuevo lanzamiento "Shadowlight", se han adjudicado una carta de presentación de lo más curtida, y con sonidos no tan habituales en nuestro país.
El cantante y el productor desvelan una serie de sonidos de lo más melosos. Que nos recuerdan a los proyectos de R&B a finales de los 90's, en esta ocasión, con mucha carga de la guitarra eléctrica de Jack Red. Se trata de un lanzamiento de lo más personal, para el que ni el cantante, ni el productor, se han guardado nada. Tras participar en muchos proyectos con mucha gente, para este momento solo han querido que se suban al barco T. Dom y Natacha Kanga.
Con la intención de conocer un poco más a la dupla, y de que me expliquen qué hay detrás de este proyecto, me he sentado a hablar con ambos. Así que mejor que te lo expliquen ellos:
https://www.youtube.com/watch?v=711hL7Zmlso
Jon: Qué alegría daros la bienvenida, Jack Red y A. Cheeze. ¿Cómo os encontráis, qué tal todo?
Jack: Genial, deseando ya despedir este año pero ya falta poco (menos mal).
A. Cheeze: Muy agusto. 2020, no te echaremos de menos.
Jon: Siempre me gusta preguntar cómo habéis vivido, en lo personal y en lo artístico esta crisis mundial. ¿De qué forma os ha afectado la pandemia?
Jack: En lo artístico al principio estaba muy bloqueado porque me sentía muy impactado con lo que estaba viendo y sucediendo alrededor mía pero poco a poco lo he ido asumiendo y al final me he adaptado a la situación para poder tirar para adelante de la mejor manera posible. Al final nuestro sector ha estado muy dañado y no podemos obviar la realidad de que hay que llenar la nevera.
A. Cheeze: Año muy creativo, sobre todo en el estudio. He descubierto lo mentalmente estable que puedo llegar a estar y eso me hace feliz. A veces pienso en la gira de “SWEAT”, mi disco con Latex Diamond y como se nos cayeron todas las fechas y pienso, “joder, qué bajón”, pero creo que hemos avanzado que flipas a todos los niveles y eso me renta. Me molaría dar bolos para copar.
Jon: Ahora estamos pasando la primera semana del plan de vacunación, ¿creéis que podemos agarrarnos ya a esos brotes verdes? ¿Creéis que pronto estaremos de vuelta en las salas de fiesta y en los festivales?
Jack: Bueno sinceramente creo que no hay que olvidarse de que todavía estamos en una pandemia, algo de luz se está empezando a ver pero tampoco hay que descuidarse y seguir con la mente un poco fría, sobre todo para que las cosas mejoren cuanto antes y podamos volver a lo de siempre.
A. Cheeze: Mola que haya esperanza, pero hasta que no estemos dando bolos, prefiero ser prudente en mi respuesta.
Jon: Estáis aquí porque venís para presentar vuestro nuevo proyecto conjunto. Un álbum titulado “Shadowlight”, ¿qué podéis contarme al respecto? Me gustaría saber cómo nació esta idea por juntaros, y cómo se desarrolló la creación y el trabajo.
Jack: Como bien decimos siempre, nunca empezamos a crear un disco desde cero, sino que va surgiendo poco a poco según vamos viéndonos y haciendo temas sin ningún objetivo. Que igual que quedamos para comernos un cocido, abrimos el programa y nos grabamos unos temas.
A. Cheeze: No surgió la idea de juntarnos, simplemente nos juntamos en el año 2014 y desde entonces no hemos parado de hacer cosas. Nuestra afinidad es la de dos amigos, no la de dos socios comerciales, y eso se nota. No nos planteamos hacer un disco, sino un maxi que luego ha mutado en esto. Nuestras circunstancias personales han ido cambiando y eso ha dotado al disco de un concepto y un sonido bastante redondos.
De este disco he aprendido que uno tiene que hacer lo que le sale de la polla haciendo música hasta que no haya un contrato que le pague las vacaciones a tus hijos. Algunos de los temas que si hubiera escuchado a los demás iban a quedar descartados, han terminado siendo los favoritos de la gente en algunos casos. Afortunadamente no somos billetes de 500€ que le gustan a todo el mundo, y creo que es importante que los creadores sigan su intuición y no intentar encajar en el molde de nadie.
Jon: Algo que cabe destacar es la forma de presentarlo. Que es algo que salta a la vista, precisamente, cuando no debería “A. CHEEZE & JACK RED”, ¿creéis que por fin se están tumbando las barreras que llevan décadas en pie a la hora de reconocer el trabajo de los productores?
Jack: Como productor creo que, poco a poco, estamos consiguiendo tener una mayor visibilidad en cuanto al público general, pero en nuestro caso sería muy injusto que no nos pusiéramos al mismo nivel ya que somos profesionales y valoramos lo que cada uno aporta al proyecto. Somos conscientes de que no habría proyecto sin todas las partes. Todavía queda mucho por hacer porque todavía ves al típico artista que generalmente mueve cifras obviar la importancia del trabajo del productor/beatmaker, pero poco a poco se está consiguiendo.
A. Cheeze: Creo que es lo más justo. En el caso de un disco con millones de producciones para un artista que no es un grupo, entiendo que solo se ponga el nombre, pero en este caso absolutamente todo lo que no es mi voz aparte de las colaboraciones y el master, es Jack Red. Además es uno de los mejores de España tanto en producción como en sonido, no poner su nombre al mismo nivel que el mío para mí sería una locura. Además de eso, nosotros siempre trabajamos 50/50. Me enorgullece que sea así.
Jon: A título personal, y que no se me malinterprete, a la hora de disfrutarlo lo he hecho tanto como el publicado por Ébano y Louis Amoeba. Quiero decir. Echaba en falta proyectos como este, en los que el disco queda redondo. Se nota que hay muy buen trabajo, y que suena bien, pero que todo queda envuelto en la misma atmósfera, sigue una línea… ¿Tiene sentido esto que estoy diciendo?
Jack: Desconozco la forma de trabajar que han tenido Ébano y Louis pero entiendo que al ser un proyecto que también han hecho mano a mano sin colaboraciones da la posibilidad de dejar todo muy al gusto y se nota que se lo han trabajado mucho, es un gran disco. En nuestro caso las colaboraciones han sido de gente muy, muy cercana y normalmente han salido de forma muy esporádica, sin tener que andar meses detrás de nadie para que se grabe unas vocales o dándole vueltas a temas de mezcla que siempre retrasan mucho los proyectos. Desde el punto de vista creativo es todo un halago, la verdad.
A. Cheeze: Es un subidón esa comparación, porque para mí es el mejor disco de este año sin duda. Ébano y Louis son amigos míos y he trabajado con ellos desde hace años, y lo que más me mola sobre todo de Ébano es que él está a su movida y se nota. Ellos pueden trabajar casi con quién les dé la gana del panorama, pero creo que lo que les apetecía era hacer su movida y no brillar por el trabajo de otros. Me parece una decisión super acertada. Llevo colaborando en proyectos toda mi vida y a veces siento que te chupa la energía por muy guapo que esté colaborar.
Mola crear tu mundo artístico y elegir los elementos que quieres que orbiten a tu alrededor en función de lo que quieres además de hacer única y exclusivamente lo que te apetece con quien te apetece, porque es el verdadero privilegio del artista independiente bajo mi punto de vista. Gracias por decirnos que es redondo, Jon. En cuanto a sonido creo que tiene que juzgarlo la gente, pero a nivel conceptual y vital para nosotros es redondo porque cierra un ciclo y abre otro en nuestras carreras artísticas.
Jon: Exacto, no quizás el sonido, pero esa atmósfera. Todos estaban pendientes del trap hasta ayer, y todos tienen en la boca que “las barras van a volver este 2021”. Pero en “Shadowlight” nos chocamos con un proyecto como pocos recuerdo en España: con R&B muy limpio, ritmos muy smooth, ¡y hasta interludios dentro de algún corte! ¿Cuál ha sido la inspiración para crear algo así?
Jack: Sencillamente, creo que mi inspiración no proviene de lo típico: el sonido de no sé quién de no sé qué año... Osea, cuando me siento a producir no lo hago pensando en algo concreto, me siento y me sale. Ya está, no hay mucho más misterio. Si algo me sale triste es porque ese día estoy triste y si algo me sale agresivo es porque ese día estoy agresivo y no quiero pelearme con nadie.
A. Cheeze: Yo siempre he sido un R&B head. Siempre he flipado con diría la totalidad del folklore afroamericano. Esa es mi movida. A mí me mola la música y esa es mi máxima. La gente está to rallada intentando subirse a olas que a mi parecer muchas veces son refritos de otras músicas para molar (en vano) en vez de crear olas. No considero que seamos ningunos trendsetters, porque hoy en día todo está inventado, pero no vamos a hacer un disco “porque es lo que pega”. Ese no es nuestro estilo y nunca lo ha sido. Mi música siempre ha sido smooth. En mi opinión, los ritmos de Jack siempre han sido pioneros en España desde que empezó a producir. Hasta hace poco no existían mc’s con nivel para subirse a sus ritmos que dieran la talla en España.
Jon: Woah, poca broma esa afirmación. De hecho no es algo que, en conjunto, hayamos visto mucho por aquí. Hace años que Latex Diamond y Sholo Truth nos dejaron ver parte del sonido. Incluso Malsino Serna, pero poco más. ¿Creéis que este lanzamiento hará que muchos descubran propuestas parejas y que se interesen por estos ritmos?
Jack: Si es así yo encantado ya que considero que todos los predecesores de esta (por llamarlo de alguna forma) corriente musical merecen su pequeño S/O, pero tal y como veo el asunto, no espero de primeras que haya ningún tipo de reacción por parte del público. La peña está muy acostumbrada y muy hecha a escuchar siempre lo mismo y, a menos que lo diga alguien famosete, poca gente se preocupa por investigar otras cosas.
A. Cheeze: Solo voy a decir una cosa al respecto. Soy un chico del este de Madrid. La primera persona que me grabó es Millás, componente de MMO. Mi último disco antes de “Shadowlight” es a pachas con Latex Diamond. El anterior es con Ochoa. Jack Red ha producido gran parte de los dos últimos discos de Mitsuruggy. ¿Contesta eso la pregunta?
Jon: Visto así, supongo que sí, jaja. Creo que sé la respuesta antes de hacer la pregunta pero, todas las guitarras del disco las has trabajado tú Jack, ¿verdad? Tiene una fuerte presencia a lo largo del álbum. ¿Ya sabías que desde el principio que la guitarra sería un ingrediente muy importante de la producción?
Jack: Bueno, como soy muy mal cantante y a veces me apetece hacerme “un cacho”, pero realmente estropearía el tema cantando, mi forma de aportar a un tema es dejar un solo de guitarra. La verdad es que no ha sido algo muy premeditado, pero sí es cierto que muchas veces mientras estoy produciendo, noto que algo le falta a la instrumental y, como es un instrumento que llevo tiempo tocando, me cuadra bastante en mi producción. Llevo metiendo guitarras eléctricas en mis producciones desde casi la primera instrumental que hice y considero que es parte de mi sonido.
Jon: A través de cortes como ‘I Need a Hug’ o ‘Hazme un Hueco’ descubrimos que se trata de un proyecto bastante personal e intimista. Solo encontramos las colaboraciones de T. Dom y Natacha Kanga. ¿Se debe esto a lo que mencionaba o simplemente no ha surgido el invitar a más artistas?
Jack: Creo que una de las ventajas de este proyecto (como te comentaba antes) es que, al ser pocos colaborando, ha sido todo bastante fluído (que no rápido) y nos ha permitido dejar el disco tan redondo como nosotros queríamos que estuviese. Simplemente, tampoco nos hemos vuelto locos a hacer colaboraciones porque a parte de que, sí, es un disco muy íntimo, nos hemos guiado por la fluidez del momento. De hecho, la colaboración con T. Dom surge porque él me contestó a una historia improvisando encima del beat que yo había subido a una historia de Instagram mientras lo estaba haciendo. Natacha TENÍA que estar.
A. Cheeze: Nuestro poder es ser nosotros. Nuestra autenticidad reside en hacer música personal. Me mola mucho la palabra que se originó en Port Arthur, Texas “Trill”. Es una mezcla entre True and Real. La premisa de nuestra música es Trill y por eso es personal. Tiene más poder hablar de nuestra historia o llamar vacilando a mi amiga Raquel y ponerlo en un tema que inventarnos nada. Incluso los storytellings del disco están basados en historias reales y muy cercanas. Las colaboraciones son con dos de mis cantantes preferidos de España y Francia y además con los más currantes y profesionales que he visto nunca. Son el tipo de gente de la que queremos rodearnos.
Jon: ¿Os habéis planteado si habrá, y cómo será la presentación del álbum en directo? Imagino que tendréis ganas de mostrar a todos como suena en vivo.
A. Cheeze: De momento tiene pinta de que va a ser por streaming, jajajaja, pero me lo imagino bastante parecido al boiler room que hicimos en casa de Jack Red con el anterior disco.
Jack: No hay más comentarios, jajajaja.
Jon: ¡Muchísimas gracias por sentaros a charlar este rato! Un fuerte abrazo.
Jack: Muchas gracias a ti por contar con nosotros y por darnos la oportunidad de contar nuestra peli. Arriba con GRINDIN’, el mejor medio ever.
A. Cheeze: Gracias a ti por la oportunidad, Jon. GRINDIN’ es necesario. Esperamos ceremonia de premios y nominación y si cae invitación al podcast el año que viene.
Recuerda que puedes escuchar el álbum ‘Shadowlight’ de Jack Red y A. Cheeze a través de su perfil en Spotify:
https://open.spotify.com/album/50SloElM5vA61NuV04AFks?si=7SpJuaqhQn-X00BHryasGA
Elphomega
Elphomega: La última versión del primer modelo
Estamos acostumbrados a fliparlos con los Nas, los 50 Cent, los Lil Wayne y los Ludacris, que se mantienen frescos 20 años después de arrancarse a rapear. En nuestro país no suele pasar eso. Solemos escuchar un nombre de la quinta y rápidamente impregnarnos de pereza. Y eso es porque la gran mayoría no ha sabido reinventarse, eso, o que un día pillaron un sitio demasiado cómodo en el sillón del género y nunca quisieron volver a levantarse.
Sin embargo, sigue habiendo nombres que nos ha resultado imposible dejar de escuchar. Y la gran mayoría de ellos emergen del sur, si semanas atrás hablaba con Toteking, hoy toca sentarse a charlar con Elphomega. El malagueño, en el 90, se escondía en las sombras de Nazión Sur para luego agarrarse al micrófono y hasta el día de hoy ha venido dando guerra. Descubriéndonos todos los sonidos posibles, y tirándose a la piscina en innumerables ocasiones, ¿no os acordáis vosotros de la salida de "Phantom Pop"? Dios lo bendiga.
En pleno 2020 hay que alegrarse porque este profe del rap en España no se haya guardado las ganas de juntarse con los nuevos, ni de realizar toda clase de experimentos. Lo de ahora se llama "Truly Yours", de la mano de Ciclo, y tengo tantas ganas de que descubráis lo que he charlado con él, que el resto os lo ha contado Elphomega.
https://www.youtube.com/watch?v=suXc7-UV94Q
Jon: ¿¡Qué hay Elphomega!? ¿Cómo estás, qué tal te encuentras? Es un placer enorme tenerte por aquí.
El placer es mío, hombre, gracias por tu interés y esta charla.
Jon: Qué suerte, de veras. Nos encontramos en mitad de una pandemia mundial, esta pregunta ya es una de las fijas. Entre las orillas de un segundo confinamiento, y el plan de vacunación mundial, ¿cómo te ha afectado a ti -a nivel personal y artístico- esta crisis mundial?
El confinamiento no me supuso ningún trastorno más que el no poder ver a la familia, por lo demás estaba encantado. Yo he nacido para estar en casa. No me aburro. Y las calles estaban limpias, desiertas y silenciosas. Se respiraba un olor a sci-fi en la calle que era perfecto para pasear a la perra, sabes, en plan “Soy Leyenda”.
A nivel creativo durante el confinamiento hice más bien poco, pensar, leer, ver series y hacer el flojo. Pero la verdad es que es una mierda cómo ha afectado a los conciertos que tenía programados y a nivel profesional en general. Lo bueno es que la inquietud sigue ahí y queda demostrado en el disco que acabamos de sacar.
Jon: Uno de los temas del momento, sin duda, es el mar de nuevos sonidos. Los viejos, los frescos… Y resulta muy difícil no pensar en ti cuando intentamos mentar a los artistas que llevan muchos años en activo -más de 25- pero sin quedarse anclados, como es muy común. ¿Qué es lo que te ha mantenido interesado por los nuevos sonidos y te ha ayudado a renovarte constantemente?
Me recuerda a esa frase que tiraste: “Nunca entendí el avance como un enemigo de la pureza”
Pues supongo que la inquietud de la que te acabo de hablar. Es que no me veo haciendo el mismo disco o sonido siempre, no sé, me habría salido ya de esto. Qué coñazo. Creo que si uno es permeable a los sonidos actuales y flexible como para adaptarlos con coherencia al suyo propio es posible no quedarse para atrás, aunque entiendo a quien no quiera enfocar su carrera así. Para mí es impensable hacerlo de otro modo porque es lo que me mantiene activo.
Jon: En “Freelance” rompiste un poco con todo a lo que nos habías acostumbrado. Colaboraciones con muchos artistas y productores, que quizás no hubiesen encajado en otros proyectos, muy jóvenes, ritmos muy diferentes… ¿Crees que esos que, precisamente no han sabido adaptarse tan bien a los nuevos tiempos, se debe a ese miedo a probarse? ¿O incluso a tender lazos con esa “nueva escuela”?
Yo es que flipo cuando veo los discos de casi todos los veteranos y tienen a los mismos artistas colaborando que hace 10 años. Es un poco endogámico el rollo. Veo a todos estos chavales haciendo movidas muy serias y quiero que estén en mis discos, hacer canciones juntos, no me veo fuera de su rollo, al contrario, en muchos aspectos me identifico más con ellos que con los de mi generación, no sé.
Yo voy por ahí sin miedo, y me presento humilde, y salvo alguna rara excepción todos se muestran respetuosos y colaborativos con lo que les propongo. Llámame vampiro moderno. Es que eso. Un poco sí, les extraigo la pulpa que necesito para las canciones que tengo en mente. Y me siento muy afortunado y agradecido por todo lo que recibo de todos estos nuevos gatos.
Jon: Me parece algo super simple, que deberíamos de ver mucho más. Por otro lado, antes de ese lanzamiento llegó “Nebuloso”, y el proyecto como Catarata. Pero sin duda tenemos que remontarnos a 2011, por el “Phantom Pop”, uno de tus discos más aclamados. Muchos pensamos que ciertamente fue un cambio de paradigma total en la escena, ¿lo ves tú de la misma forma? ¿Crees que algo así abrió las puertas a sonar diferente y a quitar el tabú de ciertas palabras?
No era nada consciente de esto mientras lo hacía pero sería mentirte si te dijera que no es ese feedback el que recibo, desde luego la gente me hace sentir eso, que significó un punto de inflexión y dio un empujón a la apertura de miras en el género. La verdad es que es muy satisfactorio dejar ese tipo de huella, que ya no solo sea hacer un buen disco, sino que entras a formar parte de la historia y la evolución del género de una manera fundamental. Está bonito.
Jon: Ahora es el momento de “Truly Yours”, ¿qué puedes contarnos de este álbum? ¿Cómo nace la idea de trabajar algo así codo a codo con Ciclo?
La idea de hacer el disco deriva de haber estado colaborando juntos durante estos últimos años. En “Nebuloso” hay un ritmo de Ciclo y yo colaboré en sus discos con Dheformer y Guerrita y creo que algo más hay por ahí. Nos sentíamos cómodos trabajando juntos y era inevitable no hacer este disco teniendo en cuenta la visión tan similar que tenemos de muchos aspectos de la música y todo lo que la rodea. Además, me parecía maravillosa la idea de trabajar un proyecto con él para su propio sello, Ruanda Records, que me parece una referencia ahora mismo.
Jon: Precisamente ahora, con el 2021 asomando, en el disco recuperas un sonido más clásico con una vuelta de tuerca, aprovechando al cien los ritmos de Ciclo. ¿Ha sido algo meditado, en vista del reciente y fuerte regreso de los sonidos 90’s, las barras… o se ha tratado de una casualidad, que este auge haya acompañado a tu inspiración a la hora de hacer música?
Ha sido más un auge propio personal, por el hecho de que vamos cumpliendo etapas y al contrario de hace unos años ahora me apetecía hacerlo, recurrir a ciertas formas de mis inicios y recuperar algo de la frescura cruda de entonces. En “The Freelance” ya creo que di muestras y en esta ocasión tratándose de un trabajo con Ciclo pues aún más, que aunque no lo vemos como un trabajo estrictamente noventero sí que recuperamos cierto sabor clásico y cálido de esos años, los grooves, las sensaciones, ya sabes.
Lo que teníamos muy claro es que no queríamos sonar a refrito o que fuera excesivamente referencial a la época, nostálgico. Yo creo que hemos hecho un disco que suena a ahora, hecho como los de antes.
Jon: La última versión del primer modelo.
Por cierto, dijiste en un tweet que publicando este disco, podrías retirarte tranquilo. Dudo que signifique un adiós, cuando claramente se te ve más en forma que nunca. ¿Qué es lo que pasaba por tu cabeza realmente en ese momento?
Oye pues gracias por lo de la forma. Nada, las cositas de Twitter. Quería decir que me siento tan satisfecho con el disco que no me importaría si por lo que sea fuera el último, me parecería un perfecto cierre.
Jon: Algo que para nada es nuevo en “Truly Yours”, y que es más como tu sello de identidad, son todas esas referencias a películas y personajes icónicos. Eres un apasionado del terror, y por algunas letras se deja entrever una deuda propia pendiente. También te animas a escribir una novela. ¿Te has planteado enfocarte seriamente en dirigir algún proyecto para pequeña o gran pantalla o simplemente es algo que te gustaría y verías con buenos ojos si llegase?
Lo vería con los ojos de un conejo al que le echas las largas. Mucha responsabilidad. No creo que diera la talla, por conocimientos, y además es muy duro y estresante. Me quedaría con la parte de escribirlo, eso sí. Eso sí me motiva más.
Jon: Tú eres un amante de la música y de los comics. Eres cantante, escritor, ilustrador… ¿Cómo estás viviendo este desarrollo -no sé si llamarlo degeneración- de la música? En el que ya no se cuida al detalle, como un cómic, sino que se crea para ser consumido al instante y olvidarlo, al igual que fast food. La música no perdura.
Yo creo que mucha música que se consume ahora mismo no es solo música. No sé si sabré explicarme. Es música, pero condicionada y arrastrada para lo bueno y lo malo a un contexto lleno de otras variantes: visuales, redes sociales, interacción con los fans… donde la música parece una variante más y no alrededor de lo que gira todo, y a veces eso crea personajes y figuras tan atractivas que llegan a estar por encima de su propia música. Y todo esto consumido a una velocidad apabullante que no da tiempo a digerir o madurar lo que oyes. No sé, es jodido.
Jon: Ahora que desde GRINDIN’ estamos tratando la serie de Ciudades, analizando la escena de todos los pueblos y ciudades de España una a una… Resulta imposible no fijarse en el sur, y más concretamente en Málaga, por su historia, y por sus nuevos talentos. ¿Cómo ves la centralización completa de Madrid y Barcelona? ¿Crees que esa necesidad de salir del hogar para triunfar está pasando factura al rap -y la música en general- en España?
Es innegable que a uno se le presentan más oportunidades en Madrid que en otra ciudad, por su vida e idiosincrasia, pero eso no te asegura nada. Hay quien se va cuando ya ha despegado, pero porque allí está todo y es más cómodo para trabajar. Pero yo creo que hoy en día se puede hacer ruido desde cualquier sitio, antes era mucho más difícil.
Jon: Cierto. Retomando el tema de Catarata. También guardas un proyecto junto a Dani Domínguez, batería reconocido por proyectos como Jazz Magnetism. Sabemos que todo arrancó como algo experimental, sobre todo para los directos pero, ¿hasta dónde ha derivado? Todos estos, ¿son pruebas esporádicas o proyectos paralelos a tu carrera como Elphomega, de los que podemos esperar nuevas entregas?
Sí. Nació como un directo para el Festival de Jazz de Málaga y luego lo llevamos a disco, se titula “Antiviral” y lo lanzamos en febrero de este año. No contemplamos ninguna continuidad al proyecto por ahora, lo tomamos más como un capricho nuestro. Ahora mismo tras “Truly Yours” vuelvo a centrarme en la segunda entrega de “The Freelance” que liberaré el año que viene. Vuelve el autónomo.
Jon: ¿Qué consejo le daría el Elphomega de “Truly Yours” al Elphomega de “Homogeddon”?
Cobra las colaboraciones.
Jon: Muchísimas gracias por sentarte este rato para charlar Sergio, se aprecia mucho de corazón, ¡un abrazo!
Lo dicho. Gracias a ti por el interés en entrevistarme y mucha salud para todos. I’m out!
Recuerda que puedes escuchar el álbum ‘Truly Yours’ de Elphomega y Ciclo a través de su perfil en Spotify:
https://open.spotify.com/album/5TE1pnc2sD0Q7sSMEGBhLr?si=hPU2aSaBRwuw-pW3lKrttQ
GRINDIN' Cádiz
💥 GRINDIN’ Radio: Cádiz
👨👦 Participan: Papi Sound, Juanih South, Gese Da O, Tocha Pro, Judeline, Kenji y Soste Warrimor
💽 Con un estreno en exclusiva de ‘Impala’, de Tocha Pro
https://open.spotify.com/episode/59sNbKFS42I5lbhvdfIwsy?si=la4QfpMUTEql59FrC0zSoQ
https://www.youtube.com/watch?v=G5yMmMLnPjw
Kira Brown
Kira Brown: Sentimientos a relucir
Cada vez, y para la suerte de todos, es más fácil descubrir las fusiones entre los sonidos del rap, del pop, del R&B... Y es que cada vez las fronteras de las etiquetas musicales son más difusas. Esto ha conseguido que todos nosotros nos descubramos escuchando géneros musicales que considerábamos poco afines a nosotros, pero que nos han acabado encandilando.
Quien ni siquiera se plantea esas fronteras, y quien disfruta tanto con la fusión es Kira Brown. Muchos encajarían su sonido en el pop, pero también le vemos rodeada siempre de productores como D3llano o AMEX, más cercanos al rap, trap y sus variantes. "Por Mi" es la carta de presentación de Kira, un EP de 6 canciones en las que desnuda todas sus emociones, y a través de las que da rienda suelta a sus emociones con respecto a las relaciones interpersonales.
Música cargada de emociones, música que perdura, no algo creado para ser consumido de forma efímera. He aprovechado para sentarme a charlar con Kira Brown de este nuevo proyecto, y de todo lo que envuelve.
https://www.youtube.com/watch?v=6pi1ntcQ-Mk
Jon: ¡Qué hay Kira! Ya tenía ganas de tenerte por aquí, ¿cómo estás?
Muy buenas, ¿¡cómo estas!? Todo genial, con muchas ganas de empezar el año. Muchas gracias por la invitación.
Jon: Siempre os lo pregunto, para arrancar. De hecho, durante la cuarentena lo hablamos. En estos tiempos tan extraños que vivimos, he hablado con artistas con realidades muy diferentes. Los que se bloquearon, otros muy inspirados… Tú estrenas proyecto, ¿cómo te ha afectado artística y personalmente esta pandemia?
La verdad es que ha sido este año el que ha marcado un antes y un después en mi música, aunque también en mi vida. Estoy muy contenta porque ahora puedo decir que mi música es 100% yo. He estado super inspirada todo el año, he compuesto un montón. Terminé de escribir algunos temas del EP, escribí ‘Amigos’ y ‘Lluvia de Verano’ y otros muchos que saldrán en 2021. Desde el principio del confinamiento he podido mantener una rutina diaria que me ha ayudado mucho a poner orden en mi día a día.
Jon: Ya te hemos visto bajo titulares de “la nueva promesa del pop”, y acompañada de Dante, de AMEX, D3llano… ¿cómo describirías quién es Kira Brown a quien no te conozca?
Kira Brown es simplemente arte fluyendo sin barreras, sin etiquetas ni géneros. He crecido rodeada de música, de todos los estilos. Me he empapado de pop, de jazz, de R&B, de rock... Amo la música y no quiero cerrar puertas a nada. Creo que he conseguido crear una personalidad en Kira Brown, que son sus melodías y sus letras y eso es lo que define el estilo de Kira.
Jon: Ahora llegas con un EP titulado “Por Mí”, como una segunda carta de presentación. ¿Qué puedes contarnos del proyecto?
En realidad ‘Por Mí’ es mi primera carta de presentación. En 2019 estuve tanteando mucho, haciendo cosas que me gustaban pero sin saber a dónde iban, no tenía un rumbo claro. Acababa de llegar de Londres y empecé a colaborar con un montón de artistas, de ahí nació ‘Una Más’ junto a Zazo&Gxurmet o ‘Ganas’ junto a D3llano y J.Parker. Entonces después de todas las colaboraciones, quería enseñar quién era Kira realmente. Así que empecé a crear “Por Mí”.
Jon: ¿Cómo nace esa historia detrás?
“Por Mí” es una historia de amor, contada a través de una experiencia de desamor. Cada canción está inspirada en algo que me ha ocurrido en distintas etapas. Por ejemplo ‘Los Ángeles’ la escribí hace 4 años. Literalmente esa letra cuenta algo que me pasó con un chico que conocí de LA. En cambio ‘Tentación’ la escribí en Octubre del año pasado. Pero quise unirlas todas para crear el mensaje que hay detrás, la prioridad de amarse a uno mismo.
Jon: Quien escuche tu música se va a encontrar de lleno con un torrente de emociones. Mucho contenido sentimental, y en relación al amor. ¿Por qué juegan las relaciones interpersonales un papel tan importante en tu música?
Bueno, me encanta utilizar la música como una manera de expresarme. Valoro mucho lo auténtico que sea un artista, yo hablo de amor porque soy una persona muy pasional, muy sensible y romántica. Y me gusta contar las cosas como yo las veo. No podría escribir sobre temas que no conozco o no he experimentado porque entonces no sería real.
Jon: ¿Cómo surge escribir una canción así? Quiero decir. Partes de experiencias personales, que incluso las personas que las hayan compartido se puedan identificar, o prefieres dejarte llevar por anécdotas algo más ficticias.
Sí, desde luego. Casi siempre escribo sobre cosas que me han pasado o me están pasando, pienso que de ahí salen las mejores letras, jaja. Es verdad que a veces parto solo de una idea, de un sentimiento, y adorno con cosas ficticias el resto de la letra.
Jon: ¿Consideras que la música, en general, está perdiendo el contenido sentimental? Esa magia de transmitir.
Pienso que la música admite de todo. Desde canciones que son para bailar, otras para escuchar de fondo mientras te relajas, otras simplemente te dan buen rollo, o te hacen llorar. Al final, sea cual sea el contenido de la canción te va a transmitir un sentimiento distinto. Pero pienso que cuando el artista se siente identificado con lo que canta, es cuando realmente surge la magia.
Jon: Hoy en día estamos completamente expuestos en redes sociales, por deseo propio enseñamos qué hacemos, qué comemos... ¿No te cuesta mostrar ya no solo, el día a día como tal, sino también tus sentimientos?
La verdad es que no soy muy fan de las redes sociales, y quién me siga lo va a ver. Me gusta ponerle esfuerzo y ganas al contenido que subo, pero prefiero que éste sea sólo de mi trabajo. Me gusta más expresar como me siento a través de mi música.
Jon: En el disco participan AMEX y D3llano, no has invitado a nadie más a contar contigo. ¿Puede ser en parte por ese contenido tan personal del proyecto? Lo que ya me decías unas preguntas antes.
SÍ, eso es, como te comenté antes, llevaba mucho tiempo sacando sólo colaboraciones, que siento que no son tan personales. Me apetecía presentarme de esta manera.
Jon: Mantienes ese sonido pop, infusionado con R&B y sonidos también más urbanos. ¿Qué te ha llamado a probarte en esos ritmos? ¿Hacia dónde crees que va la música en España? Con esta fusión de géneros constante...
Es el género en el que más cómoda me siento. Me encanta el pop y me encanta el R&B, así que intento no dejarlos fuera en ninguno de mis temas. Creo que España está llena de talento. Cada uno con su rollo, creo que hay mucha diversidad de géneros y como bien dices una fusión de ellos constante, eso hace que no pare la creatividad. No sé bien hacia dónde vamos, pero sé que vamos por buen camino.
Jon: Sé que de pequeñita eras bastante tímida, y te gustaba emplear tiempo en tu habitación, escribiendo canciones de amor, poemas… ¡Osea que ya viene de antes! ¿Qué cambió esa chispa para arrancarte la timidez o de querer mostrar lo que hacías?
¡Siiii! Pasaba horas escribiendo y dibujando. Supongo que los años ayudan jajaja. Pero desde luego el mayor cambio de mi vida fue mudarme sola a Londres para seguir aprendiendo.
Jon: ¿Tienes ganas de subirte a un escenario a presentar “Por Ti”? ¿Cómo sería tu concierto ideal para un proyecto tan íntimo?
Me muero de ganas por subirme a un escenario. Me encantaría presentar “Por Ti” en alguna salita de Madrid, no muy pequeña, pero tampoco muy grande. Donde cupiésemos todos los míos, mi familia, amigos, todas las personas involucradas en el proyecto y toda la gente que me apoya. Antes de que ocurriera todo esto, tenía planes de hacer una pequeña gira por España y México, es algo que no es posible ahora, pero que voy a hacer en cuanto se pueda.
Jon: ¡Muchas gracias por sentarte a hablar este rato! Un abrazo fuerte.
¡Muchas gracias a ti! Es un placer siempre. ¡Un besito muy fuerte!
Recuerda que puedes escuchar el álbum ‘Por Ti’ de Kira Brown a través de su perfil en Spotify:
https://open.spotify.com/album/5DhqCzDmG6oDsjhQbvW5Iw?si=Tl9z8TibRbW93ktoKQxQxw