GRINDIN' #56 GENÍS PENA

💥 GRINDIN’ #56 ft. Genís Pena

En el GRINDIN' #55, Jon García se sienta a charlar con Genís Pena sobre las Gallery Sessions y su trabajo en Primavera Sound, la sesión de Morad y adidas...

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Análisis: Bad Gyal “La Joia”

No vine a iluminaros, vine a deslumbraros

Texto: Kozma

Un agarre con forma de diamante clásico cubre la carátula de la edición especial de "La Joia", el nuevo disco de Bad Gyal. Este disco se promocionó como un “debut” rompedor para la carrera de Bad Gyal, y esta etiqueta puede sorprender sabiendo que ya cuenta con 3 trabajos publicados, que ya han dejado clara su condición de EPs. La Joia es su primer LP oficial, un proyecto que celebra su carrera y le consolida ante un público mayoritario. Bad Gyal está shining bright like a diamond, que diría Rihanna.

 

Son quince temas los que componen este nuevo disco que por fin pasa de los treinta minutos para llegar a los cuarenta, lo que a mi gusto supone una duración perfecta para un disco de estas condiciones. Y es que La Joia es un proyecto monótono, y ojo, esto no tiene por qué ser algo negativo per se. Todos aquellos medios y fans que se ocuparon de anunciar este proyecto como un antes y un después en la escena musical actual se colaron tres pueblos. La intención de Bad Gyal no es renovar su sonido. Debíamos saber por dónde iban los tiros cuando al anunciarse la tracklist vimos que ya conocíamos siete de los quince temas que la conformaban.

Este nuevo disco por ende no viene a sorprender a los fans que llevan años siguiéndola, sino que viene a presentarla ante un público aún más generalista si cabe. Y es que si mi padre conoce a Quevedo pero no a Bad Gyal, aquí hay algo que no se ha estado haciendo bien. La campaña tan agresiva de promo que hemos visto en los últimos días da fe de la intención de abrir estas últimas fronteras. Porque ir de invitada a El Hormiguero es sentar un precedente.

En esta entrevista, la Bad Gyal que pudimos ver; tan correcta, sonriente y profesional dista mucho de aquella que se sentó en un sofá a charlar con Ernesto Castro sobre los porros como extensión física del interés de la artista por la cultura jamaicana hace cinco años. El camino que ha habido desde el principio de su carrera hasta aquí le ha llevado a un profesionalización que desemboca en una mayor ambición, y por ende, nos ha dado su proyecto más internacional hasta la fecha.

 

Parece que colaborar con un artista que esté al otro lado del charco muchas veces es la consolidación absoluta para un artista español. Bad Gyal últimamente le ha cogido el gusto a Latinoamérica, viniendo de su colaboración con Nicki Nicole, ahora en el disco cuenta con la presencia de Myke Towers, Young Miko, Tokischa, Anitta y Ñengo Flow, a los que se suman los españoles Quevedo y Morad además del jamaicano Tommy Lee Sparta. Todas estas colaboraciones refuerzan la idea de que este es un disco de melodías y de baile, no de lírica. Por eso acaba sonando monótono en su mayor parte, no hay nada que no conozcamos ya, y acabar delegando más en el reggaeton que en el dancehall, motivo por el cual se le ha criticado mucho en los últimos años.

Aun así hay pequeñas perlitas que marcan una diferencia. Tanto la 'Intro' como el 'Skit' logran vertebrar el proyecto. La primera con una entrada ambiental cargada de aura y la segunda con una transición entre el tema de Ñengo Flow y 'Chulo Pt. 2' que prácticamente le deja el trabajo hecho a todos los DJs del mundo. Destacan para mí especialmente las canciones con ritmos africanos. El amapiano de 'Give Me' supone una cálida bienvenida después de tener que aguantara Myke Towers en 'Mi Lova', que está en uno de sus peores momentos. Más tarde Tommy Lee Sparta trae un toque jamaicano más cercano al dancehall en 'La que No se Mueva' y como último detalle a destacar tenemos 'Sexy', que pese a llevar entre nosotros desde verano de 2022 ha conseguido formar parte de la tracklist. Me parece interesante y fresco tener un ejercicio de Diva House (un subgénero de la música Disco) en la recta final del disco. Esta canción coincidió en el tiempo con el último disco de Beyoncé, que llevaba por bandera este estilo de música de baile cogiendo inspiración a su vez de clásicos del género como 'Show Me Love' de Robin S.

 

En varias de las últimas entrevistas que ha concedido de cara a promocionar este disco Bad Gyal ha dejado claro que ahora mismo no tiene ni pareja ni interés romántico en nadie. Por eso tal vez no encontramos esas letras más inspiradas que antaño nos ha podido ofrecer. Lo que sí encontramos es una consolidación de todo lo que ha significado durante estos siete años de carrera. Bad Gyal desprende desde siempre una independencia que supone una inspiración para cualquiera que le escuche, por eso siento que no le hace falta meter tanta colaboración de fuera en este disco. Viendo las uñas que suele llevar, siempre le han preguntado si necesita ayuda para hacer según qué cosas, pero si se permite llevar uñas tan largas es porque no le hace falta hacer trabajos manuales que le resultarían más complicados con sus acrílicas. Se ha ganado esa comodidad a base de trabajar; es algo casi simbólico.

Mientras escribía esta crítica ha sido imposible no acordarme del tema principal de la la película de James Bond "Diamonds are Forever", que tiene el mismo nombre y está interpretada por Shirley Bassey. La letra viene a decir algo así como “Los diamantes son para siempre, son todo lo que necesito para estar satisfecha […] no se irán en la noche, no me da miedo que puedan abandonarme…”. Para mí es inevitable relacionarlo, y es que "La Joia" representa eso, es un diamante pulido y reluciente, que a su vez personifica Bad Gyal, y a la artista nunca le ha hecho falta nada más que ella misma para brillar.


GRINDIN' #55 POCHI

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GRINDIN' #54 NOVATO

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En el GRINDIN' #54, Jon García se sienta a charlar con Novato sobre descubrir sonidos, traer el Auto-Tune, la importancia del Dancehall y Bad Gyal...

 


GRINDIN' #44 VATOCHOLO

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En el GRINDIN' #44, Jon García se sienta a charlar con Vatocholo sobre los corridos tumbados, los beefs como promoción...

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Reportaje: Paralelismos entre las expresiones artísticas de Jackson Pollock y Cecilio G

Reportaje de Sara Doce para GRINDIN’

Aunque Jackson Pollock y Cecilio G son artistas de diferentes épocas y expresaron su arte por medio de diferentes vías, puesto que el primero fue un artista expresionista abstracto y el segundo un artista musical reconocido por su música caótica, hay bastantes paralelismos más de los que se pueden presuponer a simple vista, aunque cada uno en su propio contexto.

Innovación en su arte

Tanto Pollock como Cecilio G son conocidos por su innovación en su respectivo campo artístico. Pollock revolucionó la pintura moderna con su técnica de «dripping» (goteo), que consistía en salpicar pintura sobre la tela en lugar de aplicarla con pinceladas convencionales.

Pollock utilizaba grandes lienzos colocados en el suelo y se movía alrededor de ellos, dejando caer y lanzando la pintura de forma aleatoria y controlada sobre la superficie. A menudo, también utilizaba otros objetos, como palos o espátulas, para manipular y extender la pintura.

El resultado de la técnica de «dripping» es una obra que parece caótica e improvisada, pero que también tiene un sentido de unidad y equilibrio. Los críticos de arte han interpretado las obras de Pollock como una expresión de la energía y el movimiento de la vida moderna, así como de la subjetividad del artista y su proceso creativo. Esta técnica se ha convertido en una de las marcas distintivas del arte de Jackson Pollock y ha influido en muchos artistas posteriores.

Cecilio G, por su parte, ha sido aclamado por su innovación en el rap español, fusionando géneros y experimentando con diferentes estilos. Dio sus primeros pasos en el mundo del graffiti y del freestyle con 14 años, con el apodo de Punky Negro.

En sus letras, Cecilio G ha explorado temas como la ansiedad, la depresión, la soledad y la muerte, así como su propia vida y experiencias personales. Lo que en consecuencia le dio un gran impulso a esa faceta de artista innovador, sin establecer límites entre géneros y dejando de lado la actitud de flexeo que imperaba en los artistas de la época.

Libertad creativa

Ambos artistas se han caracterizado por tener una gran libertad creativa en su trabajo. Comenzando por Pollock, fue uno de los pioneros del expresionismo abstracto, que permitía a los artistas expresar sus emociones y sentimientos de manera libre y sin restricciones. Para el arte moderno, los procesos artísticos deben incluir técnica y espectáculo tecnológico.

Los artistas contemporáneos demuestran su arte en su apariencia, entonces no podrán confiar en la destreza manual de quien los hace. El concepto de la calidad queda relegado a nuevas posibilidades en la práctica artística. La obra no pretende definirse por cualidades estéticas. Por ejemplo, en lo que a objetos se refiere, los urinarios de Duchamp, no serían mejor arte incluyendo uno de mejor calidad.

El trabajo impecable ya no es determinante en esta nueva fase del arte, pero la creación artística no desaparece, hasta cierto punto todo es un proceso creativo y siempre es necesario, solo que ya no responde específicamente a habilidades técnicas, que tal vez ni siquiera incluyen preparación como los "Redy-made" del anteriormente mencionado Duchamp.

Jackson Pollock fue uno de los grandes precursores de las vanguardias artísticas de la segunda mitad del siglo 20, con sus cuadros reivindicando el arte en la acción y en la propia figura del artista. Esto fue una actitud muy innovadora y queda en manifiesto que se liberó de todos los moldes pre-establecidos.

Con respecto a Cecilio G, también ha sido reconocido por su estilo libre y personal, que a menudo se aparta de las convenciones del rap español. Fue miembro fundador de la banda PXXR GVNG y uno de los precursores de la escena trap española entre los años 2012 y 2013. Sin embargo, dejó el grupo poco después debido a una pelea y diferencias personales, aunque el nombre fue pensado por Cecilio G y se mantuvo.

Posteriormente, «Yonosoytupadre», un proyecto de cinco canciones que el propio artista bautizó como «suicidio comercial» porque no contenía rap, fue lanzado en julio de 2018. Según Gonzalo Herrera, de la revista digital Vice, fue el mejor disco punk de ese año, con guitarra, bajo y batería, no punk en un sentido metafórico de «el trap es el nuevo punk». En una época en la que todo el mundo va hacia lo urbano, lo latino, los samplers y demás, que un artista que estaba en la cresta de la ola se diera la vuelta para recuperar los instrumentos musicales supuso una jugada muy rupturista.

Uno de los que más ha analizado su figura, en su libro «El trap. Filosofía millennial para la crisis en España», es el filósofo Ernesto Castro. Consideró a Cecilio G inclasificable y desclasificado, el artista más singular e irrepetible de la escena urbana. Conclusión en la línea del crítico de arte Clement Greenberg, uno de los primeros en reconocer la importancia de la obra de Pollock y en promoverla en el ámbito artístico. Greenberg escribió extensamente sobre el trabajo de Pollock y lo presentó en exposiciones importantes en la década de 1950.

Impacto cultural

Por otra parte, Pollock y Cecilio G han tenido un impacto cultural significativo en sus respectivas disciplinas. Pollock es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX, y su obra ha sido objeto de numerosas exposiciones y estudios. Cecilio G ha sido uno de los artistas más destacados de la escena del rap español en los últimos años, y su música ha sido reconocida por su originalidad y calidad.

El impacto cultural de Jackson Pollock es incuestionable, ya que su obra ha influenciado significativamente la historia del arte y la cultura popular en todo el mundo. En primer lugar, Pollock es considerado uno de los principales exponentes del movimiento abstracto expresionista americano, que transformó la forma en que se concebía y se producía el arte en la posguerra.

El legado de Pollock también se extiende a la cultura popular, donde su estilo ha sido adoptado y parodiado en múltiples ocasiones. Por ejemplo, su técnica de salpicaduras se ha utilizado en la producción de portadas de discos, carteles de películas, ropa, y otros elementos del diseño gráfico y de moda.

Se puede sacar en claro que el impacto cultural de Jackson Pollock es profundo y duradero, ya que su obra ha influido en la forma en que pensamos sobre el arte, la creatividad y la experiencia humana en general.

Reparando en el impacto cultural de Cecilio G, cabe mencionar que la crisis económica de 2008 y la precariedad laboral que la siguió tuvieron un impacto directo en la juventud española, afectando sobre todo a jóvenes de clases humildes y a otros grupos sociales. La alta tasa de paro juvenil y la proliferación de contratos temporales son algunas de las consecuencias visibles de la crisis.

Sin embargo, a nivel cultural, la crisis y los recortes sociales dejaron una huella más profunda en los adolescentes españoles al exponer la falta de perspectivas sociales para su futuro. Los jóvenes socialmente excluidos, como los «canis» y las «chonis», fueron el germen del trap en España.

Partiendo de ese contexto, es indiscutible ver cómo una figura representativa del lado marginado de la sociedad, como es el propio Cecilio, consigue triunfar cantando sus penas e influye directamente en la percepción de los jóvenes sobre el éxito y la conciencia de clases. Además, sus canciones y su actitud ante la vida, han influido en la forma en que los jóvenes se expresan y entienden la música.

Tragedias personales

Los dos artífices han sufrido tragedias personales que han tenido un gran impacto en su carrera. Una de las principales tragedias en la vida de Pollock fue la relación conflictiva que mantuvo con su padre, quien era alcohólico y abusivo. Esta relación tumultuosa tuvo un impacto profundo en la personalidad de Pollock y en su forma de interactuar con el mundo. Según algunos expertos, el goteo de pintura que caracteriza su obra puede ser interpretado como un intento de escapar de la figura paterna y de encontrar libertad en el proceso creativo.

Otra tragedia personal en la vida de Pollock fue su lucha contra el alcoholismo.

A lo largo de su vida, Pollock tuvo problemas de adicción al alcohol que afectaron negativamente su salud física y mental. Su alcoholismo también tuvo un impacto en su carrera artística, ya que su obra sufrió altibajos y momentos de estancamiento cuando se encontraba en períodos de abstinencia o en rehabilitación.

Además, la muerte de su padre en 1933 y el suicidio de su hermano mayor en 1938 también tuvieron un impacto significativo en la vida de Pollock y en su obra. Se cree que estos eventos lo llevaron a buscar nuevas formas de expresión en la pintura.

En cuanto al «poeta maldito del trap», en su trayectoria de vida el artista sufrió graves problemas de salud mental, su paso por la cárcel y la muerte de su padre cuando era niño. En 2018, ingresó en la prisión de Puig de les Basses por un delito de amenazas ocurrido en el metro de Barcelona en 2015 y un robo con fuerza en 2013. A pesar de estar en prisión, continuó su carrera musical y lanzó una nueva canción titulada «Hahahah». Salió de prisión en noviembre de ese mismo año y este acontecimiento marcó un punto de inflexión en su vida. En 2019, regresó a la música con fuerza lanzando tres mixtapes, siendo la más popular "Milion Dollar Baby".

En otras palabras, aunque Pollock y Cecilio G son artistas de diferentes épocas y medios, comparten ciertos paralelismos en su carrera artística, incluyendo su innovación en su respectivo campo artístico, la libertad creativa que los caracteriza, el impacto cultural en la sociedad cultural de cada quien y la lucha contra las tragedias personales.


Análisis: Dolores y Mazmorras - Proyecto Hambre

Del barrio a todas las plataformas digitales: un paseo por los códigos de Proyecto Hambre

Análisis de Sara Doce para GRINDIN'

Fotografía de @_okaro_

Dolores y Mazmorras es un colectivo musical emergente conformado por Sokez, Hide Tyson y Trozos DE Groove. Donde a través de sus letras narran situaciones de su barrio malagueño, Miraflores, mediante las cuales mucha gente se ha podido sentir retratada debido a su crudeza.

El 4 de octubre de 2022 liberaron su álbum debut "Proyecto Hambre", en el que los artistas reflexionan sobre temas muy diversos, que van desde el amor hacia la familia y el barrio, hasta cuestiones políticas y reivindicativas. Para ello, salen de los márgenes del rap estricto, fusionándolo con sonidos techno y 808s agresivos que hacen de este un sonido novedoso y adictivo.

Respecto a la trayectoria de estos artistas, cabe recalcar que sus inicios en el mundo del rap se remontan hace más de una década atrás, tanto en el canal oficial «Dolores y Mazmorras», como en el de Hide Tyson, «Jurao por los niños» . Comenzando por Sokez, en 2008 se sitúa por primera vez en el panorama under malagueño con una colaboración en: "Sucias ratas-Ciudad cloaka", y a partir de 2011 junto al colectivo Madnessound, del que también formaban parte artistas renombrados como Foyone, empieza a perfilarse su estilo y esencia. Tras esto, Sokez publica a lo largo de los años gran cantidad de material audiovisual, incluyendo numerosas mixtapes y colaboraciones. Siguiendo con Hide Tyson, también cuenta con una prolifera carrera musical, iniciada a principios de 2013 y asimismo difundida de la mano del colectivo Madnessound. Echando la vista atrás en su canal, cuenta con piezas como "Salem", su primera maqueta que data del año 2015. El último de ellos, Trozos DE Groove, al contrario que los otros dos anteriormente mencionados, surge del colectivo 10Problemas y debuta con el LP "Subliminal" a mediados del año 2011. De hecho, los tres artistas han unido sus fuerzas en numerosas ocasiones antes del lanzamiento de "Proyecto Hambre", ya sea en formato de singles o en formato de mixtape, como es el caso de "Dragones y Parroquias de barrio".

Retomando el tema que nos concierna, el álbum cuenta con 15 temas y los tres artistas participan simultáneamente en todos ellos, Sokez y Hide Tyson encargados de darles letra y Trozos DE Groove responsable de la producción. El LP queda inaugurado por un corte homónimo a este: "Proyecto Hambre" y en el se presenta lo que va a ser el hilo conductor de todo el proyecto, representar un sentimiento de pertenencia a un grupo en donde toda la gente comprende y respeta los mismos códigos. Comienza con un skit donde nos dejan muy claro que todo el trabajo y el esfuerzo invertidos en el álbum será correspondido si las personas que se sienten identificadas con él lo valoran y seguidamente, en el primer verso de la canción, Hide Tyson reflexiona sobre la condena que es nacer en un barrio de extrarradio con pocos recursos y hace una critica muy directa a la sociedad que impera a día de hoy, remarcando la diferencia de clases y el inmovilismo que sufren los desfavorecidos a la hora de intentar ascender en la pirámide social. ‘‘La policía baja pa’ hacer la ronda, porque a los ricos la mugres les estorba y semos basura, desde que nací hasta que me muera. Me muera, o eso me han enseñado en la escuela, hoy tengo ganas de matar a cualquiera. Este sistema es una mierda, primo, así explotasen to’s’’.

Por otro lado, en el segundo verso, Sokez detiene su atención en un problema cada vez más y más relevante en los barrios obreros, las casas de apuestas que inundan estos barrios. Se debe a que la mayor proliferación de este tipo de locales se da en los barrios con una renta más baja, ya que, los jóvenes de clase obrera, en paro y sin un futuro claro en mente, buscan su salida en el dinero inmediato que dan las casas de apuestas. Estas personas tienen más probabilidades de caer en el juego compulsivo, el abuso del alcohol y otras sustancias, aunque todas estas adicciones a menudo van de la mano. Los problemas económicos y el impacto de la crisis en nuestras comunidades y la devastación causada por el desempleo, la inestabilidad y los recortes son el verdadero combustible para el juego, ‘‘El ser humano está llorándole a una máquina. Pidiéndole de vuelta su chatarra, se le caen las lágrimas en la barra al lado de la tragaperras. Parece mentiras que sean tus ultimas monedas, perro’’.

En la segunda pista, "Un Día Más", se narran las vivencias del día a día en el barrio, en el que hay traición que llega de parte de mano amiga, ‘‘Son enemigos, primo, no son aliados (Fuck). Escupen al suelo después de darte la mano’’, la falta de recursos económicos que les impulsa a tomar caminos equivocados por pura necesidad, ‘‘Sin un duro en la cartera , algo que hay que hacer, ma’ y con un duro en la cartera hay que hacer más ¿Quién no quiere dinero pa’ gastarlo en la ciudad?’’, y sobre todo, de los deseos y las aspiraciones que persiguen estos individuos, ‘‘Queríamos nuestro nombre en los fanzines y no en la tele’’. Todas ellas, son situaciones muy comunes que viven gran parte de los jóvenes de los barrios menos pudientes, siendo este un cántico para alentar a todos ellos, ‘‘E wa, un día más, e wa, un día menos’’, un día más que han conseguido sobrevivir, salir adelante, es un día menos que tienen que hacerlo.

El tercer track se trata de un interludio, "Interludio 1 Aleluya", por medio de un ritmo agresivo y furioso, Sokez vuelve a remarcar la finalidad de todo el trabajo, visibilizar y exponer la vida de los barrios periféricos, asimismo hacer una critica tanto social como moral por la injusta situación en la que se ven condenados a vivir, empleando para ello sus temas como altavoz, ‘‘Yo te lo enseño, quiero que lo veas que aquí abajo la cosa está muy fea’’. En todo momento dejan claro que su finalidad no es salir del barrio, sino traer las riquezas y los recursos a el, para hacer prospero su desarrollo, ‘‘Ahora entra al bloque como al Vaticano y gritan aleluya, aleluya, aleluya. Porque si cae la patrulla no tienen denuncias’’.

"El Arte de No Morir de Hambre" ocupa el cuarto puesto del tracklist, en este tema se trata la desesperación que sufren y las pocas salidas estables que encuentran, por lo que se aferran a actos que pueden acarrearles consecuencias perjudiciales o daños emocionales, pero ¿cuándo no queda otra salida, que es lo que se supone que se debe hacer?, ‘‘Mama, si tengo que hacerlo, yo lo voy a hacer. A estas alturas no hay mucho más que perder’’. También hacen una critica a la iglesia mencionando todo el poder y las riquezas de las que disponen bajo su jurisdicción, habiéndolas conseguido en base a la meritocracia y sin esfuerzo ninguno, ‘‘Pedí un milagro en el bloque y cayó un milagro en el bloque. Aunque los curas no entiendan de buscarse el lingote (Aleluya)’’. A su vez, considera que la gente que le rodea debe ser venerada por todo lo que han tenido que pasar para llegar a donde se encuentran, ‘‘Que el Vaticano canonice a to’s mis buscavidas. Que es un milagro que a estas alturas aún sigamos con vida’’. Además de todo lo anteriormente mencionado, Hide Tyson deja claro que él sigue siendo realista en cuanto a la posición que ocupa en la escena y en Miraflores, ‘‘Y yo no me creo una estrella, yonkis fumando en botellas. Toda esa mierda me mantiene los pies en el suelo’’.

El quinto corte del álbum, "Lo Que No Quieres Pa Ti", tiene como colaboradora vocal a Saray Vargas, una cantante de flamenco malagueña que juega un papel crucial en este corte, dado que le da gran musicalidad en los coros y el estribillo. En cuanto a los versos, primeramente Sokez abordar la injusticia social que sufren los niños, especialmente los pertenecientes a las clases sociales desfavorecidas. Puesto que actualmente el tejido social, cada vez más incondicional con la administración y más subvencionado por su parte, hace que en la sociedad estén más preocupados por la inseguridad ciudadana que por las causas que la provocan, lo que hace que imploren más medidas policiales que las sociales y esto como consecuencia acarrea un aislamiento en los barrios, que se termina reflejando en conductas delictivas que los niños toman como naturales, ‘‘Niños educa’os en el delito desde que son chiquititos’’. Hide por su parte refuerza la misma idea en el puente y en su verso, ‘‘Proyecto Hambre, Miraflores, Málaga, to’ los barrios. Hay que seguir apostando, compadre’’. Un ejemplo de lo antedicho son las comunidades azotadas por el flagelo del desempleo que dependen en algunos casos de la venta de drogas como economía sumergida en un intento de ‘Buscarse la vida’, lo que usualmente genera más problemas personales y sociales que ventajas. De todos modos, no olvidemos que el problema de la droga es el narcotráfico, no el que consume, ni el que vende en estos barrios, ellos son las víctimas de este entramado criminal y mercantilista, es por eso que hay que seguir apostando por el desarrollo de estas comunidades para que puedan optar a otras salidas que no sean las delictivas.

La sexta pista, "El Fin de la Ruina", fue liberada antes del lanzamiento integro del álbum, el 25 de agosto de 2022. En el estribillo de esta canción se hace un ingenioso uso de la expresión ‘Mano inocente’, ‘‘Aquí no busques manos inocentes porque no las hay. Nos conocemos y por eso desconfiamos, baby, don’t cry’’, ya que cuando hablamos de mano inocente en castellano, nos referimos a la persona que se encarga, por ejemplo, en una rifa de extraer la papeleta ganadora al azar y se supone que siempre se encarga de ello una persona imparcial. Por lo cual, cuando los artistas sugieren que en su barrio no hay manos inocentes es por que todos son conscientes de lo que les rodea y saben buscar la manera de valerse de la situación para poder hacer trampas, si estas fueran necesarias.

Siguiendo, en el puesto numero siete se encuentra "Apretar los dientes", que como en la pista anterior, también se vale del refranero español para el estribillo, modificando el dicho popular: ‘Pretender tapar el sol con un dedo’, que vendría a significar el intento inútil de ocultar algo que es demasiado notorio. Por eso cuando mencionan ‘‘No me puedes tapar con un de’o’’, están haciendo alusión a que ha llegado su momento, su voz cada vez resuena mas en el panorama musical under urbano y su presencia en él ya es innegable e indiscutible, por lo que al igual que al sol, no les pueden tapar con un dedo. Indistintamente, siguen tratando los tópicos anteriormente mencionados.

En "Canción Distinta", el track que prosigue, a parte de romper con el esquema musical de los temas anteriores, trae al panorama un sonio novedoso y refrescante, todo gracias a la producción de Trozos DE Groove, quien ocupa un papel fundamental en todo el álbum al encargarse de ella en todos los temas. En esta canción en concreto, se trata el contenido sobre el flexeo y los artistas se cuelgan sus medallas, no obstante, en todo momento hablan con brutal sinceridad y al igual que hablan de todo el trabajo invertido tanto por su parte, como por la de la gente de su entorno más cercano, no niegan que a veces es inevitable coger el camino rápido de los robos y hurtos, ‘‘Estoy robando abrigos caros pa ‘ vestir a mi mujer Sin un plan para mañana igual que estábamos ayer’’.

En la novena posición de tracklist se encuentra "Niños Desheredados", en este corte se vuelve a remarcar el hilo conductor de todo el proyecto y lo que hemos ido viendo en el resto de los temas, hablan de lealtad y de su barrio, del amor que se profesan, ‘‘Lo hago por mi equipo, lo hago por mi sangre. Bitch I stay humble, por mi mujer y mi hambre’’, igualmente, remarcan la cara oscura de la vida que les ha tocado vivir, ‘‘ Mi vida, yo aún no sé lo que es mi vida. Solo sé que hago más guita porque se termina ’’ y a su vez, cierran el tema con una frase en la que hacen alusión a los niños de los barrios con menos recursos, ‘‘Niños adultos, Can Tunis que Dios los bendiga’’, esto es debido a que es directamente proporcional la infancia de un niño con su conocimiento de la realidad y madurez, por lo que los niños de estos barrios, expuestos desde su infancia a situaciones poco aptas para su edad, por pura supervivencia, tienen que crecer a pasos agigantados.

"Deseo" es el décimo tema del álbum y mediante las barras de esta pista, el MC malagueño Sokez reflexiona sobre el amor llevando el concepto a su terreno, ‘‘Ahora pídeme un deseo, voy a cumplirte lo que quieras, (Lo que quieras). Yo me conformo con un plato de comí’a. Quiero decirte bajito que siempre te voy ‘echar ‘e menos’’. Así pues, alega que viniendo de donde él viene, no busca grandes lujos más allá de cosas tan banales como las que pueden parecer contemplar un atardecer o tener comida para el día siguiente. Conceptos que aparentemente parecen comunes y básicos, pero de los que mucha gente no dispone, ya sea por pasarse gran parte del tiempo trabajando sin descanso, o precisamente, por la falta de este, ‘‘Con que poco me conformo, un atardecer en verano’’.

En cuanto al tema número once, este es "En el Callejón", y echando la vista atrás, no es de extrañar que empleen este track para numerar a ciertos personajes icónicos de los barrios bajos. Por ejemplo, en el primer verso, Hide Tyson menciona al Vaquilla, ‘‘Del ghetto a la gran pantalla, como el Charte o el Vaquilla’’, que es un conocido delincuente español el cual saltó a la fama nacional tras grabar una trilogía de películas sobre su vida. Esto fue debido a un movimiento denominado ‘Cine Quinqui’, así se le conoce popularmente al género cinematográfico que relata las vivencias y las aventuras de delincuentes de estrato social muy bajo, siempre jóvenes o muy jóvenes. Este interesante guiño remarca la finalidad de retratar las vivencias de los artistas y su gente, así como de denunciar las situaciones de injusticia que aun a día de hoy siguen sufriendo los más desfavorecidos. Esto es una idea que se mantiene firmemente a lo largo del resto de la canción, ‘‘I’m a criminal, mama, ya apenas escucho. Estoy transcribiendo la historia del mundo’’.

En cuanto a "De Mi Medallón", Sokez y Hide Tyson hacen un símil entre ellos mismos y Jesucristo. Recordemos que ambos artistas han hecho alusiones tanto a la iglesia como a Dios en los anteriores temas y es por eso, que en este representan su persona como el propio hijo De Dios, crucificado en la cruz por amor al Padre que ama a la humanidad. En este caso, los artistas se crucifican de manera literaria por amor a todos sus iguales, haciendo referencia a que ellos se están sacrificando por darles voz y el reconocimiento que se merecen, ‘‘Me siento el Cristo de mi medallón’’.

Al igual que en el track número tres, esta, la canción número trece, es un interludio, llamado "Interludio 2 Amén". Mientras que Sokez en el primer verso narra cómo creció y se educó, además de exponer sus valores, alude a las normas que sigue para mantener su posición en Miraflores. Por su parte, Hide Tyson en el estribillo expone rotundamente lo que veníamos mencionando con anterioridad, que todo el conjunto de los temas, es un enaltecimiento a la clase obrera ‘‘Es la alabanza de los barrios y por eso gritan amén’’.

En cuanto al antepenúltimo track, "Conciencia Alterada", y los artistas descifran completamente todo el álbum con la introducción del tema, ‘‘Esto es una vida entera, compadre. Dedica’o pa’ to’ la gente que tiene luz dentro. Brillando desde bien chiquito. Proyecto Hambre, Jura’o por los niños, Dolores y Mazmorras es familia, perros’’. Sobre el primer verso, en el, Sokez vuelve a aludir a la iglesia haciendo una comparación con la figura del diablo, ‘‘ No me obliguen, no quiero volverme malo. Si el diablo quiere hacerte daño, pone el pecado en tu mano ’’. El pecado o el delito, como fenómeno sociocultural, es siempre causa y consecuencia de las ‘fracturas sociales’ que existe en toda comunidad, derivada de su fracaso o éxito a la hora de crear o destruir una identidad común durante el proceso de socialización. Si bien cabe remarcar que las sanciones penales y de reinserción suelen aplicarse a actos entendidos por individuos, Sokez trata de enfocarse más en los orígenes e impactos colectivos de este fenómeno, relacionándolo con como percibe su situación, haciendo este discurso desde lo más personal. Esto se ve reflejado sobre todo en el final del segundo verso, ‘‘El suelo que habitamos siempre ha sido un cementerio yo hago tiempo hasta que muera, mientras vivo en duelo. Silencio, estoy hablando conmigo, necesito concentrarme en mi corona de espino. Dolores y Mazmorras, solo queda un camino’’.

Para ponerle el broche final al proyecto llega "El Mensaje" y como su propio nombre indica, lo tres artistas se despiden y cierran por completo el álbum. Para ello, Trozos DE Groove samplea la canción "Con Ella Me Muero" del reconocido cantante español de flamenco-pop Tijeritas, que también sea originario de Málaga, no es casualidad. En este mensaje, a parte de ser una despedida que clausura el proyecto, cumple la función de ser un mensaje para la prosperidad. Trata de ser un grito de esperanza para aquellos que la hayan podido perder. Por lo que respecta al verso final, está dedicado a toda su gente de confianza y a toda la gente común de los barrios obreros. Barrios, que como Miraflores, el propio barrio de los artistas, se ve sacudido por situaciones de injusticia, es por eso que tanta gente se ha podido sentirse parte del proyecto solo dándole al botón de ‘play’.

Tras examinar los códigos en los que se detienen los tres artistas y aproximarnos a ellos, podemos comprender mejor lo que los han intentado transmitirnos a lo largo de las quince pistas. Al mismo tiempo, es de vital importancia reivindicar la importancia de Trozos DE Groove, máximo responsable de las producciones musicales. Cada track suena completamente distinto, pero no por eso el oyente pierde la perspectiva de la personalidad del proyecto y en este sentido, recurre a sonidos innovadores y poco explorados anteriormente. No cabe duda, que es un proyecto muy sólido y estudiado, no hay barras puestas al azar ni ninguna puntada sin rematar. Sumándole a todo ello el mensaje alentador que pretenden mandar a la sociedad más fustigada; se puede. Se puede salir adelante y traer el progreso y la vida de estrella de manera honrada al barrio. No se debe de entender la finalidad del trabajo de los artistas como un enaltecimiento a la vida de la calle, sino más bien, como un manifiesto mediante el que reivindican el valor e importancia de las personas que por pura necesidad, se aferran a este estilo de vida y el papel que juegan en la sociedad actual.

https://open.spotify.com/album/1iB96NgOqVdTOhKsA1oAzq?si=EvzZ58fSSs-ZYs5_32dvUw


GRINDIN' #13 ft. PEDRO LADROGA

💥 GRINDIN’ #13 ft. Pedro Ladroga

En el GRINDIN' #13, Jon García se sienta a charlar con Pedro Ladroga sobre sus anécdotas en aeropuertos, la influencia en Rosalía y C. Tangana...

https://youtu.be/oFDPjZh8X4s

https://www.youtube.com/watch?v=RS-xZMfFYD4

https://open.spotify.com/episode/77kpQN5a11AP7kjXS6R60W?si=_qeSP6HWS5KJ5--CAmXlow


LA OFICINA 5 - Jon

💼 Para el quinto episodio de LA OFICINA, soy yo el entrevistado. Es mi forma de celebrar los 30.000 suscriptores en YouTube, y de que podáis conocerme un poco mejor.

🎚️ Soy autor del libro "Historia del Trap", y tras trabajar durante 7 años en diferentes medios y revistas, empecé mi propio proyecto GRINDIN', os cuento un poco cómo fue ese proceso, en esta entrevista hecha por Yenifer Benavides

📽️ Grabación y edición por: Ander Cerrato

https://youtu.be/Fltk8fmr64A


GRINDIN' 17

💥 GRINDIN’ Radio #17: «GRINDIN' canceladísimo»

👨‍👦 Participan: Víctor de Music Radar Clan, Imperio Nita, Lian Faz, Sr. Chen y Yassir

💽 Con dos estreno en exclusiva de ‘Sin Jugo’, por D.L. Blando, Wax Dee y Royce Rolo + 'Tiovivo' de Mindspace 404 y Absolute Terror

https://youtu.be/C2e1nh-njxk

https://open.spotify.com/episode/7sUaVSvQUgXEpyTftmzvFP?si=10290a4f0d8c48b4