BBK LIVE 2024

El mayor festival de Euskal Herria comienza su montaje para 3 días que tiñen Bilbao de color y música. La edición para este 2024 del Bilbao BBK Live llegará a la ciudad bizkaina el 11 de julio para convertir Kobetamendi en una fiesta hasta el 13 de julio.

Un sinfín de bandas pasarán por un espacio inigualable, en plena naturaleza: Arcade Fire, The Prodigy, Massive Attack, Jungle, Grace Jones... La variedad de estilos musicales es el punto fuerte de esta edición. Al rock y al indie se le suman propuestas que tontean con el flamenco, como María José Llergó o con el techno, como Parkineos.

Una vez más, no podemos olvidarnos de los géneros urbanos. Aunque el rap, el trap y el reggaeton tienen mucho menos protagonismo que ediciones anteriores, algunos nombres no resultarán desconocidos para los fánaticos: Sen Senra, JPEGMAFIA, Ralphie Choo...

Sin duda alguna, también será una oportunidad de oro para descubrir nueva música, que actualmente no se encuentre en rotación en tu Spotify.

 

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AZKENA ROCK

Se acerca junio, y por lo tanto, se acerca la fecha en la que renacen las energías de toda persona apasionada por la música. La sangre que bombea ese corazón: los festivales.

Una de las fechas más que marcadas en el calendario es la del Azkena Rock Festival. La cita que juntará a todos los amantes de la música en directo con más de 50 días.

La cita tendrá lugar durante los días 20, 21 y 22 de junio, en Vitoria Gasteiz. A los grandes nombres como Queens of the Stone Age, Jane's Addiction, Band of Horses o Sheryl Crow, se unen el de bandas locales emergentes. Cabe destacar la presencia de Ezpalak, The Mummies o Txopet, protagonistas de la 3ª sesión de GUTARRAK

Cartel completo, y compra de entradas aquí:


Análisis: Bad Gyal “La Joia”

No vine a iluminaros, vine a deslumbraros

Texto: Kozma

Un agarre con forma de diamante clásico cubre la carátula de la edición especial de "La Joia", el nuevo disco de Bad Gyal. Este disco se promocionó como un “debut” rompedor para la carrera de Bad Gyal, y esta etiqueta puede sorprender sabiendo que ya cuenta con 3 trabajos publicados, que ya han dejado clara su condición de EPs. La Joia es su primer LP oficial, un proyecto que celebra su carrera y le consolida ante un público mayoritario. Bad Gyal está shining bright like a diamond, que diría Rihanna.

Son quince temas los que componen este nuevo disco que por fin pasa de los treinta minutos para llegar a los cuarenta, lo que a mi gusto supone una duración perfecta para un disco de estas condiciones. Y es que La Joia es un proyecto monótono, y ojo, esto no tiene por qué ser algo negativo per se. Todos aquellos medios y fans que se ocuparon de anunciar este proyecto como un antes y un después en la escena musical actual se colaron tres pueblos. La intención de Bad Gyal no es renovar su sonido. Debíamos saber por dónde iban los tiros cuando al anunciarse la tracklist vimos que ya conocíamos siete de los quince temas que la conformaban.

Este nuevo disco por ende no viene a sorprender a los fans que llevan años siguiéndola, sino que viene a presentarla ante un público aún más generalista si cabe. Y es que si mi padre conoce a Quevedo pero no a Bad Gyal, aquí hay algo que no se ha estado haciendo bien. La campaña tan agresiva de promo que hemos visto en los últimos días da fe de la intención de abrir estas últimas fronteras. Porque ir de invitada a El Hormiguero es sentar un precedente.

En esta entrevista, la Bad Gyal que pudimos ver; tan correcta, sonriente y profesional dista mucho de aquella que se sentó en un sofá a charlar con Ernesto Castro sobre los porros como extensión física del interés de la artista por la cultura jamaicana hace cinco años. El camino que ha habido desde el principio de su carrera hasta aquí le ha llevado a un profesionalización que desemboca en una mayor ambición, y por ende, nos ha dado su proyecto más internacional hasta la fecha.

 

Parece que colaborar con un artista que esté al otro lado del charco muchas veces es la consolidación absoluta para un artista español. Bad Gyal últimamente le ha cogido el gusto a Latinoamérica, viniendo de su colaboración con Nicki Nicole, ahora en el disco cuenta con la presencia de Myke Towers, Young Miko, Tokischa, Anitta y Ñengo Flow, a los que se suman los españoles Quevedo y Morad además del jamaicano Tommy Lee Sparta. Todas estas colaboraciones refuerzan la idea de que este es un disco de melodías y de baile, no de lírica. Por eso acaba sonando monótono en su mayor parte, no hay nada que no conozcamos ya, y acabar delegando más en el reggaeton que en el dancehall, motivo por el cual se le ha criticado mucho en los últimos años.

Aun así hay pequeñas perlitas que marcan una diferencia. Tanto la 'Intro' como el 'Skit' logran vertebrar el proyecto. La primera con una entrada ambiental cargada de aura y la segunda con una transición entre el tema de Ñengo Flow y 'Chulo Pt. 2' que prácticamente le deja el trabajo hecho a todos los DJs del mundo. Destacan para mí especialmente las canciones con ritmos africanos. El amapiano de 'Give Me' supone una cálida bienvenida después de tener que aguantara Myke Towers en 'Mi Lova', que está en uno de sus peores momentos. Más tarde Tommy Lee Sparta trae un toque jamaicano más cercano al dancehall en 'La que No se Mueva' y como último detalle a destacar tenemos 'Sexy', que pese a llevar entre nosotros desde verano de 2022 ha conseguido formar parte de la tracklist. Me parece interesante y fresco tener un ejercicio de Diva House (un subgénero de la música Disco) en la recta final del disco. Esta canción coincidió en el tiempo con el último disco de Beyoncé, que llevaba por bandera este estilo de música de baile cogiendo inspiración a su vez de clásicos del género como 'Show Me Love' de Robin S.

 

En varias de las últimas entrevistas que ha concedido de cara a promocionar este disco Bad Gyal ha dejado claro que ahora mismo no tiene ni pareja ni interés romántico en nadie. Por eso tal vez no encontramos esas letras más inspiradas que antaño nos ha podido ofrecer. Lo que sí encontramos es una consolidación de todo lo que ha significado durante estos siete años de carrera. Bad Gyal desprende desde siempre una independencia que supone una inspiración para cualquiera que le escuche, por eso siento que no le hace falta meter tanta colaboración de fuera en este disco. Viendo las uñas que suele llevar, siempre le han preguntado si necesita ayuda para hacer según qué cosas, pero si se permite llevar uñas tan largas es porque no le hace falta hacer trabajos manuales que le resultarían más complicados con sus acrílicas. Se ha ganado esa comodidad a base de trabajar; es algo casi simbólico.

Mientras escribía esta crítica ha sido imposible no acordarme del tema principal de la la película de James Bond "Diamonds are Forever", que tiene el mismo nombre y está interpretada por Shirley Bassey. La letra viene a decir algo así como “Los diamantes son para siempre, son todo lo que necesito para estar satisfecha […] no se irán en la noche, no me da miedo que puedan abandonarme…”. Para mí es inevitable relacionarlo, y es que "La Joia" representa eso, es un diamante pulido y reluciente, que a su vez personifica Bad Gyal, y a la artista nunca le ha hecho falta nada más que ella misma para brillar.


Reportaje: Paralelismos entre las expresiones artísticas de Jackson Pollock y Cecilio G

Reportaje de Sara Doce para GRINDIN’

Aunque Jackson Pollock y Cecilio G son artistas de diferentes épocas y expresaron su arte por medio de diferentes vías, puesto que el primero fue un artista expresionista abstracto y el segundo un artista musical reconocido por su música caótica, hay bastantes paralelismos más de los que se pueden presuponer a simple vista, aunque cada uno en su propio contexto.

Innovación en su arte

Tanto Pollock como Cecilio G son conocidos por su innovación en su respectivo campo artístico. Pollock revolucionó la pintura moderna con su técnica de «dripping» (goteo), que consistía en salpicar pintura sobre la tela en lugar de aplicarla con pinceladas convencionales.

Pollock utilizaba grandes lienzos colocados en el suelo y se movía alrededor de ellos, dejando caer y lanzando la pintura de forma aleatoria y controlada sobre la superficie. A menudo, también utilizaba otros objetos, como palos o espátulas, para manipular y extender la pintura.

El resultado de la técnica de «dripping» es una obra que parece caótica e improvisada, pero que también tiene un sentido de unidad y equilibrio. Los críticos de arte han interpretado las obras de Pollock como una expresión de la energía y el movimiento de la vida moderna, así como de la subjetividad del artista y su proceso creativo. Esta técnica se ha convertido en una de las marcas distintivas del arte de Jackson Pollock y ha influido en muchos artistas posteriores.

Cecilio G, por su parte, ha sido aclamado por su innovación en el rap español, fusionando géneros y experimentando con diferentes estilos. Dio sus primeros pasos en el mundo del graffiti y del freestyle con 14 años, con el apodo de Punky Negro.

En sus letras, Cecilio G ha explorado temas como la ansiedad, la depresión, la soledad y la muerte, así como su propia vida y experiencias personales. Lo que en consecuencia le dio un gran impulso a esa faceta de artista innovador, sin establecer límites entre géneros y dejando de lado la actitud de flexeo que imperaba en los artistas de la época.

Libertad creativa

Ambos artistas se han caracterizado por tener una gran libertad creativa en su trabajo. Comenzando por Pollock, fue uno de los pioneros del expresionismo abstracto, que permitía a los artistas expresar sus emociones y sentimientos de manera libre y sin restricciones. Para el arte moderno, los procesos artísticos deben incluir técnica y espectáculo tecnológico.

Los artistas contemporáneos demuestran su arte en su apariencia, entonces no podrán confiar en la destreza manual de quien los hace. El concepto de la calidad queda relegado a nuevas posibilidades en la práctica artística. La obra no pretende definirse por cualidades estéticas. Por ejemplo, en lo que a objetos se refiere, los urinarios de Duchamp, no serían mejor arte incluyendo uno de mejor calidad.

El trabajo impecable ya no es determinante en esta nueva fase del arte, pero la creación artística no desaparece, hasta cierto punto todo es un proceso creativo y siempre es necesario, solo que ya no responde específicamente a habilidades técnicas, que tal vez ni siquiera incluyen preparación como los "Redy-made" del anteriormente mencionado Duchamp.

Jackson Pollock fue uno de los grandes precursores de las vanguardias artísticas de la segunda mitad del siglo 20, con sus cuadros reivindicando el arte en la acción y en la propia figura del artista. Esto fue una actitud muy innovadora y queda en manifiesto que se liberó de todos los moldes pre-establecidos.

Con respecto a Cecilio G, también ha sido reconocido por su estilo libre y personal, que a menudo se aparta de las convenciones del rap español. Fue miembro fundador de la banda PXXR GVNG y uno de los precursores de la escena trap española entre los años 2012 y 2013. Sin embargo, dejó el grupo poco después debido a una pelea y diferencias personales, aunque el nombre fue pensado por Cecilio G y se mantuvo.

Posteriormente, «Yonosoytupadre», un proyecto de cinco canciones que el propio artista bautizó como «suicidio comercial» porque no contenía rap, fue lanzado en julio de 2018. Según Gonzalo Herrera, de la revista digital Vice, fue el mejor disco punk de ese año, con guitarra, bajo y batería, no punk en un sentido metafórico de «el trap es el nuevo punk». En una época en la que todo el mundo va hacia lo urbano, lo latino, los samplers y demás, que un artista que estaba en la cresta de la ola se diera la vuelta para recuperar los instrumentos musicales supuso una jugada muy rupturista.

Uno de los que más ha analizado su figura, en su libro «El trap. Filosofía millennial para la crisis en España», es el filósofo Ernesto Castro. Consideró a Cecilio G inclasificable y desclasificado, el artista más singular e irrepetible de la escena urbana. Conclusión en la línea del crítico de arte Clement Greenberg, uno de los primeros en reconocer la importancia de la obra de Pollock y en promoverla en el ámbito artístico. Greenberg escribió extensamente sobre el trabajo de Pollock y lo presentó en exposiciones importantes en la década de 1950.

Impacto cultural

Por otra parte, Pollock y Cecilio G han tenido un impacto cultural significativo en sus respectivas disciplinas. Pollock es considerado uno de los artistas más influyentes del siglo XX, y su obra ha sido objeto de numerosas exposiciones y estudios. Cecilio G ha sido uno de los artistas más destacados de la escena del rap español en los últimos años, y su música ha sido reconocida por su originalidad y calidad.

El impacto cultural de Jackson Pollock es incuestionable, ya que su obra ha influenciado significativamente la historia del arte y la cultura popular en todo el mundo. En primer lugar, Pollock es considerado uno de los principales exponentes del movimiento abstracto expresionista americano, que transformó la forma en que se concebía y se producía el arte en la posguerra.

El legado de Pollock también se extiende a la cultura popular, donde su estilo ha sido adoptado y parodiado en múltiples ocasiones. Por ejemplo, su técnica de salpicaduras se ha utilizado en la producción de portadas de discos, carteles de películas, ropa, y otros elementos del diseño gráfico y de moda.

Se puede sacar en claro que el impacto cultural de Jackson Pollock es profundo y duradero, ya que su obra ha influido en la forma en que pensamos sobre el arte, la creatividad y la experiencia humana en general.

Reparando en el impacto cultural de Cecilio G, cabe mencionar que la crisis económica de 2008 y la precariedad laboral que la siguió tuvieron un impacto directo en la juventud española, afectando sobre todo a jóvenes de clases humildes y a otros grupos sociales. La alta tasa de paro juvenil y la proliferación de contratos temporales son algunas de las consecuencias visibles de la crisis.

Sin embargo, a nivel cultural, la crisis y los recortes sociales dejaron una huella más profunda en los adolescentes españoles al exponer la falta de perspectivas sociales para su futuro. Los jóvenes socialmente excluidos, como los «canis» y las «chonis», fueron el germen del trap en España.

Partiendo de ese contexto, es indiscutible ver cómo una figura representativa del lado marginado de la sociedad, como es el propio Cecilio, consigue triunfar cantando sus penas e influye directamente en la percepción de los jóvenes sobre el éxito y la conciencia de clases. Además, sus canciones y su actitud ante la vida, han influido en la forma en que los jóvenes se expresan y entienden la música.

Tragedias personales

Los dos artífices han sufrido tragedias personales que han tenido un gran impacto en su carrera. Una de las principales tragedias en la vida de Pollock fue la relación conflictiva que mantuvo con su padre, quien era alcohólico y abusivo. Esta relación tumultuosa tuvo un impacto profundo en la personalidad de Pollock y en su forma de interactuar con el mundo. Según algunos expertos, el goteo de pintura que caracteriza su obra puede ser interpretado como un intento de escapar de la figura paterna y de encontrar libertad en el proceso creativo.

Otra tragedia personal en la vida de Pollock fue su lucha contra el alcoholismo.

A lo largo de su vida, Pollock tuvo problemas de adicción al alcohol que afectaron negativamente su salud física y mental. Su alcoholismo también tuvo un impacto en su carrera artística, ya que su obra sufrió altibajos y momentos de estancamiento cuando se encontraba en períodos de abstinencia o en rehabilitación.

Además, la muerte de su padre en 1933 y el suicidio de su hermano mayor en 1938 también tuvieron un impacto significativo en la vida de Pollock y en su obra. Se cree que estos eventos lo llevaron a buscar nuevas formas de expresión en la pintura.

En cuanto al «poeta maldito del trap», en su trayectoria de vida el artista sufrió graves problemas de salud mental, su paso por la cárcel y la muerte de su padre cuando era niño. En 2018, ingresó en la prisión de Puig de les Basses por un delito de amenazas ocurrido en el metro de Barcelona en 2015 y un robo con fuerza en 2013. A pesar de estar en prisión, continuó su carrera musical y lanzó una nueva canción titulada «Hahahah». Salió de prisión en noviembre de ese mismo año y este acontecimiento marcó un punto de inflexión en su vida. En 2019, regresó a la música con fuerza lanzando tres mixtapes, siendo la más popular "Milion Dollar Baby".

En otras palabras, aunque Pollock y Cecilio G son artistas de diferentes épocas y medios, comparten ciertos paralelismos en su carrera artística, incluyendo su innovación en su respectivo campo artístico, la libertad creativa que los caracteriza, el impacto cultural en la sociedad cultural de cada quien y la lucha contra las tragedias personales.


Columna: Que el rap es de izquierdas no es debatible

Que el rap es de izquierdas no es debatible

Texto: Aldo Conway

"El rap ha sido siempre reivindicativo contra un sistema o stablishment, por ello la izquierda la reivindicaba. Ahora el stablishment es la izquierda y es lógico que surjan raperos contra eso. Esa es la noticia porque se sale de la norma". Esto lo dijo hace unos días el presidente de las Nuevas Generaciones del PP, Ignacio Dancausa, a colación de un fragmento de un videoclip de Jincho en el que ataca al colectivo trans. "Revolución cultural", decía. Bien.

De unos años a esta parte, la música Hip Hop, dentro de la que se encuentra el rap, está teniendo un éxito de enormes dimensiones a nivel mundial: Kanye West, Travis Scott, Lil Uzi Vert o Drake, son algunos de esos grandes nombres que lideran los tops mundiales de escuchas. Claro que, el rap de ahora no tiene demasiado que ver con el que se hacía antes. Hay muchísimo debate al respecto: ¿Es mejor, peor?, ¿Se ha desvirtuado la esencia?, ¿Debemos volvernos reaccionarios ante la evolución de un género musical que no tiene ni cien años de antigüedad?

Todas estas preguntas suscitan discusiones todos los días dentro de los foros y espacios comunes que compartimos muchos amantes de esta cultura. Es un debate más o menos sano. A veces se pierden las formas y se menosprecia la posición del otro, pero siempre existen puntos en común; muchos de ellos, van más allá de los gustos musicales de cada cual.

Suele haber más quorum en el fondo que en la forma. Esta cultura, a diferencia de otras, va ligada a una ideología. Guste más, o guste menos. Es música negra, una hija del soul, del blues y del jazz; prima del funk, hermana del R&B. En el metal, por ejemplo, existe una polarización muy fuerte: hay tantas bandas nazis como de extrema izquierda, hay bandas cristianas, bandas satánicas, bandas escocesas independentistas y bandas escocesas unionistas. En el rock, el espectro se inclina más a la derecha, aunque, como en el metal, hay de todo.

En el rap, no. Es importante tener en cuenta que, si digo que el rap está ligado a la izquierda, no estoy diciendo que si te flipa la Faenna tengas que votar a Podemos. Hablamos de valores. El Hip Hop se desarrolló como una cultura de combate, como un arma de los deprimidos barrios negros para denunciar la pobreza, el odio racial y la segregación: la voz del guetto. Una idea comunitaria, de apoyo mutuo; redes e infraestructuras alternativas que les permitían soslayar las barreras del sistema.

https://www.youtube.com/watch?v=4qRZ8Q5ap8E

Unos años en los que la dupla Reagan-Thatcher, en Estados Unidos y el Reino Unido, trataron de desmantelar mediante recortes y cambios profundos tomados en un espacio de tiempo muy corto toda la estructura pública del bienestar, lo que provocó una oleada de pobreza que no se veía desde las guerras mundiales.

La segregación racial que empezaba a superarse con las conquistas de derechos civiles en los sesenta y setenta dio paso a la segregación de clase, que aislaba a buena parte de las comunidades pobres de las grandes ciudades estadounidenses. La patria era el barrio y el Hip Hop ha sido, de iure, su folklore y su marca. De eso hace décadas, porque donde antes el mensaje tenía un peso mayor, ahora se presta más atención y cuidado al sonido.

Los productores han cobrado, por fin, el protagonismo que merecen y, a diferencia de muchos MC’s, ellos sí saben de música. Por eso se ha llegado a públicos que antes ni se soñaban. Decía Tote King en el programa de Risto Mejide, hace unos años, que teníamos "el tontipop en la radio a todas horas". La razón es sencilla de entender: melodías pegadizas, canciones alegres y artistas medio carismáticos era más de lo que necesitaba el público general.

https://www.youtube.com/watch?v=htCKMKFjVWM

Nos hemos vuelto exigentes. La música urbana -odio este término, pero lo utilizaré para aglutinar tanto el Hip Hop como el reggaeton y otros géneros del movimiento-, es ahora a donde todos miran cuando buscan referencias, musicales, creativas o estéticas. Dijo Trueno que "el rap es el nuevo rock’n’roll" y se armó un lío tremendo en Argentina. Pero tenía razón. La música se ha democratizado, casi toda en general, un buen micrófono, un portátil más o menos potente y una tarjeta de sonido de cuarenta pavos sirven para sacar un banger.

La accesibilidad y los referentes musicales han dado el empujón a que cientos y miles de chavales y chavalas se hayan lanzado a labrar una carrera musical. Y eso es bueno, pero tiene un inconveniente: es estadísticamente imposible que, de cada cuantos buenos, no salga un merluzo. Los de CPV o Gente Jodida salían en los noventa a apalizar nazis. La madre de Tupac, Afeni Shakur, fue una miembro destacada de los Panteras Negras. ‘Rap vs Racismo’ será un meme, una colabo naif y más tibia que una piscina infantil, pero es una muestra de por dónde van los tiros. Lo de rapear en mítines nazis viene de ahora.

https://youtu.be/kbMt-37oZwg?si=r3trj2srMUF8q-ZW

Porque serán muchas cosas, pero idiotas no. Serán cutres, burdos y maliciosos, pero no son tontos. Saben cuáles son los canales para acceder a ese nuevo público, no tan politizado, no tan escorado a la izquierda. Vemos pulseritas de Vox en conciertos de Delaossa, de Natos y Waor, de Ayax y Prok. No precisamente por acercamiento ideológico, sino por esto que digo de las estadísticas. A más público, más idiotas.

La ‘profesionalización’, según Jorge Dioni, es un eufemismo para decir ‘privatizar’, o ‘capitalizar’; el efecto colateral es el aumento de capital disponible en el mercado; es decir, más pastel para repartir. La fiebre del oro de la música urbana. Todos quieren ser Gloosito. Spoiler: nadie puede ser Gloosito, pero la trampa está ahí. Nos hemos dejado llevar por los éxitos efervescentes y las carreras de proyección galáctica.

Ya no estaba solamente el flipao’ que aspiraba a jugar en Primera División, ahora también hay Josemigueles y Juanantonios que de verdad creen que van a triunfar en la música sin tener ningún tipo de talento. Prueba de ello es la proliferación de anuncios en redes sociales. "¿Quieres aprender a producir exitazos?", "¿Quieres escribir letras de rap profesionales?". ¿Conocéis a Tomás Segura? Buscadlo en Google. Es un tipo con diez oyentes mensuales en Spotify que asegura que hará de ti poco menos que un Prodigy de Ciudad Real. ¿Morirá de éxito el rap? Recordemos al Cruzzi. A veces Dios te castiga dándote lo que deseas.

https://www.youtube.com/watch?v=2CUarjXPxwY

El rap no es un género anti-stablishment. No compremos el marco discursivo de la derecha: el rap es música de izquierdas. Punto. No hay debates, no hay peros, no existe ninguna discusión posible. Si el mundo fuese un lugar justo e igual para todos, ¿El rap pregonaría lo contrario? ¿Defendería la tiranía por encima del bien común si ese fuese el stablishment? ¿Si le pongo un boombap a un discurso de Abascal lo podemos llamar rap también? ¿Conoció realmente Kase O al espíritu de las plantas? Es más: ¿Es Javier Ibarra el Miguel Bosé del spanish rap game? Demasiadas preguntas, y todas tienen la misma respuesta: no. Excepto lo de Miguel Bosé. Lo de Miguel Bosé es verdad.

Los coqueteos de Kanye con los supremacistas blancos, Prok diciendo que quiere invertir en pisos turísticos en su propio barrio, la Mala Rodríguez convertida en la Muy Mala Rodríguez. Tantos otros. No son actitudes que debamos tolerar, ya no como audiencia, como público. La cultura es de todos, es inclusiva, jamás ataca al oprimido. Imagina a un cantaor de flamenco escribiendo letras contra el pueblo gitano. No tenemos que aceptar estos cambios como algo inevitable. No debemos permitir que ganen la batalla cultural, porque quien domina la cultura, domina el mundo.

https://www.youtube.com/watch?v=zHhXDF4H-S4

Cuando Andrea Levy dijo "Aquí somos más de Yung Beef", Yung Beef le contestó: "Pues yo creo que Yung Beef te vaciaría un cargador en la pierna si pudiera". No aceptéis menos que esto. Hip Hop es Percless hablando de irse a varear olivos a las 5 de la mañana. Es Piezas dejándose los lomos por sacar adelante a su familia, pese a sus intereses musicales. Es Dano retratando Lavapiés. El rap es el puto Saske, no el Santaflow de los cojones.


#DROPABOMB3

¡Ya tenemos ganador!

La 3ª edición de #DROPABOMB se celebró entre los pasados días 18 de junio y 23 de julio. En esta edición especial, decidimos fijar el foco sobre los beatmakers. Al contrario que en las 2 anteriores ediciones, tendimos la mano a la leyenda portugaluja EL$$O RODRIGUEZ para volver a pulir su 'Jack The Hat'. Tomamos la a cappella del single para que cualquier productor musical pudiera hacerle su propio traje a medida. Sin importa el género.

Un jurado formado por Enry-K, $kyhook, Al Sobrino, Vic Vega & Kruze, Las Ninyas del Corro, Baby Pantera, Kabasaki y Cooper de Space Surimi fue el encargado de rescatar a los 5 finalistas del proyecto.

Un total de 127 candidaturas fueron recibidas en el periodo de 2 semanas. Siendo los siguientes productores los finalistas del proyecto: Shaeta, Mario Zuger, Bronson, Seofel y One Path. Tras un sprint de lo más intenso, fue Shaeta quien se erigió como ganador de #DROPABOMB3.

El beatmaker y productor de Jaén se llevó el premio que servían Audio Technica, Profesor CBD, Doberman Madrid, El Salseo y Stelars.


Análisis: Vazkez, al otro lado de 'La Ría'

Al otro lado de 'La Ría'

Texto: Jon García

Nunca me había visto en la situación de ponerme a escribir y haber tenido que parar para limpiar las lágrimas que se escurren por el táctil de la pantalla. Así no funciona. Empieza a abrir apps de forma caótica sin mi permiso. Pero bueno, alguna vez le habrá pasado al Vazkez, quiero pensar.

Estoy un poco emocionado. Y es simplemente porque mi vida, la que yo vivo. Lo que yo veo, lo que yo siento y lo que yo escucho está ante los ojos de todos. Todos pueden verlo, todos pueden sentirlo y todos pueden escucharlo. Alguno hasta comprenderlo. Y no es una tontería. Ya puede haber cien mil millones de conexiones digitales, hoy en día -y todo en tu mano- que es más común que nunca el sentirse solo. Sentir que nadie te escucha, o que nadie te ve.

En estas semanas, no es el caso. Y es que cada persona que está leyendo esto, se ha comido a Ben Yart hablando sobre chihuahuas en uno de los espacios con mayor exposición del país: las Gallery Sessions. Y en parte, Ben Yart habla de mí. Ante los ojos de todos: de los míos que por poco se cargan el móvil, deslizándose entre las grietas de la pantalla. Y ante los achinados por los porros y las risas dentro de una lonja. 

https://www.youtube.com/watch?v=_oUybN8sBHE

Vazkez también ha hablado de mí. Más que hablado, ha cantado. Me ha dedicado una canción. Y por no ser pretencioso diré que también se la ha dedicado a mi ama. Y a mi amama. Y a cualquier persona nacida en Euskal Herria -o no- que ha luchado contra muchas cosas. Contra las clases sociales, contra la violencia policial, contra el abuso de poder, contra la crisis y la inflación

Vazkez es de Portugalete, aunque parte de su familia proviene de Galicia. Como la mía. Seguramente como la tuya, o como la de alguien de tu kuadrilla. Y cuando digo “Galicia” también quiero decir “Extremadura”, y “Castilla”. Y Asturias, y Catalunya… Ben Yart es de Mendillori, aunque conoce muy bien Bizkaia. Lo que viene a ser el centro, Bilbao, y lo que vienen a ser las villas como Portugalete.

‘Ceros’ es complejo, enrevesado, misterioso… Una adivinanza kinki. Te habla como a un niño, con metáforas divertidas que entiendas. Aunque el que te habla es un profesor súperdotado, al que le puede la emoción sobre lo que te está explicando. Y eso no lo hace complejo, sino interesante.

https://www.youtube.com/watch?v=pbA8zPmQWm8

Su hermana, ‘La Ría’, es muy diferente. Es muy directa y tiene mucho desparpajo. No es kinki, es canalla. Te pide un piti y un hielo para el cubata y ya le has visto de espaldas dando tres pasos cuando ha gritado: “eskerrik asko”.

Quiero hablaros de cómo es la situación en esa casa. Pero antes de todo esto, tengo que explicaros algo. Vazkez escribió ‘La Ría’ por La Ría de Bilbao. Es realmente la ría del Nervión y del Ibaizabal, la misma que muere y nace en el mar cantábrico. Aunque nosotros, los de Bilbo, le decimos simplemente: La ría.

Tiene mucha historia a su alrededor, aunque todo esto haya cambiado enormemente con el paso de los años. Y pese a que la situación se ha regulado, aquí hay un mantra: los pijos y los ricos viven en la margen derecha de la ría. Y la clase obrera, es a la que le queda la margen izquierda. El pobre va donde puede, el rico viaja. En la derecha se agolpan cómodamente los chalets y las tiendas. Mientras las vecinas se quejan de la mala imagen que da el humo de las fábricas, que hace desaparecer -no para siempre- a los de la margen izquierda.

En la margen derecha está el puerto marítimo, con sus barcos amarriditos. A la margen izquierda llegan los del resto de provincias a recoger el pico. ¿Qué prefieres un Q5 o un X5? ¿Qué prefieres picar la mina en Malaespera o mancharte las manos en la siderurgia en Altos Hornos?

La cosa ha cambiado mucho, aunque el sentimiento distante a veces se siente. Como un miembro fantasma. Y de eso va ‘La Ría’ de Vazkez. De esa chica que vivía al otro lado de La Ría, pero ha cambiado de peluquería. Y ahora se junta con la porquería.

"Ha cambiado las perlas por los aros del chino.
Se ha puesto coleta.
Ha roto sus vestidos.
Se ha cambiado al gitaneo,
antes siempre era de Fito".

'La Ría' es un himno, y es el nuestro. Porque cada frase puede hablar por nosotros. Y es que hay cosas que no cambian. Hay historias que nunca entenderemos, y es difícil que alguna vez entendáis alguna historia nuestra. En media península creen que es buena idea asociar 'vasco' a 'etarra'. No voy a luchar por desligar la palabra 'violencia' de 'etarra', eso es demasiado. Ni siquiera creo que se deba hacer. A lo que voy es que: resulta crudo que muchos sigan llenándose la boca con una ETA extinta, mientras los abusos de poder todavía hoy vigentes parecen insustanciales.

No nos olvidamos. Hemos crecido, nos hemos educado y nos hemos divertido en los Gaztetxes. Nos ha pegado la policía fuera de Kukutza. Y les ha pegado la policía en Errotxapea.

Quiere tatuarse a fuego "ACAB" en las costillas,
para luchar contra la opresión policial.
Pero le da palo por su tío policía,
y va con él de vacaciones a la playa de Gandía.

https://open.spotify.com/album/4V4RP0TaGmK6GiryVDdZHW?si=TI8kuV_rSLS66aeHaDSM5g


C. Tangana, Yung Beef y Dellafuente: La santísima Trinidad

C. Tangana, Yung Beef y Dellafuente: La santísima Trinidad

En términos católicos, el dogma de la Trinidad considera a tres personas divinas en una sola y única esencia, lo que finalmente conformaría a Dios tal y como lo conocemos. Y poniendo esta idea sobre la mesa, llevando el concepto a la industria musical española y haciendo un símil entre ambos conceptos... Es innegable el cambio revolucionario y la gran importancia que ejercieron C. Tangana, Yung beef y Dellafuente. Hasta el punto de no poder entender la escena actual del mimo modo si faltase alguno de ellos.

Entrando en materia, las carreras de los tres artistas comenzaron de manera muy dispar, no solo por los distintos lugares de procedencia de los susodichos, sino también por las condiciones y la filosofía de cada uno, lo que los impulsó hasta la cima de una escena construida por ellos mismos.

https://www.youtube.com/watch?v=hVHmF8kub7Q

Comenzando por C. Tangana, el joven madrileño comenzó su carrera musical bajo el seudónimo de “Crema” en 2006, siendo uno de los integrantes del grupo de rap Agorazein, junto a Sticky M.A., antes conocido como Manto, Jerv.AGZ, Fabianni y Blanco Sugar . Aunque tras unos años y múltiples lanzamientos, dejó atrás el a.k.a en 2011, con el álbum “Agorazein presenta a: C. Tangana”. En lo que respecta a su trayectoria, podemos destacar cómo desde los comienzos ha mostrado una filosofía mercantilista con su música, tratándola como un producto con lo que generar riqueza. Algo que fue duramente criticado, ya que para ello, junto con su alias, cambió su catálogo musical a uno mucho más comercial, alejado de sus primeros temas en los cuales rapeaba.

Junto con las críticas, el madrileño también se hizo con grandes éxitos, así como el lanzamiento de su primer álbum de estudio en solitario, Ídolo, a finales de 2017. Este nuevo LP representaba a un C. Tangana con una identidad renovada, cuidada y directa, con la que demostró a todo el panorama su influencia dentro y fuera de la industria.

Supo vender bien su producto, algo que quedó claro tras firmar el contrato propuesto por la reconocida multinacional Sony Music España, como él mismo menciona en su último tema distribuido por Agorazein, “Espabilao”, «He firmado el contrato más caro en España de to’ el gremio (To’ el gremio). Yo ya cumpli’o tus sueños, y no me ha entra’o ni sueño (¡No!)». Sin embargo, no todo lo que reluce es oro, y la consecuencia de esto fue el enriquecimiento, pero la pérdida de su esencia underground. ¿Más es esto importante cuando tu verdadero propósito es el éxito y no el mensaje?

Realmente, mediante su jugada magistral consiguió escalar a lo más alto del panorama y consiguió expandir su música fuera de España, por lo que podemos concluir en que cumplió las metas que se había propuesto, logrando la posición a la que aspiraba cuando empezó a rapear.

Además, en esta época tuvo ciertos encontronazos con otros integrantes de la escena musical que no compartían su visión sobre la música y su mercantilización, como con Los Chikos del Maíz y Pxxr Gvng, destacando el debate entre en el Opening Press Conference del Primavera Sound en 2018 con Yung Beef, integrante del último colectivo mencionado.

En el debate, Yung Beef defendía una postura mucho más unitaria y protectora en cuanto a la comercialización de la música, defendiendo que el cambio en la industria debía de comenzar desde abajo, desde los mismos artistas. «Yo lo que quiero es hacer ver a los chavales que esto lo tenemos que proteger nosotros. Porque sobra comida en esto, no hay que tener miedo a las multinacionales».

Remontándonos al boom de Yung Beef, el nombre artístico de Fernando Gálvez, debemos situarnos en el verano de 2014, concretamente en Granada, su ciudad natal. Yung Beef, también conocido coloquialmente como “El Seco”, liberó «Llórame un río», canción con la que seguía dándose a conocer de manera individual. Siguiendo con su trayectoria, junto a Kaydy Cain, Khaled y Steve Lean conformaba no solo Pxxr Gvng, sino también La Mafia Del Amor, grupos musicales separados según su género.

Con el primero de ellos, estableció el sonido trap en España, ya que fueron los pioneros en llevar este género a la radio, como a “Los 40” en la entrevista que dieron para promocionar su álbum «Los Pobres» en 2015, subvencionado por Sonic Music España. En lo referente a este trabajo, como Fernando ha declarado en diferentes ocasiones, los cuatro integrantes les entregaron a la multinacional un proyecto hecho a la medida de lo que querían y con el dinero generado, tras finalizar el contrato, Yung Beef creó su propio sello musical: La Vendición, para apoyar e impulsar el trabajo de los artistas emergentes desde la calle y el barrio.

Esta propuesta es totalmente contraria a la filosofía del anteriormente mencionado C. Tangana, que con sus mismas palabras en la entrevista del Primavera Sound manifiesta: «no se puede luchar en una guerra contra bazucas con piedras». Pero lo que sí es innegable, es que mediante su discografía, Yung Beef mantuvo su filosofía de colectividad y con ello alcanzó el éxito, abanderando el mensaje de lograr dinero con la música como medio, no hacer la música por dinero.

Dellafuente, por su parte, ha jugado sus cartas de una manera totalmente distinta a los otros dos artistas. Mostrándose siempre críptico y low-key, en 2012 comenzó a publicar sus sencillos en la plataforma de YouTube, con la particularidad de que no contaban con videoclips. Los singles iban acompañados primero por gifs y posteriormente por visuales personalizados, y aunque alguna canción sí que cuente con clip, este siempre se muestra escondido tras una gorra y unas gafas de sol en ellos.

Es por eso que el artista creó una gran admiración entre sus fans, ya que asimismo, en sus letras siempre ha manifestado que la fama no es lo que busca y que le abruma, lo que le convierte en una persona más cercana de cara a su audiencia. Igualmente, en sus canciones, defiende el amor por su familia, sobre todo por su mujer, y la vida de la que disfruta, no trata temas superficiales como el sexo o la cosificación de la mujer.

Como declara en 'AMG-Coco’«Me dicen el yeli, yeli, celebran que yo soy puro, porque hago temas raros en los que no hablo de culos». Un nicho musical poco explotado teniendo en cuenta la cantidad de letras gráficas y sexuales que se consumen a día de hoy.

La filosofía que adopta Dellafuente es la de elaborar sus proyectos con calma, puliendo los detalles y bajo su sello, “Santa Catalina”, el nombre de su mujer. En cuanto a su éxito, es increíble ver cómo tras los años su “equipo”, «Dellafuente FC», no deja de crecer con cada lanzamiento del artífice, todo ello siguiendo con su estética de ocultismo y sin conceder entrevistas públicas, ni estar en el spotlight. Recalcar también que su público abarca a gran parte de los jóvenes y no tan jóvenes de España, puesto que como él mismo menciona «lo mismo me escuchan pijas, que en centros de menores».

Es la definición de que si se hace bien el trabajo y se es constante, se puede presentar un proyecto alejado de los focos mediáticos y aún así distribuirlo de manera que llegue a todo el mundo, algo poco habitual teniendo en cuenta que el éxito y la fama van de la mano.

En definitiva, los tres artistas han sido fundamentales para el desarrollo de la escena que, en conclusión, han creado. Se han encargado, de una manera u otra, de abrir nuevos caminos a las generaciones posteriores, ya sea enseñando a los futuros artistas como negociar con las majors, por otro lado, motivándoles a fomentar un sentimiento de colectividad entre ellos o haciendo una síntesis entre ambas filosofías, como Dellafuente, e instruir en vender su producto sin prostituir a su música, ni su imagen.

De sobremanera, los tres cantantes han llevado el éxito a su zona y una salida, apartada del mundo criminal, para todos los oyentes de los barrios bajos como de los que ellos provenían.


Reportaje: La presencia femenina en la industria musical

La presencia femenina en la industria musical

Análisis de Sara Doce para GRINDIN’

Algo irrefutable es que la presencia femenina en la industria musical urbana ha ido en aumento en los últimos años. Y cada vez son más las mujeres que se dedican a este género musical. Y que han logrado hacerse un nombre en la escena nacional e internacional.

Algunas de las artistas más destacadas en España en la actualidad son Rosalía, Bad Gyal, La Zowi y Juicy BAE, entre otras muchas. Todas ellas han logrado llamar la atención del público de distintas maneras. Y en diferentes estilos musicales, ya sea innovando y reinventando o cogiendo múltiples referencias de su alrededor.

A pesar de que aún existe una brecha de género en la industria que es bastante notoria, el mensaje que abanderan las mujeres es cada vez más importante y necesario en la sociedad actual. Su presencia está creciendo y evolucionando, lo que demuestra que el talento no tiene género y que las mujeres están rompiendo barreras y estereotipos en este ámbito musical.

Aunque estas a menudo tienen menos visibilidad que sus homólogos masculinos, lo que dificulta su progreso y éxito, no ha sido impedimento para que su eco perdure en el tiempo, como por ejemplo es el caso de Gata Cattana. Fue el nombre artístico de Ana Isabel García Llorente, poeta, rapera y activista española originaria de Sevilla, una de las figuras más destacadas del panorama del rap y la poesía urbana en España.

Es conocida por su estilo lírico, crítico y comprometido socialmente. Su obra abordó temas como la desigualdad, el feminismo, la política y la cultura, y recibió reconocimientos y elogios por su gran calidad literaria y su capacidad de conectarse con el público joven. Desafortunadamente, falleció a los 26 años en 2017, aunque aún a día de hoy, su obra es muy valorada y reconocida, tanto por parte del público como por parte de muchos artistas.

Retomando el tema de las razones de esta desigualdad, una de las más visibles es debido al estigma de que el rap es un género musical «masculino». Aunque en general el papel de la mujer en el rap y en la cultura hip-hop ha sido objeto de muchos debates y discusiones, las mujeres han estado presentes en el rap desde sus inicios, pero a menudo han sido marginadas, silenciadas y su contribución ha sido ignorada o minimizada.

Históricamente, el rap ha sido un género musical dominado por hombres, hecho inequívoco, y la representación de las mujeres ha sido limitada y estereotipada, pero no completamente acallada. Las primeras mujeres en el rap, como MC Lyte, Queen Latifah, Salt-N-Pepa... Surgieron en la década de 1980 y se destacaron por sus habilidades líricas y su enfoque en temas feministas y sociales.

A lo largo de las décadas siguientes, más mujeres comenzaron a hacerse un nombre en el rap y la cultura hip-hop, incluyendo artistas como Lauryn Hill, Missy Elliott, Lil’ Kim, Nicki Minaj... Y un largo etcétera. Sin embargo, las mujeres del género todavía enfrentan obstáculos como la misoginia, la discriminación y la sexualización excesiva.

Cabe mencionar que las MC también enfrentan desafíos en términos de la representación y la falta de oportunidades para actuar en vivo. A menudo se les ofrece menos oportunidades de actuación que a los artistas masculinos, no solo así, las mujeres también suelen enfrentan aún más dificultades para encontrar el difícil apoyo financiero y discográfico para el desarrollo de sus proyectos.

A pesar de estas dificultades, las mujeres están luchando por la igualdad de género en la industria musical, y muchas han logrado un gran éxito a pesar de los obstáculos que enfrentan, como por ejemplo Aleesha. La joven ibicenca, con una destacada capacidad vocal y sensibilidad musical, se ha consolidado como una de las artistas urbanas más influyentes a nivel nacional e internacional. En apenas dos años aterrizó en el escenario de dos de los festivales más populares de nuestro país: Primavera Sound y Sónar. No solo así, sino que también se hizo un hueco en el lineup del prestigioso festival internacional Rolling Loud Portugal en 2021.

Otro ejemplo de ello son las catalanas Felinna Vallejo y Laura Bonsai, juntas conforman el grupo Las Ninyas del Corro, el cual cuenta con temas con más de medio millón de reproducciones en las plataformas de streaming. El nombre del grupo hace referencia a sus apariciones den los primeros corros de Barcelona. Sobre todo en el MACBA y Mundet. Todos esos eventos de rap donde se iban conociendo entre todos, como ellas mismas han indicado en alguna entrevista. También a la cultura popular española, lo que es una clara declaración de intenciones.

 

Además, la creciente presencia de mujeres en la escena musical está ayudando a cambiar la percepción de que el rap es un género exclusivo de los hombres. Y está abriendo nuevas oportunidades para las mujeres en otros campos artísticos, como el diseño gráfico, la producción o la moda. Aunque aún quede mucho por recorrer, es reconfortante saber que poco a poco se está labrando un camino gracias al trabajo de muchas artistas implicadas.

 


Reportaje: La nueva ola de 2023

Esto es la nueva ola, cúbrete para no mojarte

Análisis de Sara Doce para GRINDIN’

Fotografía de Xiana Quintas

Es el momento de que observemos los acontecimientos que han hecho posible el desarrollo de una nueva escena musical en España, mediante las distintas perspectivas de diversos artistas y productores emergentes. Esa nueva ola.

Es innegable como a lo largo de estos últimos años, nuevos sonidos han ido inundando las playlists de los fans de la música más underground. No solo por parte de los artistas ‘’pegados’’, muchos de ellos renovando su estilo, sino más bien gracias a los artistas que han ido emergiendo. Pero, ¿Que quieren decirnos estos nuevos artistas?, ¿Cuáles son las diferencias que encuentran respecto a escenas pasadas?

Para situarnos, con la llegada de la pandemia y la cuarentena que asoló al mundo entero, se encontró un nicho en el mercado musical; la oportunidad de poder pulir los trabajos con mayor calma, respetando los procesos creativos de cada artista, tanto profesionales como amateur, y la búsqueda de nuevos sonidos y estilos. Algo sin precedentes teniendo en cuenta la abundancia de música de la que hemos dispuesto, debido al asentamiento de las plataformas digitales mediante las cuales consumirla y publicarla.

Esto supuso un antes y un después, no solo de cara a los artistas y productores, sino también en lo que se refiere al público, que empezó a exigir trabajos a la altura de las expectativas generadas por parte de los artífices. Érebo, productor y componente de «La Joyería», reflexiona sobre todos los cambios impulsados por la pandemia; "Yo personalmente como artista vuelvo a sentir la misma ilusión que tenía en 2015, siento como que después de la cuarentena ha habido un reset y hemos vuelto a esa frescura que tenía entonces y a mi parecer mejorado; en esa época el sonido en los temas empezó a valorarse mucho más con la entrada del tune y la electrónica al rap en general y para mí que llegó un momento que eclipsó la calidad del mensaje, no tenía tanto peso".

Añade: "Hoy día con estos sonidos ya asentados ya no sorprende un mensaje vacío por más bonito que suene, y es por eso que creo que estamos llegando al equilibrio entre el mensaje y el sonido. También siento que se ha roto completamente la barrera de los géneros tanto por parte del creador como del público, solo importa si transmite o no y eso da mucha rienda suelta a que cada vez se explore más, haya propuestas más arriesgadas y que se llegue a nuevos sonidos."

Fijándonos en esos nuevos sonidos, nos llega el género estadounidense distinguido por sus riffs rápidos con voces agudas cargadas de auto-tune, contrarrestadas por un bajo más fuerte y más bajo que los de una pista de EDM. Conocido popularmente como Hyperpop, y el cual fue reconocido como microgenero oficialmente en 2019. Actualmente se ha vuelto tremendamente popular por combinar música Industrial, EDM, Neurofunk y Bass con música Pop, algo fresco para muchos oídos exigentes. En España se popularizó sobre todo en 2022, dando paso a un boom de nuevos artistas.

"Para mí, en los últimos dos años ha habido un cambio total en el panorama, de que se puedan contar con los dedos los artistas que hacíamos este sonido a que haya cientos de artistas con la misma estética y/o sonido. Esto tiene su parte buena y su parte mala, pero prefiero verlo de forma positiva, cuanta más gente haya haciendo esta música, más gente la escuchará y mejores serán las canciones, pero a su vez pienso que es solo una moda y que después de que pase quedarán unos pocos que se hayan establecido.», expone Slappy Av, uno de los artistas referentes de este sonido en el país.

https://www.youtube.com/watch?v=SS3ihaQla7c

No solo así, en el caso del rap, sonido mundialmente reconocido desde hace alrededor de cuatro décadas, ha sido revitalizado incorporando nuevas melodías y 808s, difuminando cada vez más la línea determinante de los límites del género. En los últimos diez años, en España, surgieron grandes y particulares colectivos en diversos escenarios de la península y las islas, con ellos ya formalizados, gran parte de los artistas actuales han crecido bajo su influencia en mayor o menor medida, pero de manera innegable. Ciertamente, gran parte del éxito de estos se dio gracias a la exposición en redes, algo sin precedentes, y el desecho de la idea de firmar con una discográfica multinacional, que impulsó un carácter de independencia y colectividad entre los artistas.

Eso hizo que los artífices empezasen a involucrarse en primera persona en la gestión y distribución de sus proyectos, con todo lo que ello supone. Percless, participe del colectivo cordobés de rappers «El Califato», indaga y opina sobre lo anteriormente mencionado: « Yo empecé a rapear en 2014 de manera amateur creyendo que era profesional y no me profesionalicé hasta 2020. En mi experiencia he visto mi progreso y el de mis paisanos surgir al ampliar el marco de acción de raperx a raperx multidisciplinar; así lo creo en toda España verdaderamente."

Continúa el cordobés: "Pasar de pillar un ritmo, escribir y grabar a pillar un ritmo, escribir, grabar y desde hace un par de años aprender a mandar notas de prensa, conectar con A&R, medios, estar al día de EE.UU. y Europa y cuidar la imagen -que no vestuario solo- a nivel web. Creo que ahí está el cambio a mejor y que si bien entre 2011–2015 hubo un periodo transitorio en el que se redefinió el rap en español a lo que es hoy, salvo un par de años al aire, el nivel se estabilizó y a día de hoy va in crescendo. A mi juicio y con respeto a los pioneros, el rap que se hace hoy es el modelo a seguir".

https://www.youtube.com/watch?v=1SbFellt54c

Retomando el punto anterior sobre la importancia de echar la vista atrás, el artista leonés Lil Mess admite: "Me siento con una facilidad actual de crear y exponer mis vainas mucho mayor que cuando empece, gracias al trabajo que han ido haciendo generaciones anteriores, y gracias a ello aquí estamos todos, dando bolos por ciudades que ni conocía y conociendo gente que admiro desde hace mucho". Que además de expresarse mediante la música, la fusiona con el mundo de la moda y otras disciplinas artísticas.

"La escena urbana actual está más sólida que nunca, no solo hay miles de personas haciendo música, si no que cada vez las porcentaje de ellos se animan a investigar en nuevas vainas y trabajar fuerte en ello, eso nos nutre a todos. Yo personalmente, me encanta trabajar mi proyecto desde muchas perspectivas, y el haber conocido diferentes productores, estilistas, directores creativos o incluso colegas, me han hecho poder jugar mis cartas desde mas ámbitos que solo el musical, y eso es la hostia", apunta Mess.

Como bien podemos ver, dentro de esta nueva escena en progreso de consolidación, se abandera la idea de que si todos comen del pastel, hay más pastel para todos. Algo que abre aún más las puertas a nuevos proyectos sin precedentes.

Por otro lado, en comparación con el panorama americano, el productor 1adaaan, ubicado en Jaén y quien ha trabajado con grandes artistas de EE.UU. como Kankan, Matt Ox, Babytron, etcétera nos cuenta que la escena de allí se distingue de la española por medio de diversos factores. "Para empezar, allí hay mayor diversidad a la hora de escoger una plataforma para el consumo de la música como por ejemplo Spotify, Apple Music, Tidal y demás, lo que hace que se generen mayor cantidad de reproducciones y por consiguiente, la música es mucho más lucrativa que aquí. Otra cosa que me parece importante de destacar es que allí es súper común que los artistas pequeños compren colaboraciones a artistas más grandes y eso es algo impensable en España, por el tipo de mentalidad que hay aquí".

"No solo así, los artistas estadounidenses, por el tipo de público, que es completamente distinto al español, son mucho más versátiles y es algo que siempre he tenido que tener en cuenta a la hora de enviarles packs, además es muy raro hoy en día ver un tema producido por un solo productor, en Estados Unidos se estila que haya normalmente unos tres o más detrás de un beat, que es un dato bastante curioso y a tener en cuenta. Por otro lado, algo que es un puntazo aquí en españa es que hay mucha más cercanía y te sientes mucho más acogido, allí al contrario es un ambiente generalmente mucho más frío y calculador, al menos es la sensación que a mi me ha dado."

https://www.youtube.com/watch?v=tfau2_PfWOE

Tras todo lo mencionado se ve como ha habido un cambio abismal en un plazo de tiempo muy reducido y como en respuesta a diversos factores se han propulsado nuevas maneras de introducirse en la escena musical. El caso de Dellachaouen, paisano granadino, es un claro ejemplo de ello, ya que empezó a publicar su música grabada sin recursos desde su propio teléfono, y en un plazo de un año ha conseguido profesionalizarse y establecerse en Bilbao junto a «La Joyería». Este artista creció de manera orgánica, como él mismo nos menciona, mediante el trabajo constante y la confianza en su proyecto.

Añade que: "A mí siempre me ha dado respeto todo el mundo porque yo siempre lo he demostrado, hay que dejar atrás el ego de rapero. A mí no me da vergüenza decir que me gustan ciertos artistas si es la verdad y la realidad, si tú respetas te van a respetar".

Saber afrontar la escena actual es algo de especial relevancia: "Además en el panorama ahora mismo hay muchísima más simbiosis y en general lo que cuenta en esto es saber moverse, ser pícaro, debido a que la escena se basa mucho en la inmediatez y es imprescindible estar en el momento oportuno. Personalmente, me ha funcionado no tener un personaje y simplemente ser yo, estoy muy agradecido por como me ha tratado todo el mundo en el panorama".

Por lo que, finalmente, podemos concluir que la escena under actual está generando grandes cambios de pensamiento en la mentalidad de los artistas de todo el país y asimismo, cómo todo el mundo tiene cabida en esta nueva generación de artistas y sonidos si uno cree en sí mismo y en lo que tiene para ofrecer al público.