Reportaje: La nueva ola de 2023

Esto es la nueva ola, cúbrete para no mojarte

Análisis de Sara Doce para GRINDIN’

Fotografía de Xiana Quintas

Es el momento de que observemos los acontecimientos que han hecho posible el desarrollo de una nueva escena musical en España, mediante las distintas perspectivas de diversos artistas y productores emergentes. Esa nueva ola.

Es innegable como a lo largo de estos últimos años, nuevos sonidos han ido inundando las playlists de los fans de la música más underground. No solo por parte de los artistas ‘’pegados’’, muchos de ellos renovando su estilo, sino más bien gracias a los artistas que han ido emergiendo. Pero, ¿Que quieren decirnos estos nuevos artistas?, ¿Cuáles son las diferencias que encuentran respecto a escenas pasadas?

Para situarnos, con la llegada de la pandemia y la cuarentena que asoló al mundo entero, se encontró un nicho en el mercado musical; la oportunidad de poder pulir los trabajos con mayor calma, respetando los procesos creativos de cada artista, tanto profesionales como amateur, y la búsqueda de nuevos sonidos y estilos. Algo sin precedentes teniendo en cuenta la abundancia de música de la que hemos dispuesto, debido al asentamiento de las plataformas digitales mediante las cuales consumirla y publicarla.

Esto supuso un antes y un después, no solo de cara a los artistas y productores, sino también en lo que se refiere al público, que empezó a exigir trabajos a la altura de las expectativas generadas por parte de los artífices. Érebo, productor y componente de «La Joyería», reflexiona sobre todos los cambios impulsados por la pandemia; "Yo personalmente como artista vuelvo a sentir la misma ilusión que tenía en 2015, siento como que después de la cuarentena ha habido un reset y hemos vuelto a esa frescura que tenía entonces y a mi parecer mejorado; en esa época el sonido en los temas empezó a valorarse mucho más con la entrada del tune y la electrónica al rap en general y para mí que llegó un momento que eclipsó la calidad del mensaje, no tenía tanto peso".

Añade: "Hoy día con estos sonidos ya asentados ya no sorprende un mensaje vacío por más bonito que suene, y es por eso que creo que estamos llegando al equilibrio entre el mensaje y el sonido. También siento que se ha roto completamente la barrera de los géneros tanto por parte del creador como del público, solo importa si transmite o no y eso da mucha rienda suelta a que cada vez se explore más, haya propuestas más arriesgadas y que se llegue a nuevos sonidos."

Fijándonos en esos nuevos sonidos, nos llega el género estadounidense distinguido por sus riffs rápidos con voces agudas cargadas de auto-tune, contrarrestadas por un bajo más fuerte y más bajo que los de una pista de EDM. Conocido popularmente como Hyperpop, y el cual fue reconocido como microgenero oficialmente en 2019. Actualmente se ha vuelto tremendamente popular por combinar música Industrial, EDM, Neurofunk y Bass con música Pop, algo fresco para muchos oídos exigentes. En España se popularizó sobre todo en 2022, dando paso a un boom de nuevos artistas.

"Para mí, en los últimos dos años ha habido un cambio total en el panorama, de que se puedan contar con los dedos los artistas que hacíamos este sonido a que haya cientos de artistas con la misma estética y/o sonido. Esto tiene su parte buena y su parte mala, pero prefiero verlo de forma positiva, cuanta más gente haya haciendo esta música, más gente la escuchará y mejores serán las canciones, pero a su vez pienso que es solo una moda y que después de que pase quedarán unos pocos que se hayan establecido.», expone Slappy Av, uno de los artistas referentes de este sonido en el país.

https://www.youtube.com/watch?v=SS3ihaQla7c

No solo así, en el caso del rap, sonido mundialmente reconocido desde hace alrededor de cuatro décadas, ha sido revitalizado incorporando nuevas melodías y 808s, difuminando cada vez más la línea determinante de los límites del género. En los últimos diez años, en España, surgieron grandes y particulares colectivos en diversos escenarios de la península y las islas, con ellos ya formalizados, gran parte de los artistas actuales han crecido bajo su influencia en mayor o menor medida, pero de manera innegable. Ciertamente, gran parte del éxito de estos se dio gracias a la exposición en redes, algo sin precedentes, y el desecho de la idea de firmar con una discográfica multinacional, que impulsó un carácter de independencia y colectividad entre los artistas.

Eso hizo que los artífices empezasen a involucrarse en primera persona en la gestión y distribución de sus proyectos, con todo lo que ello supone. Percless, participe del colectivo cordobés de rappers «El Califato», indaga y opina sobre lo anteriormente mencionado: « Yo empecé a rapear en 2014 de manera amateur creyendo que era profesional y no me profesionalicé hasta 2020. En mi experiencia he visto mi progreso y el de mis paisanos surgir al ampliar el marco de acción de raperx a raperx multidisciplinar; así lo creo en toda España verdaderamente."

Continúa el cordobés: "Pasar de pillar un ritmo, escribir y grabar a pillar un ritmo, escribir, grabar y desde hace un par de años aprender a mandar notas de prensa, conectar con A&R, medios, estar al día de EE.UU. y Europa y cuidar la imagen -que no vestuario solo- a nivel web. Creo que ahí está el cambio a mejor y que si bien entre 2011–2015 hubo un periodo transitorio en el que se redefinió el rap en español a lo que es hoy, salvo un par de años al aire, el nivel se estabilizó y a día de hoy va in crescendo. A mi juicio y con respeto a los pioneros, el rap que se hace hoy es el modelo a seguir".

https://www.youtube.com/watch?v=1SbFellt54c

Retomando el punto anterior sobre la importancia de echar la vista atrás, el artista leonés Lil Mess admite: "Me siento con una facilidad actual de crear y exponer mis vainas mucho mayor que cuando empece, gracias al trabajo que han ido haciendo generaciones anteriores, y gracias a ello aquí estamos todos, dando bolos por ciudades que ni conocía y conociendo gente que admiro desde hace mucho". Que además de expresarse mediante la música, la fusiona con el mundo de la moda y otras disciplinas artísticas.

"La escena urbana actual está más sólida que nunca, no solo hay miles de personas haciendo música, si no que cada vez las porcentaje de ellos se animan a investigar en nuevas vainas y trabajar fuerte en ello, eso nos nutre a todos. Yo personalmente, me encanta trabajar mi proyecto desde muchas perspectivas, y el haber conocido diferentes productores, estilistas, directores creativos o incluso colegas, me han hecho poder jugar mis cartas desde mas ámbitos que solo el musical, y eso es la hostia", apunta Mess.

Como bien podemos ver, dentro de esta nueva escena en progreso de consolidación, se abandera la idea de que si todos comen del pastel, hay más pastel para todos. Algo que abre aún más las puertas a nuevos proyectos sin precedentes.

Por otro lado, en comparación con el panorama americano, el productor 1adaaan, ubicado en Jaén y quien ha trabajado con grandes artistas de EE.UU. como Kankan, Matt Ox, Babytron, etcétera nos cuenta que la escena de allí se distingue de la española por medio de diversos factores. "Para empezar, allí hay mayor diversidad a la hora de escoger una plataforma para el consumo de la música como por ejemplo Spotify, Apple Music, Tidal y demás, lo que hace que se generen mayor cantidad de reproducciones y por consiguiente, la música es mucho más lucrativa que aquí. Otra cosa que me parece importante de destacar es que allí es súper común que los artistas pequeños compren colaboraciones a artistas más grandes y eso es algo impensable en España, por el tipo de mentalidad que hay aquí".

"No solo así, los artistas estadounidenses, por el tipo de público, que es completamente distinto al español, son mucho más versátiles y es algo que siempre he tenido que tener en cuenta a la hora de enviarles packs, además es muy raro hoy en día ver un tema producido por un solo productor, en Estados Unidos se estila que haya normalmente unos tres o más detrás de un beat, que es un dato bastante curioso y a tener en cuenta. Por otro lado, algo que es un puntazo aquí en españa es que hay mucha más cercanía y te sientes mucho más acogido, allí al contrario es un ambiente generalmente mucho más frío y calculador, al menos es la sensación que a mi me ha dado."

https://www.youtube.com/watch?v=tfau2_PfWOE

Tras todo lo mencionado se ve como ha habido un cambio abismal en un plazo de tiempo muy reducido y como en respuesta a diversos factores se han propulsado nuevas maneras de introducirse en la escena musical. El caso de Dellachaouen, paisano granadino, es un claro ejemplo de ello, ya que empezó a publicar su música grabada sin recursos desde su propio teléfono, y en un plazo de un año ha conseguido profesionalizarse y establecerse en Bilbao junto a «La Joyería». Este artista creció de manera orgánica, como él mismo nos menciona, mediante el trabajo constante y la confianza en su proyecto.

Añade que: "A mí siempre me ha dado respeto todo el mundo porque yo siempre lo he demostrado, hay que dejar atrás el ego de rapero. A mí no me da vergüenza decir que me gustan ciertos artistas si es la verdad y la realidad, si tú respetas te van a respetar".

Saber afrontar la escena actual es algo de especial relevancia: "Además en el panorama ahora mismo hay muchísima más simbiosis y en general lo que cuenta en esto es saber moverse, ser pícaro, debido a que la escena se basa mucho en la inmediatez y es imprescindible estar en el momento oportuno. Personalmente, me ha funcionado no tener un personaje y simplemente ser yo, estoy muy agradecido por como me ha tratado todo el mundo en el panorama".

Por lo que, finalmente, podemos concluir que la escena under actual está generando grandes cambios de pensamiento en la mentalidad de los artistas de todo el país y asimismo, cómo todo el mundo tiene cabida en esta nueva generación de artistas y sonidos si uno cree en sí mismo y en lo que tiene para ofrecer al público.


Análisis: C. Tangana - Baile de la Lluvia

Critica al dinero en la industria musical a través de ”Baile de la lluvia – C Tangana”

Análisis de Sara Doce para GRINDIN’

Fotografía de Javier Ruiz

“Durante los años hippies la gente despreció la idea de los negocios

Decía «el dinero es malo», «trabajar es malo»

Pero hacer dinero es un arte, trabajar es un arte

Los buenos negocios son la mejor de las artes.”

C. Tangana es el nombre artístico de Antón Álvarez Alfaro, originario de Madrid y nacido el 16 de julio de 1990. El joven madrileño comenzó su carrera musical en 2006, siendo uno de los integrantes del grupo de rap Agorazein, bajo el seudónimo de “Crema”. Apodo que posteriormente dejó atrás en 2011, con el álbum “Agorazein presenta a: C. Tangana”.

“Baile de la lluvia”, es el segundo tema de «Avida Dollars», el sexto trabajo largo del artista. Este proyecto cobra vida apenas medio año después del que había sido su quinto disco, “Ídolo”, liberado en octubre de 2017. Sobre este último álbum, siete de los doce cortes fueron publicados previamente al lanzamiento íntegro del trabajo. Por eso no es de extrañar que el foco mediático se centrase en él tras una gran estrategia de marketing viral, que estuvo confeccionándose durante años y finalmente terminó por culminar en un gran contrato con Sony, una de las mayores multinacionales musicales. Y por si eso fuera poco, en Gran Vía se instaló una gran imagen del artista vestido de manera ostentosa. Haciendo así, una declaración de intenciones, demostrando su superioridad ante el resto de artistas del panorama. Como curiosidad, en esa misma época, C. Tangana protagonizó una serie de beefs con Kaydy Cain, integrante de Pxxr Gvng.

En 1939, André Breton empleó el anagrama despectivo «Avida Dollars» , sediento de dinero, contra Salvador Dalí para criticar su obsesión por este. La sarcástica referencia a su poderoso negocio del arte también pretendía acusarle de narcisista y egocéntrico. Cabe recalcar, que cuando Tangana dejó atrás su anterior alias Crema, fue duramente criticado por su público más fiel, ya que lo tacharon de “vendido” por arrimarse al lado mainstream del panorama musical. Por lo tanto, que Antón emplee el anagrama como título para uno de sus álbumes financiados por Sony, es una metáfora sublime si se entiende como se ha mencionado con anterioridad, como una declaración de intenciones. Este es el que es él ahora y lo que busca ya no es tanto el compartir sus letras, sus rimas y skills, si no el dinero y trascender en el panorama musical.

Cambiando de tema y en lo referente a la producción, en esta canción en concreto, Take A Daytrip juega un papel crucial, ya que se puede apreciar a la perfección el ritmo agresivo y los 808s cargados de potencia que cautivan desde la primera reproducción del tema.

https://youtu.be/F1GMFv56fnk

“Baile de la lluvia”, es una danza ceremonial que se originó en América por los indios como practica para invocar la lluvia y asegurar el éxito de la cosecha. Antón reflexiona sobre su poder en el panorama musical, tanto madrileño como nacional, haciendo así un símil entre su música y la lluvia, dando a entender de manera metafórica que su música es la lluvia y la cosecha, sus oyentes necesitados de oír nuevo contenido. Por otro lado, la canción denota cierto doble sentido en lo referente a la lluvia. Ya que esta, por un lado trae el agua que calma la sed, o sea, acalla la necesidad de un soplo de aire fresco en el contenido musical del artista y del panorama, y además, trae tormenta y rayos para sus rivales.

Siguiendo con el contenido de sus contrarios, el rapero ya citado, Kaydy Cain y él liberaron unos cuantos singles cada uno donde se criticaban mutuamente e intentaban demostrar al público que colectivo tenía mayor éxito en la capital. Puesto que ambos, tanto Agorazein como Pxxr Gvng, estaban en pleno auge.

Continuando con el tema principal de la canción, es el funcionamiento de la industria musical. Dando a entender que para triunfar en ella, no se requiere tener un particular don, como hasta hace relativamente poco tiempo, sino más bien, entender cómo funciona el negocio para valerse de ello y poder llegar a lo más alto. [“no sabes escribir, eso no pasa nada. Si quieres ser un G tienes que saber contar”].

“Baile de la lluvia”, en su sentido más literal, alude a como él baila y consigue hacer llover el dinero. Desde la perspectiva del artista, hacer dinero con la música es un arte paralelo a la misma, algo que dice explícitamente en el final de la canción, en el outro, que es de vital importancia para la comprensión completa de este corte. Rebatiendo una mentalidad que ve la mercantilización de la música como deterioro de la misma. Como se ha mencionado anteriormente, en el outro, Tangana adapta una famosa frase del artista plástico Andy Warhol para referirse a la importancia de ganar dinero y hacer negocios.

Warhol nos habla sobre como durante el movimiento contracultural hippie, los seguidores de esta cultura rehusaban la idea de ganar dinero y se negaban a apoyar el consumismo, a razón de que preferían el amor y la paz, pero el madrileño, recalca que hacer dinero puede ser un arte en sí, algo tanto puro como bello. Y valiéndose de eso, refuerza el argumento que lleva repitiendo durante todo el track; desde su posición, él está creando arte con su música para luego posteriormente monetizarlo buscando las mejores estrategias para generar el máximo de ingresos posibles. Haciendo de lo bello, su manera de vivir.

Para concluir, viendo la trayectoria del artista, se puede comprobar como a través de su particular manera de entender la escena musical ha conseguido llegar hasta dónde está ahora, en lo más alto de ella. Cumpliendo con las expectativas que había ido generando a lo largo de su carrera. Y aunque en un principio parezca que el artista haya empezado a explicar su lucha interior sobre hacer las cosas por puro amor al arte o por el dinero desde su firma con Sony a mediados de 2017, este tópico ya había sido sido empleado por el artista en numerosas ocasiones antes de haberse unido a la música mainstream, en su álbum LO▼E’S en 2012.

Resumiendo todo el contenido, C. Tangana no solo quería tratar el contenido sobre el flexeo y lo excesos en esta canción, también pretendía visibilizar cómo en la industria musical no se prima tanto el talento como el dinero o el marketing.

https://open.spotify.com/album/1lpc9sC4pqIrG8OpZjuuCr?si=JvpxEc6DRVek_NGDWq6HQw

 


Análisis: Ébano, Louis Amoeba - Last 2 People on Earth

Análisis completo e interpretación personal «Last 2 People on Earth»

Análisis de Sara Doce para GRINDIN’

Fotografía de Jay Gambin

El 27 de marzo de 2020, el rapero Ébano y el productor Louis Amoeba publican ‘’Last 2 People on Earth’’, un proyecto conjunto de larga duración liberado en plena pandemia mundial. El álbum cuenta con 13 cortes independientes de estilos muy variados que crean un ambiente único.

Pero echando la vista atrás, tanto Ébano como Amoeba cuentan con una carrera musical muy prolifera en solitario. El primero de ellos, comenzó en el colectivo ‘’Madriz 90’s’’ junto a M.Barbetti aka Kraf y Sandor García. En 2012 dieron a luz temas como ‘’Profundo’’, que cuenta con videoclip y la participación de L-Berr. Aunque ya en 2011 publica su primer álbum en solitario ‘’1984’’, un proyecto de hip hop atemporal. Siguiendo con su carrera, en 2016, Ébano y Zevex crean el dúo ‘’Organic Name’’ y estrenan un álbum homónimo. Unos meses antes del lanzamiento del LP difundieron el tema que da nombre al disco, ‘’Organic Name’’. La dupla estuvo en activo hasta 2019, siendo 2018 su año con más lanzamientos.

Por otro lado, Louis Amoeba se dio a conocer en el grupo ‘’Valencia Estancia’’ produciendo temas como ‘’En el camino’’ en 2014 o ‘’Eh, flaco’’ en 2016. Este último, es la intro de ‘’Sabotaje’’ , un álbum que cuenta con 8 temas producidos por él y es el último lanzamiento del colectivo. En 2012 ‘’Madriz 90’s’’ ya contaba con una colaboración con los orígenes de lo que más tarde sería VLE, puesto que inicialmente era un dúo llamado ‘’Asës’’, compuesto por Farniente L-Berr y Suyana, raperos valencianos. El tema es ‘’352’’ y fue liberado en la mixtape ‘’Represëntándome’’ junto a otros 12 cortes.

El primer proyecto conjunto del madrileño y el valenciano ve la luz en 2017, en formato single. En ‘’Who’s back’’, ambos demuestran de lo que son capaces y dejan a sus oyentes expectantes por ver más contenido juntos. Petición que se cumple en ‘’Cupón’’ , tema conjunto con Farniente L-Berr. Tras esto, artista y productor no liberan nada más juntos hasta la primera fecha mencionada, aunque en el canal oficial de Youtube de Ébano, se publicaron unos snippets antes del lanzamiento íntegro del álbum.

Teniendo todo lo anterior en cuenta, no es de extrañar la gran acogida que tuvo el LP por parte de los seguidores más fieles de uno y otro, debido a que los grupos de ambos llevan desde los inicios entrelazados. De los 13 temas que conforman el álbum, ninguno cuenta con la colaboración vocal de otro artista, por lo que Ébano y Louis son los completos protagonistas. El tema que lo abre es ‘’Born In Jail’’ y a través de un beat lleno de matices, se narra un discurso que se repite a lo largo de todos los tracks, cómo alguien piensa que el mundo de la calle le va a salvar la vida y no es así. Pero a su vez, mediante el título de la canción da a entender que no tiene otra opción, que ha nacido en la cárcel, que está condenado a ser o actuar así. Personalmente interpreto esto como ser perteneciente a una clase social baja, la cárcel es figurativa.

Continuando con el álbum, ‘’Joven Jugador’’ es el siguiente tema. Es un grito de desesperación, no hay esperanza. Repite constantemente la idea de que no hay nada que pueda hacer para cambiar su situación, pero tiene que seguir hacia adelante. No le queda otra salida, ‘’Corre joven jugador, solo contra el crono como Usain Bolt’’, tiene que luchar contra esa adversidad y no puede detenerse. La producción de Louis juega un papel crucial en este tema, el beat es acelerado e introduce a la perfección en una atmósfera aparentemente de motivación, pero realmente, el joven jugador corre porque no le queda otra opción.

‘’Bandolero’’ es el tercer corte y sigue manteniendo la misma estética que los sencillos anteriores. Sigue repitiendo la idea de que está solo, ‘’I’m alone like X’’ y sabe que está condenado, ‘’I’m feeling like I’m dead’’. Ya no tiene ganas de seguir luchando, ya no puede seguir corriendo, por lo tanto se acoge al último recurso: a la fé, busca la suerte que nunca tuvo. Pero ve que no hay redención, que Dios no está allí, que no tiene nada que hacer más que seguir corriendo. Por lo tanto, su última esperanza es la Biblia, aunque dentro de ella está la pistola. Puesto que dentro de todas sus opciones, la única salida real que tiene es apretar el gatillo. Sin embargo, es incapaz de hacerlo, ‘’Con la pistola dentro de la biblia, otra vez será’’.

El cuarto lugar lo ocupa ‘’Donde estás?’’, una canción con una melodía mucho más animada que las anteriores. A pesar de esto, el protagonista sigue buscando a algo o a alguien con la misma actitud obsesiva y la muerte sigue estando muy presente, ‘’Hasta que se acabe, que alguien dispare’’.

El quinto track es ‘’Mula’’ y fue el primer adelanto del álbum. Ébano reza un salmo y le pregunta directamente a dios porque le ha arrebatado a todos sus seres queridos si él no se merece tal desdicha. Siguiendo con mi interpretación personal, cuando dice: ‘’ Mi vida está llena de dificultades. La muerte se acerca. Me has dejado entre los muertos. Estoy tendido como un cadáver en la tumba. Me arrojaste a las profundidades más oscuras (fui olvidado). Estoy atrapado, no hay forma de escapar’’ hace claro hincapié a que intenta escapar de la clase social marginal de la que proviene. Sigue dejando claro que no puede parar de correr, ‘’Yo nunca miro atrás, solo huyo (run, run, run)’’

El contenido sobre el flexeo y el desfase se trata en "Plaza Roma" , que también tiene un gran cambio al final con la repetición constante de «No dejes que te cojan» y ‘’Más vale que corras’’. Por muy chulo que parezca ser, al final del tema vuelve al mismo dilema de siempre, no puede detenerse, tiene que seguir corriendo, tiene que seguir luchando contra las adversidades.

‘’Follow Mix’’ ocupa el séptimo lugar del tracklist y sus ritmos tropicales se entrelazan con un pequeño skit para dar comienzo a la canción. En el primer verso, el protagonista recapacita sobre la falsedad de la gente que le rodea, ‘’ Te juro que ya no lloro. Estoy muy tranquilo solo’’. Y aunque ha conseguido ascender un poco en la escala social, extraña sus orígenes ya que no tiene a nadie, ‘’Volver a las Joma y los chándal Lotto. Ahora vacilo de Tommy, Polo. Camino solo, aunque, camino solo’’. El outro del tema es la segunda parte del skit, en este, una voz ajena le dice al personaje principal lo mucho que lo quiere, aunque en la canción se intuya lo contrario.

‘’Tout le monde est coupable’’, con esta barra empieza ‘’Tout le monde’’, una canción cargada de rabia y furia. Todo el mundo es culpable, otra vez vuelve a emplear la misma simbología que en los temas precedentes, la cárcel o una condena. Para referirse así, a que todos somos presos del sistema, todos somos igual de culpables, de una manera u otra todos nosotros luchamos por seguir manteniéndonos en él. No obstante, la cárcel a la que alude no es un espacio físico real, emplea el recurso literario de la metáfora para hacer un símil entre una prisión y su posición social. Ambas cosas son una condena de la que no puede escapar. Cabe recalcar que vuelve a mencionar a la Biblia y su descontento con Dios, ‘’ Hermano, mira al cielo, no hay dios que nos salve’’.

En ‘’Peligroso’’ Ébano expone las dos caras de la moneda de la delincuencia, que es el camino que escoge tras no ver otra salida. ‘’Feel like OG Bobby Johnson (OG)’’, cuando consigue dinero se cree un verdadero G, pero el dinero fácil es peligroso y generalmente está ligado al robo o al consumo y distribución de estupefacientes. También habla de cómo el dinero no compra el amor y cavila sobre haber estado buscandolo frenéticamente. Tras eso, él ya no es la misma persona, ni la gente que le rodea, ‘’Los que sonríen en la foto reina. Esos no somos nosotros’’.

‘’No Justice’’ es el décimo tema y cuenta con material audiovisual publicado casi un año más tarde del lanzamiento del álbum. El protagonista lo sacrifica todo, incluso a sí mismo, para ascender en la pirámide social, tratando de alcanzar sus objetivos incluso alardeando de sí mismo sin valor. Prima la vida criminal al resto de cosas, el poder y el dinero fácil le corrompe y le hace descuidar lo que realmente es importante en la vida y pierde a la gente por la que vive. No se lo ha provocado él mismo, sino, más bien el sistema, la cárcel figurativa. Asimismo, vuelve a mencionar que sigue corriendo sin parar, no le queda otra opción, pero lo que hace para huir de la muerte, es lo que le está condenando, ‘’Ruido metálico de las cadenas. Las ruedas nunca se frenan. Muerte lenta, el agua templa’’. También retoma un tópico de la canción anterior, retrocede en el tiempo y recuerda el pasado, pero esos recuerdos ya no tienen ningún valor. Nada será igual que antes. Nada volverá a ser como antes, ‘’Y ahora tengo este frío dentro. Un puñal clavándose en el cuerpo. Los recuerdos vuelan como el viento. Siempre que te sueño me despierto’’. Cuando menciona que no hay justicia, puede estar haciendo referencia a que la gente adinerada o con poder se aprovechan de ello para librarse de las consecuencias de sus actos. Y como por el contrario, la gente sin esos recursos no cuenta con esas ventajas. El sistema es injusto, la justicia es injusta, por lo tanto, no la hay.

https://www.youtube.com/watch?v=DsrOl6KPLj0

Ébano en el antepenúltimo tema, ‘’Rey’’, comienza con una intro un tanto críptica, al más puro estilo Last 2 people on Earth, ‘’Ahora que la banda se ha disuelto y alguno ha acabado muerto. Por meterse en un entuerto del que no supo salir. Okay (Eh, si ahí ahí, escucha). Y ahora siempre visto to’ de negro. Porque ando solo con cuervos. Que se llevan los recuerdos. Por eso no tengo na’ que decir’’. Se dice que ver cuervos volando o soñar con ellos es un presagio de muerte. Igualmente, en la primera oración se refiere a un traje negro, vestimenta por excelencia en un funeral. Así vuelve a mencionar lo que lleva repitiendo durante todos los temas anterioires, la vida de la calle le ha pasado factura a él y a su círculo. Aparte de eso, vuelve a mencionar que está solo y que no tiene nada que decir, no tiene más opciones que seguir adelante. Se enfoca en alguien que cree que el mundo de la calle le salvará la vida, pero no es así, lo mismo se puede ver en «Joven Jugador». La canción termina con el sonido de un auto chocando, lo que se puede entender como la vida pasándole factura y acabando con él en la cárcel o muerto.

‘’Overdosin’’ es el enaltecimiento de la vida criminal y su idealización. Este tema también cuenta con videoclip, con Ébano como protagonista. ‘’Last 2 men alive. A place go home pero ¿dónde estás?. (Alive) All alone outside’’, él ya no tiene un sitio al que volver, lo ha perdido todo por intentar lograr su sueño. En el videoclip, rapero y productor salen posando junto a un homeless repleto de chains y oro frente a una joyería, con esto, se pretende representar lo importante que es para la sociedad aparentar. No tener nada, pero aun así hacer ver que sí. Respecto a eso, cuando dice: ‘’Hombres libres, libres hombres (Free). Pero aquí mandan los sobres. Maniquís con sobrenombre’’, se refiere a reducir buscar la libertad a través del dinero y como eso conlleva a convertirse en un maniquí, un juguete, ya que pierde la vida haciendo y cumpliendo con lo que otros quieren pero dándole una falsa sensación de libertad al ganar dinero. Cambiando de tema, en la imagen de la mesa del videoclip se hace una clara referencia a la última cena, él en el medio y frutas en la mesa entre otros atrezzos, esto podría interpretarse como la traición o la falsedad que se vive en la sociedad. Además, está rodeado de gente que no le presta atención, está solo, a nadie le importa cómo está y vuelve a emplear la misma analogía de siempre, aunque esta vez, de manera visual. En el pre-coro, ‘’Dejaste todo por un pussy. Los disparo’ y la UZI. Los coches caro’ y los Gucci. Los reservados y las lumis. Claro, vato. To’ de lado por un pussy. Ahora solo cómo Culkin’’, lo dejó todo por lo que creía que lograría y lo que creía que sería la felicidad y ahora se da cuenta de que está solo.

https://www.youtube.com/watch?v=v6Vovj1xZSw

Finalmente, el corte número 13 cierra el álbum, ‘’No Gifts Allowed’’. Ébano se despide en este tema, sabe que va a morir, sabe que sigue condenado, “¿Cómo te sientes ahora?. Que sabes que me voy a morir”. Va de frente al fin, ya no hay vuelta atrás y aunque se interprete como que tras haber estado corriendo han atrapado al protagonista, “Mirando desde el otro lao’. Cuánto tiempo ha pasao’ “, él medita sobre el camino que ha tenido que recorrer para llegar a donde está actualmente. Y si el conseguir ascender a una clase social más alta, ha merecido realmente la pena de dejar atrás a sus seres queridos, “ Dile a la mama que la amo y que le eche cojones. Nena no me llores “.

En Last 2 People on Earth, hablamos de ser víctimas del injusto sistema en el que vivimos. Que nos obliga a hacer cosas que no queremos para ser parte de él. Nos cuesta todo lo que somos y lo que realmente nos importa. Tal vez no seas un delincuente, pero trabajas 16 horas al día, no puedes ver a tu familia, no puedes vivir tu vida, el tiempo vuela y todo lo que te rodea y te importaba se ha ido. Y cuando te das cuenta de eso, es demasiado tarde, no tienes nada más que lo que te han hecho, lo que han hecho de ti. Generalmente, las personas en riesgo de exclusión social suelen ser las más propensas a tomar el camino de la delincuencia o jornadas de trabajo abusivas, por la falta de oportunidades en su entorno. Por eso interpreto el mensaje del álbum como una lucha contra el sistema, desde la base de la pirámide social. El mensaje del álbum no es tratar de idealizar la imagen del buscavidas, la vida de la calle, es una salida cuando no tienes otra opción a la que aferrarte, cuando las adversidades de la vida no te dejan escoger otro camino. En todos los tracks se pretende mandar el mismo mensaje: resiste, corre hasta que no puedas correr más, pero sigue corriendo o morirás. Una carrera por la supervivencia.

https://open.spotify.com/album/61XW3auHdLPrlEaPBRZRAR?si=sP1g0FepSCOGLkrVnuQ6yw


Análisis: Dolores y Mazmorras - Proyecto Hambre

Del barrio a todas las plataformas digitales: un paseo por los códigos de Proyecto Hambre

Análisis de Sara Doce para GRINDIN'

Fotografía de @_okaro_

Dolores y Mazmorras es un colectivo musical emergente conformado por Sokez, Hide Tyson y Trozos DE Groove. Donde a través de sus letras narran situaciones de su barrio malagueño, Miraflores, mediante las cuales mucha gente se ha podido sentir retratada debido a su crudeza.

El 4 de octubre de 2022 liberaron su álbum debut "Proyecto Hambre", en el que los artistas reflexionan sobre temas muy diversos, que van desde el amor hacia la familia y el barrio, hasta cuestiones políticas y reivindicativas. Para ello, salen de los márgenes del rap estricto, fusionándolo con sonidos techno y 808s agresivos que hacen de este un sonido novedoso y adictivo.

Respecto a la trayectoria de estos artistas, cabe recalcar que sus inicios en el mundo del rap se remontan hace más de una década atrás, tanto en el canal oficial «Dolores y Mazmorras», como en el de Hide Tyson, «Jurao por los niños» . Comenzando por Sokez, en 2008 se sitúa por primera vez en el panorama under malagueño con una colaboración en: "Sucias ratas-Ciudad cloaka", y a partir de 2011 junto al colectivo Madnessound, del que también formaban parte artistas renombrados como Foyone, empieza a perfilarse su estilo y esencia. Tras esto, Sokez publica a lo largo de los años gran cantidad de material audiovisual, incluyendo numerosas mixtapes y colaboraciones. Siguiendo con Hide Tyson, también cuenta con una prolifera carrera musical, iniciada a principios de 2013 y asimismo difundida de la mano del colectivo Madnessound. Echando la vista atrás en su canal, cuenta con piezas como "Salem", su primera maqueta que data del año 2015. El último de ellos, Trozos DE Groove, al contrario que los otros dos anteriormente mencionados, surge del colectivo 10Problemas y debuta con el LP "Subliminal" a mediados del año 2011. De hecho, los tres artistas han unido sus fuerzas en numerosas ocasiones antes del lanzamiento de "Proyecto Hambre", ya sea en formato de singles o en formato de mixtape, como es el caso de "Dragones y Parroquias de barrio".

Retomando el tema que nos concierna, el álbum cuenta con 15 temas y los tres artistas participan simultáneamente en todos ellos, Sokez y Hide Tyson encargados de darles letra y Trozos DE Groove responsable de la producción. El LP queda inaugurado por un corte homónimo a este: "Proyecto Hambre" y en el se presenta lo que va a ser el hilo conductor de todo el proyecto, representar un sentimiento de pertenencia a un grupo en donde toda la gente comprende y respeta los mismos códigos. Comienza con un skit donde nos dejan muy claro que todo el trabajo y el esfuerzo invertidos en el álbum será correspondido si las personas que se sienten identificadas con él lo valoran y seguidamente, en el primer verso de la canción, Hide Tyson reflexiona sobre la condena que es nacer en un barrio de extrarradio con pocos recursos y hace una critica muy directa a la sociedad que impera a día de hoy, remarcando la diferencia de clases y el inmovilismo que sufren los desfavorecidos a la hora de intentar ascender en la pirámide social. ‘‘La policía baja pa’ hacer la ronda, porque a los ricos la mugres les estorba y semos basura, desde que nací hasta que me muera. Me muera, o eso me han enseñado en la escuela, hoy tengo ganas de matar a cualquiera. Este sistema es una mierda, primo, así explotasen to’s’’.

Por otro lado, en el segundo verso, Sokez detiene su atención en un problema cada vez más y más relevante en los barrios obreros, las casas de apuestas que inundan estos barrios. Se debe a que la mayor proliferación de este tipo de locales se da en los barrios con una renta más baja, ya que, los jóvenes de clase obrera, en paro y sin un futuro claro en mente, buscan su salida en el dinero inmediato que dan las casas de apuestas. Estas personas tienen más probabilidades de caer en el juego compulsivo, el abuso del alcohol y otras sustancias, aunque todas estas adicciones a menudo van de la mano. Los problemas económicos y el impacto de la crisis en nuestras comunidades y la devastación causada por el desempleo, la inestabilidad y los recortes son el verdadero combustible para el juego, ‘‘El ser humano está llorándole a una máquina. Pidiéndole de vuelta su chatarra, se le caen las lágrimas en la barra al lado de la tragaperras. Parece mentiras que sean tus ultimas monedas, perro’’.

En la segunda pista, "Un Día Más", se narran las vivencias del día a día en el barrio, en el que hay traición que llega de parte de mano amiga, ‘‘Son enemigos, primo, no son aliados (Fuck). Escupen al suelo después de darte la mano’’, la falta de recursos económicos que les impulsa a tomar caminos equivocados por pura necesidad, ‘‘Sin un duro en la cartera , algo que hay que hacer, ma’ y con un duro en la cartera hay que hacer más ¿Quién no quiere dinero pa’ gastarlo en la ciudad?’’, y sobre todo, de los deseos y las aspiraciones que persiguen estos individuos, ‘‘Queríamos nuestro nombre en los fanzines y no en la tele’’. Todas ellas, son situaciones muy comunes que viven gran parte de los jóvenes de los barrios menos pudientes, siendo este un cántico para alentar a todos ellos, ‘‘E wa, un día más, e wa, un día menos’’, un día más que han conseguido sobrevivir, salir adelante, es un día menos que tienen que hacerlo.

El tercer track se trata de un interludio, "Interludio 1 Aleluya", por medio de un ritmo agresivo y furioso, Sokez vuelve a remarcar la finalidad de todo el trabajo, visibilizar y exponer la vida de los barrios periféricos, asimismo hacer una critica tanto social como moral por la injusta situación en la que se ven condenados a vivir, empleando para ello sus temas como altavoz, ‘‘Yo te lo enseño, quiero que lo veas que aquí abajo la cosa está muy fea’’. En todo momento dejan claro que su finalidad no es salir del barrio, sino traer las riquezas y los recursos a el, para hacer prospero su desarrollo, ‘‘Ahora entra al bloque como al Vaticano y gritan aleluya, aleluya, aleluya. Porque si cae la patrulla no tienen denuncias’’.

"El Arte de No Morir de Hambre" ocupa el cuarto puesto del tracklist, en este tema se trata la desesperación que sufren y las pocas salidas estables que encuentran, por lo que se aferran a actos que pueden acarrearles consecuencias perjudiciales o daños emocionales, pero ¿cuándo no queda otra salida, que es lo que se supone que se debe hacer?, ‘‘Mama, si tengo que hacerlo, yo lo voy a hacer. A estas alturas no hay mucho más que perder’’. También hacen una critica a la iglesia mencionando todo el poder y las riquezas de las que disponen bajo su jurisdicción, habiéndolas conseguido en base a la meritocracia y sin esfuerzo ninguno, ‘‘Pedí un milagro en el bloque y cayó un milagro en el bloque. Aunque los curas no entiendan de buscarse el lingote (Aleluya)’’. A su vez, considera que la gente que le rodea debe ser venerada por todo lo que han tenido que pasar para llegar a donde se encuentran, ‘‘Que el Vaticano canonice a to’s mis buscavidas. Que es un milagro que a estas alturas aún sigamos con vida’’. Además de todo lo anteriormente mencionado, Hide Tyson deja claro que él sigue siendo realista en cuanto a la posición que ocupa en la escena y en Miraflores, ‘‘Y yo no me creo una estrella, yonkis fumando en botellas. Toda esa mierda me mantiene los pies en el suelo’’.

El quinto corte del álbum, "Lo Que No Quieres Pa Ti", tiene como colaboradora vocal a Saray Vargas, una cantante de flamenco malagueña que juega un papel crucial en este corte, dado que le da gran musicalidad en los coros y el estribillo. En cuanto a los versos, primeramente Sokez abordar la injusticia social que sufren los niños, especialmente los pertenecientes a las clases sociales desfavorecidas. Puesto que actualmente el tejido social, cada vez más incondicional con la administración y más subvencionado por su parte, hace que en la sociedad estén más preocupados por la inseguridad ciudadana que por las causas que la provocan, lo que hace que imploren más medidas policiales que las sociales y esto como consecuencia acarrea un aislamiento en los barrios, que se termina reflejando en conductas delictivas que los niños toman como naturales, ‘‘Niños educa’os en el delito desde que son chiquititos’’. Hide por su parte refuerza la misma idea en el puente y en su verso, ‘‘Proyecto Hambre, Miraflores, Málaga, to’ los barrios. Hay que seguir apostando, compadre’’. Un ejemplo de lo antedicho son las comunidades azotadas por el flagelo del desempleo que dependen en algunos casos de la venta de drogas como economía sumergida en un intento de ‘Buscarse la vida’, lo que usualmente genera más problemas personales y sociales que ventajas. De todos modos, no olvidemos que el problema de la droga es el narcotráfico, no el que consume, ni el que vende en estos barrios, ellos son las víctimas de este entramado criminal y mercantilista, es por eso que hay que seguir apostando por el desarrollo de estas comunidades para que puedan optar a otras salidas que no sean las delictivas.

La sexta pista, "El Fin de la Ruina", fue liberada antes del lanzamiento integro del álbum, el 25 de agosto de 2022. En el estribillo de esta canción se hace un ingenioso uso de la expresión ‘Mano inocente’, ‘‘Aquí no busques manos inocentes porque no las hay. Nos conocemos y por eso desconfiamos, baby, don’t cry’’, ya que cuando hablamos de mano inocente en castellano, nos referimos a la persona que se encarga, por ejemplo, en una rifa de extraer la papeleta ganadora al azar y se supone que siempre se encarga de ello una persona imparcial. Por lo cual, cuando los artistas sugieren que en su barrio no hay manos inocentes es por que todos son conscientes de lo que les rodea y saben buscar la manera de valerse de la situación para poder hacer trampas, si estas fueran necesarias.

Siguiendo, en el puesto numero siete se encuentra "Apretar los dientes", que como en la pista anterior, también se vale del refranero español para el estribillo, modificando el dicho popular: ‘Pretender tapar el sol con un dedo’, que vendría a significar el intento inútil de ocultar algo que es demasiado notorio. Por eso cuando mencionan ‘‘No me puedes tapar con un de’o’’, están haciendo alusión a que ha llegado su momento, su voz cada vez resuena mas en el panorama musical under urbano y su presencia en él ya es innegable e indiscutible, por lo que al igual que al sol, no les pueden tapar con un dedo. Indistintamente, siguen tratando los tópicos anteriormente mencionados.

En "Canción Distinta", el track que prosigue, a parte de romper con el esquema musical de los temas anteriores, trae al panorama un sonio novedoso y refrescante, todo gracias a la producción de Trozos DE Groove, quien ocupa un papel fundamental en todo el álbum al encargarse de ella en todos los temas. En esta canción en concreto, se trata el contenido sobre el flexeo y los artistas se cuelgan sus medallas, no obstante, en todo momento hablan con brutal sinceridad y al igual que hablan de todo el trabajo invertido tanto por su parte, como por la de la gente de su entorno más cercano, no niegan que a veces es inevitable coger el camino rápido de los robos y hurtos, ‘‘Estoy robando abrigos caros pa ‘ vestir a mi mujer Sin un plan para mañana igual que estábamos ayer’’.

En la novena posición de tracklist se encuentra "Niños Desheredados", en este corte se vuelve a remarcar el hilo conductor de todo el proyecto y lo que hemos ido viendo en el resto de los temas, hablan de lealtad y de su barrio, del amor que se profesan, ‘‘Lo hago por mi equipo, lo hago por mi sangre. Bitch I stay humble, por mi mujer y mi hambre’’, igualmente, remarcan la cara oscura de la vida que les ha tocado vivir, ‘‘ Mi vida, yo aún no sé lo que es mi vida. Solo sé que hago más guita porque se termina ’’ y a su vez, cierran el tema con una frase en la que hacen alusión a los niños de los barrios con menos recursos, ‘‘Niños adultos, Can Tunis que Dios los bendiga’’, esto es debido a que es directamente proporcional la infancia de un niño con su conocimiento de la realidad y madurez, por lo que los niños de estos barrios, expuestos desde su infancia a situaciones poco aptas para su edad, por pura supervivencia, tienen que crecer a pasos agigantados.

"Deseo" es el décimo tema del álbum y mediante las barras de esta pista, el MC malagueño Sokez reflexiona sobre el amor llevando el concepto a su terreno, ‘‘Ahora pídeme un deseo, voy a cumplirte lo que quieras, (Lo que quieras). Yo me conformo con un plato de comí’a. Quiero decirte bajito que siempre te voy ‘echar ‘e menos’’. Así pues, alega que viniendo de donde él viene, no busca grandes lujos más allá de cosas tan banales como las que pueden parecer contemplar un atardecer o tener comida para el día siguiente. Conceptos que aparentemente parecen comunes y básicos, pero de los que mucha gente no dispone, ya sea por pasarse gran parte del tiempo trabajando sin descanso, o precisamente, por la falta de este, ‘‘Con que poco me conformo, un atardecer en verano’’.

En cuanto al tema número once, este es "En el Callejón", y echando la vista atrás, no es de extrañar que empleen este track para numerar a ciertos personajes icónicos de los barrios bajos. Por ejemplo, en el primer verso, Hide Tyson menciona al Vaquilla, ‘‘Del ghetto a la gran pantalla, como el Charte o el Vaquilla’’, que es un conocido delincuente español el cual saltó a la fama nacional tras grabar una trilogía de películas sobre su vida. Esto fue debido a un movimiento denominado ‘Cine Quinqui’, así se le conoce popularmente al género cinematográfico que relata las vivencias y las aventuras de delincuentes de estrato social muy bajo, siempre jóvenes o muy jóvenes. Este interesante guiño remarca la finalidad de retratar las vivencias de los artistas y su gente, así como de denunciar las situaciones de injusticia que aun a día de hoy siguen sufriendo los más desfavorecidos. Esto es una idea que se mantiene firmemente a lo largo del resto de la canción, ‘‘I’m a criminal, mama, ya apenas escucho. Estoy transcribiendo la historia del mundo’’.

En cuanto a "De Mi Medallón", Sokez y Hide Tyson hacen un símil entre ellos mismos y Jesucristo. Recordemos que ambos artistas han hecho alusiones tanto a la iglesia como a Dios en los anteriores temas y es por eso, que en este representan su persona como el propio hijo De Dios, crucificado en la cruz por amor al Padre que ama a la humanidad. En este caso, los artistas se crucifican de manera literaria por amor a todos sus iguales, haciendo referencia a que ellos se están sacrificando por darles voz y el reconocimiento que se merecen, ‘‘Me siento el Cristo de mi medallón’’.

Al igual que en el track número tres, esta, la canción número trece, es un interludio, llamado "Interludio 2 Amén". Mientras que Sokez en el primer verso narra cómo creció y se educó, además de exponer sus valores, alude a las normas que sigue para mantener su posición en Miraflores. Por su parte, Hide Tyson en el estribillo expone rotundamente lo que veníamos mencionando con anterioridad, que todo el conjunto de los temas, es un enaltecimiento a la clase obrera ‘‘Es la alabanza de los barrios y por eso gritan amén’’.

En cuanto al antepenúltimo track, "Conciencia Alterada", y los artistas descifran completamente todo el álbum con la introducción del tema, ‘‘Esto es una vida entera, compadre. Dedica’o pa’ to’ la gente que tiene luz dentro. Brillando desde bien chiquito. Proyecto Hambre, Jura’o por los niños, Dolores y Mazmorras es familia, perros’’. Sobre el primer verso, en el, Sokez vuelve a aludir a la iglesia haciendo una comparación con la figura del diablo, ‘‘ No me obliguen, no quiero volverme malo. Si el diablo quiere hacerte daño, pone el pecado en tu mano ’’. El pecado o el delito, como fenómeno sociocultural, es siempre causa y consecuencia de las ‘fracturas sociales’ que existe en toda comunidad, derivada de su fracaso o éxito a la hora de crear o destruir una identidad común durante el proceso de socialización. Si bien cabe remarcar que las sanciones penales y de reinserción suelen aplicarse a actos entendidos por individuos, Sokez trata de enfocarse más en los orígenes e impactos colectivos de este fenómeno, relacionándolo con como percibe su situación, haciendo este discurso desde lo más personal. Esto se ve reflejado sobre todo en el final del segundo verso, ‘‘El suelo que habitamos siempre ha sido un cementerio yo hago tiempo hasta que muera, mientras vivo en duelo. Silencio, estoy hablando conmigo, necesito concentrarme en mi corona de espino. Dolores y Mazmorras, solo queda un camino’’.

Para ponerle el broche final al proyecto llega "El Mensaje" y como su propio nombre indica, lo tres artistas se despiden y cierran por completo el álbum. Para ello, Trozos DE Groove samplea la canción "Con Ella Me Muero" del reconocido cantante español de flamenco-pop Tijeritas, que también sea originario de Málaga, no es casualidad. En este mensaje, a parte de ser una despedida que clausura el proyecto, cumple la función de ser un mensaje para la prosperidad. Trata de ser un grito de esperanza para aquellos que la hayan podido perder. Por lo que respecta al verso final, está dedicado a toda su gente de confianza y a toda la gente común de los barrios obreros. Barrios, que como Miraflores, el propio barrio de los artistas, se ve sacudido por situaciones de injusticia, es por eso que tanta gente se ha podido sentirse parte del proyecto solo dándole al botón de ‘play’.

Tras examinar los códigos en los que se detienen los tres artistas y aproximarnos a ellos, podemos comprender mejor lo que los han intentado transmitirnos a lo largo de las quince pistas. Al mismo tiempo, es de vital importancia reivindicar la importancia de Trozos DE Groove, máximo responsable de las producciones musicales. Cada track suena completamente distinto, pero no por eso el oyente pierde la perspectiva de la personalidad del proyecto y en este sentido, recurre a sonidos innovadores y poco explorados anteriormente. No cabe duda, que es un proyecto muy sólido y estudiado, no hay barras puestas al azar ni ninguna puntada sin rematar. Sumándole a todo ello el mensaje alentador que pretenden mandar a la sociedad más fustigada; se puede. Se puede salir adelante y traer el progreso y la vida de estrella de manera honrada al barrio. No se debe de entender la finalidad del trabajo de los artistas como un enaltecimiento a la vida de la calle, sino más bien, como un manifiesto mediante el que reivindican el valor e importancia de las personas que por pura necesidad, se aferran a este estilo de vida y el papel que juegan en la sociedad actual.

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